A menudo identificado con la constrictiva etiqueta de “neorrealista”, Roberto Rossellini se mantiene como uno de los grandes directores de la historia del cine italiano: el hombre responsable del renacimiento del cine italiano en la posguerra y uno de los pocos realmente grandes humanistas (junto con Jean Renoir) que trabajaron en el medio.

Nacido en una familia burguesa romana, Rossellini pasó sus años formativos bajo el puño fascista de Mussolini y, en sus jóvenes 30 años, tomó el rumbo de la cinematografía –un patrón común entre los frívolos ricos italianos. Trabajo con su amigo, el productor Vittorio Mussolini, el hijo de “Il Duce”, en el guión de “Luciano Serra Pilota” (1938), una película propagandística que mostró algunas marcas del estilo neorrealista italiano. Luego de dirigir un puñado de películas bajo la bandera del gobierno oficial, Rossellini, el estereotipo apolítico romano, hizo una marca indeleble en el cine mundial en 1945 con “Roma, ciudad abierta”. A pesar de la indiferente respuesta en Italia, la película fue una sensación en Francia y los Estados Unidos con su cruda, casi documental película: fotografía granulada en blanco y negro, actores amateurs y locaciones reales. Estos fueron los elementos que las audiencias no habían visto en largometrajes previamente, y “Roma, Ciudad Abierta” fue aclamada por traer una nueva clase de realismo, el “neorrealismo”, a la pantalla.

Mientras que sus próximas dos películas –Camarada (1946, uno de sus grandes logros) y Alemania, año cero (1947)- ratificarán el sello del estilo neorrealista italiano, Rossellini atraerá crecientes críticas por su uso del melodrama (especialmente a través de las partituras musicales de su hermano Renzo) y las convenciones narrativas de Hollywood. Nunca ha sido un neorrealista estricto, sin embargo. Su propósito era entender más que recrear la realidad, algunas veces para una función expresamente pedagógica (Las flores de San Francisco, 1948), e incorporó otos elementos expresionistas en casi todo su trabajo. Estos elementos son particularmente evidentes en películas como la menospreciada “El Miedo” (1954), con sus psicológicamente basadas visuales, pero ya habían estado parcialmente presentes en “Roma, ciudad abierta”.

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Federico Fellini
Título Original: La Dolce Vita
País: Italia
Año: 1960
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli con colaboración de Brunello Rondi y Pier Paolo Pasolini
Director: Federico Fellini
Fotografía: Otello Martelli
Edición: Leo Cattozzo
Escenografía: Piero Gherardi
Música: Nino Rota
Producción: Guiseppe Amato, Franco Magli, Angelo Rizzoli
Duración: 174 minutos
Intérpretes: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini), Anita Ekberg (Sylvia), Anouk Aimée (Maddalena), Yvonne Furneaux (Emma), Magali Noël (Fanny), Alain Cuny (Steiner), Annibale Ninchi (padre de Marcello), Walter Santesso (Paparazzo), Valeria Ciangottini (Paola), Riccardo Garrone (Riccardo), Ida Galli (Debuttante del año), Audrey McDonald (Jane), Polidor (Payaso), Alain Dijon (Frankie Stout), Enzo Cerusico (Fotógrafo del diario), Giulio Paradisi (Fotógrafo del diario), Enzo Doria (Fotógrafo del diario), Enrico Glori (Admirador de Nadia), Adriana Moneta (Ninni), Massimo Busetti (Niño del milagro), Mino Doro (Amante de Nadia), Giulio Girola (Comisionado de Policia), Laura Betti (Laura), Nico (Nico Otzak), Domino (Bailarín trasvestido), Carlo Musto (Travesti), Lex Barker (Robert), Jacques Sernas (Idolo de Matinee), Nadia Gray (Nadia), Giuseppe Addobbati, Conte Brunoro Serego Aligheri (Joven con abrigo de visón), Federika André (Inquilina en la casa de Steiner), Armando Annuale, Joan Antequera (mujer en el castillo), Juan Antequero (Caballero español con un parche en el ojo en el castillo), Gianni Baghino, Nadia Balabine (Reportera), Ignazio Balsamo, Remo Benedetti, Leonardo Botta (Doctor), Ida Bracci Dorati, Ferdinando Brofferio (Amante de Maddalena), Tito Buzzo (Hombre musculoso), Daniela Calvino (Daniela), Tony Campanino (Hombre en el club nocturno), Fabrizio Capucci (Fotógrafo en al comferencia de prensa), Donato Castellaneta (Reportero), Adriano Celentano, Elisabetta Cini (Duquesa durmiendo), Giulio Citti (Hombre en el club nocturno), Nani Colombo (mujer en el espejo), Mario Conocchia (Abogado con el sostén de Nadia), Francesco Consalvo (Asistente de Scalise), Tiziano Cortini (Cameraman), Decimo Cristiani (joven que no habla), Mario De Grenet (Hombre en el castillo al que no le gusta el olor del perro), Donatella Della Nora (Reportera), Christine Denise (Mujer comiendo pollo), Katherine Denise, Andrea De Pino, Adele De Rossi, François Dieudonné (Reportero), Carlo Di Maggio (Toto Scalise), Count Ivenda Dobrzensky (Giovanni), Donatella Esparmer (Mujer con el hombre irritado), Paolo Fadda (Asistente del Inspector de Policia), Umberto Felici (Reportero), Oretta Fiume (Lisa), Rina Franchetti (Madre del niño de los milagros), Giacomo Gabrielli (Padre de Maddalena), Franco Giacobini (Periodista al telefono), Angela Giavalisco (Mujer en el Aeropuerto), Romolo Giordani (Hombre en el castillo), Christine Graefeck, Lily Granado (Lucy), Libero Grandi, Maurizio Guelfi (Reportero), Gloria Hendy (Mujer en Via Veneto), April Hennessy (Mujer en Via Veneto), Nina Hohenlohe (Mujer en el Castillo), Antonio Jacono (Travesti), Gloria Jones (Gloria), Carlo Kechler (Hombre con reloj), Else Knorr, Paolo Labia (Sirviente en el hogar de Maddalena), John Francis Lane (Reportero), Sondra Lee (Bailarina en Spoleto),Marianne Leibl (Acompañante de Yvonne en la secuencia del milagro), Guglielmo Leoncini (Secretario de Scalise), Giuliana Lojodice (Sirviente en la casa de Steiner), Renée Longarini (Miss Steiner), Francisco Lori (Hombre en la secuencia del milagro), Francesco Luzi (Radioreportero), Mario Mallarno (Reportero), Renato Mambor (Joven Alto), Vittorio Manfrino (Director de Tabarin), Maria Marigliano (Massamilla), Carlo Mariotti (Enfermero), Gino Marturano (Proxeneta), Maria Mazzanti (Mujer en el Aeropuerto), Harriet Medin (Secretaria de Sylvia), Marta Melocco, Nello Meniconi (Hombre en Via Veneto), Alex Messoyedoff (Cura en el sitio del milagro), Gianfranco Mingozzi (Cura que le permite togar el organo a Steiner), Lucia Modigliani, Maite Morand (Reportera), Aurelio Nardi (Tio del niño del milagro), Desmond O'Grady (Invitado de Steiner), Liana Orfei, Umberto Orsini (Hombre de anteojos que ayuda a sacarse la ropa a Nadia), Contessa Cristina Paolozzi (Mujer risueña en la sesion de espiritismo), Ada Passeri (Mujer en la secuencia del milagro), Franca Pasut (Joven cubierta de plumas), Loretta Pepi, Paola Petrini, Cesarino Miceli Picardi (Hombre furioso en el club nocturno), Princesa Doris Pignatelli (Dama con abrigo blanco en el castillo), Alberto Plebani (Doctor), Oliviero Prunas (Oliviero, hijo del principe), Giovanni Querrel (Hombre en el club nocturno), Giulio Questi (Don Giulio), Concetta Ragusa (Reportera), Loretta Ramaciotti (Mujer en la sesion de espiritismo), Leonida Repaci (Invitada de Steiner), Alfredo Rizzo (Director de Television), Rosemary Rennel Rodd (Medium inglesa), Giancarlo Romani (Policia), Franco Rossellini (el bello ginete), Principe Eugenio Ruspoli di Poggio Suasa (Don Eugenio Mascalchi), Margherita Russo (Invitada de Steiner), Anna Maria Salerno (Amiga de la prostituta), Anna Salvatore (Invitada de Steiner), Archie Savage (bailarin negro), Leopoldo Savona (Bailarin negro), Lisa Schneider (mujer en al secuencia del milagroe, Maria Pia Serafini (Segunda mujer con el hombre molesto), Noel Sheldon (Hombre en Via Veneto), Isabella Soldani, Letizia Spadini (Invitada de Steiner), Gio Staiano (Pierone), Gino Talamo, Sandra Tesi, Henry Thody (Reportero), Tomás Torres (Gianelli), Iris Tree (Poetiza en la fiesta de Steiner), Vando Tress (Inspector de policia), Gondrano Trucchi (Sirviente en Caracalla), Teresa Tsao (Mujer en el club nocturno), Winie Vagliani (Invitada de Steiner), Leontine Van Strein, Aldo Vasco (Hombre en secuencia del milagro), Lucia Vasilico (Joven confesandose en la fiesta de Nadia), Maria Teresa Vianello (Mujer en el Aeropuerto), Sandy von Normand (Interprete en la conferencia de prensa), Antoinette Weynen, Angela Wilson (Mujer en Via Veneto), Vadim Wolkowsky (Principe Mascalchi), Maria Teresa Wolodimeroff (mujer aburrida), Italo Zingarelli (Don Giulio).

Ambientada en la Roma de la década de 1950 donde Marcello (Marcello Mastroiani) cubre el lado más sensacionalista de las noticias; estrellas de cine, visiones religiosas, y la decadente aristocracia. La película muestra siete días y noches en la vida del reportero. Marcello vive con Emma (Ivonne Furneaux), una mujer que lo ama y quiere un matrimonio tradicional, pero es posesiva y muestra poca habilidad para entender su desarticulada búsqueda de los valores y el sentido de la vida. El tiene encuentros con otra mujer –Maddalena (Anouk Aimée), una hermosa, saludable, y hastiada amiga/amante, y Anita Ekberg como una estrella norteamericana de cine llamada Sylvia. Marcello también brevemente conoce una encantadora muchacha que trabaja en un restaurante en la playa.

En la secuencia de apertura de la película, una estatua de arcilla de Cristo suspendida por cables de un helicóptero, vuela pasando las ruinas de un antiguo viaducto de Roma. La estatua es llevada hacia el Vaticano. El periodista Marcello y el fotógrafo llamado Paparazzo la siguen en un segundo helicóptero. El simbolismo de Cristo, con los brazos estirados como bendiciendo a toda Roma vuela por sobre ella, pronto es reemplazado por el estilo de vida profano y la arquitectura neomoderna de la “nueva” Roma fundada durante el milagro económico de finales de la década de 1950. el helicóptero de Marcello es desviado por un grupo de mujeres en bikini en una terraza; suspendido en el aire, trata pero falla en conseguir un número telefónico de las mujeres. Alegremente se encoge de hombros por su fracaso y continúa su viaje.

Le entrega de la estatua es la primera de muchas escenas recurrentes situando iconos religiosos en medio de las demostraciones de los personajes de su “moderna” moralidad influenciada por la prosperidad económico y el estilo de vida consumista que emergía.

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Michelangelo Antonioni
Título Original: L'eclisse
País: Francia, Italia
Año: 1962
Género: Drama, Romance
Guión: Michelangelo Antonioni y Tonino Guerra con colaboración de Elio Bartolini y Ottiero Ottieri
Director: Michelangelo Antonioni
Fotografía: Gianni Di Venanzo
Edición: Eraldo Da Roma
Dirección Artística: Piero Poletto
Música: Giovanni Fusco
Producción: Raymond y Robert Hakim
Duración: 118 minutos
Intérpretes: Alain Delon (Piero), Monica Vitti (Vittoria), Francisco Rabal (Riccardo), Louis Seigner (Ercoli), Lilla Brignone (Madre de Vittoria), Rosanna Rory (Anita), Mirella Ricciardi (Marta).

Como el primer (y seminal) trabajo de Antonioni en su Trilogía Eros, L`aventura, L´Eclisse es la clase de película que fácilmente, y justamente, podría ser descrita como aburrida. Los personajes tienen poco sentido, no hay mucho que disfrutar formalmente (fuera de la belleza de las largas tomas), y, sobre todo, nada pasa. El descontento de una mujer en dos relaciones se vuelve el foco. Y el descontento (o imposibilidad) de toda la humanidad en todas las relaciones se vuelven el foco.

La pareja en L'Eclisse se compone de Vittoria (Monica Vitti), una reciente soltera, y Pietro (Alain Delon), un inversor financiero desesperado por el dinero. Vittoria esta frágil, herida, enojada y comienza a salir con la primer persona que se le cruza en la vida –la primer escena de la película consiste en una ruptura entre ella y su ahora ex novio. Su hasta el momento Ex tiene una rabieta debido a que no entiende porque Vittoria lo abandona. Antonioni parece rechazar los motivos de Vittoria. Antonioni habla no a través de los diálogos, sino de la Mise en scène, las relaciones especiales y yuxtaposiciones de objetos e individuos, y la ubicación de la cámara que los captura. Subrayando y rodeando su primera escena están los sonidos e imágenes de la invención – el zumbido omnipresente de un ventilador, el destello de las luces, y piezas de arte arquitectónica que entran amenazadoramente en el cuadro. Antonioni trabaja únicamente con formas cerradas en esta escena, atrapando a Vittoria dentro del entorno de su novio. Vittoria nunca dice porque lo abandona, pero cuando abre las persianas para ver el amanecer, se vuelve claro que Vittoria esta sofocada con esta relación –su naturaleza es obstaculizada por su novio. Pasa enfrente de un espejo, gira para mirarse en el, y retrocede horrorizada por la imagen que ve – difícilmente se reconoce porque su ser esta nublado por su novio.

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Pier Paolo Pasolini
Título Original: Il Vangelo secondo Matteo
País: Italia
Año: 1964
Género: Drama, Histórico
Guión: Pier Paolo Pasolini basado en el Evangelio de San Mateo
Director: Pier Paolo Pasolini
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli
Escenografía: Andrea Fantacci
Música: Luis Enriquez Bacalov y Carlo Rustichelli
Producción: Alfredo Bini
Duración: 137 minutos
Intérpretes: Enrique Irazoqui (Cristo), Margherita Caruso (Maria (joven), Susanna Pasolini (Mary (vieja), Marcello Morante (Jose), Mario Socrate (Juan el Bautista), Settimio Di Porto (Pedro), Alfonso Gatto (Andres), Luigi Barbini (Jaime), Giacomo Morante (Juan), iorgio Agamben (Felipe), Guido Cerretani (Bartolomé), Rosario Migale (Tomas), Ferruccio Nuzzo (Mateo), Marcello Galdini (Jaime hijo de Alphus), Elio Spaziani (Tadeo), Enzo Siciliano (Simon), Otello Sestili (Judas), Rodolfo Wilcock (Caifas), Alessandro Clerici (Poncio Pilato), Amerigo Bevilacqua (Herodes I), Francesco Leonetti (Herodes II), Franca Cupane (Herodiade), Paola Tedesco (Salome), Rossana Di Rocco (Angel del Señor), Renato Terra (Poseído), Eliseo Boschi (José de Arimatea), Natalia Ginzburg (Maria de Betania), Ninetto Davoli (Pastor), Enrico Maria Salerno (Voz de Cristo).

Pier Paolo Pasolini fue un cineasta italiano que también fue poeta, ensayista, marxista y homosexual. Pero en todo fue un intruso. Fue rechazado por la burguesía católica por marxista y homosexual. Los marxistas lo rechazaron por no mantener la línea filosófica. Y sus escritos tanto para cine como teorías literarias a menudo fueron descartados por la intelligentsia por su falta de credenciales académicas y una percibida falta de rigor en su trabajo. es, por lo tanto, en muchas maneras irónico que uno de sus mas exitosas películas fuese una adaptación del Evangelio de San Mateo. Aun la principal fuerza en la vida de Pasolini, a la cual todas las otras se subordinaban, era la pasión. Y en toda la literatura no hay un mayor ejemplo de pasión irracional que la historia de Cristo y su muerte.

La película fue filmada entre las colinas de Basilicata al sur de Italia. La escenografía eran las aldeas de los pobres, y solo amateurs fueron usados como actores. La madre del director hizo el papel de Maria en la época de la crucifixión de Cristo. Pasolini hizo algunos cambios a la versión tradicional del Evangelio, reordenando la secuencia de los eventos, acortando algunas escenas y omitiendo otras, aunque uso el texto palabra por palabra. Sin embargo, usando gente pobre, con sus caras arrugadas y sus humildes alrededores, enfatizó los aspectos de la historia de San Mateo que eran más atractivos a sus propias sensibilidades marxistas. Cuando Cristo le dice a sus discípulos, “es mas fácil para un camello pasar por el ojo de una aguja que para un hombre rico entrar en el reino de Dios”, parado entre la pobreza verdadera y no algún decorado de Hollywood, las palabras cobran vida propia. Pasolini nunca fue desdeñoso en su tratamiento, simplemente permitió que el texto hablara por si mismo.

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Pasolini nació en Bologna, tradicionalmente uno de las ciudades italianas más izquierdistas. Era el hijo de un teniente del ejército italiano, Carlo Alberto, quien se volvió famoso por salvar la vida de Mussolini, y una maestra de escuela, Susana Colussi, y fue nombrado como su tío paterno. Su familia se mudó a Conegliano en 1923 y, dos años luego, a Belluno, donde otro hijo, Guidalberto, nació. En 1926, sin embargo, el padre de Pier Paolo fue arrestado por deudas de juego, y su madre se mudo a la casa de su familia en Casarsa della Delicia, en la región de Friuli.

Pasolini comenzó a escribir poemas a los 7 años, inspirado por la belleza natural de Casarsa. Una de sus primeras influencias fue el trabajo de Arthur Rimbaud. En 1933 su padre fue transferido a Cremona, y luego a Scandiano y Regio Emilia. Pasolini encontró dificultades para adaptarse a tantas mudanzas, si bien mientras tanto amplió sus lecturas poéticas y literarias (Dostoevsky, Tolstoy, Shakespeare, Coleridge, Novalis) y abandonó su fervor religioso. En la escuela secundaria de Regio Emilia conoció su primer gran amigo, Luciano Serra. Los dos se volvieron a encontrar en Bologna, donde Pasolini pasó siete años mientras terminaba la escuela secundaria: aquí cultivó nuevas pasiones, incluyendo el fútbol. Con otros amigos, incluyendo a Ermes Parini, Franco Farolfi, Elio Meli, formó un grupo dedicado a las discusiones literarias.

En 1939 se gradúa y posteriormente entro en la Facultad de Literatura de la Universidad de Bologna, descubriendo nuevos temas como la filosofía y la estética del arte figurativo. También frecuentaba el club de cine local.  Pasolini siempre mostraba a sus amigos un viril y fuerte exterior, ocultando totalmente su mortificado interior: hasta tomó parte de las competiciones culturales y deportivas del gobierno Fascista. En 1941, junto con Francesco Leonetti, Roberto Roversi y otros, trato de publicar una revista de poemas, pero su intento falló debido a la escasez de papel. Los poemas de Pasolini de este periodo comenzaron a incluir fragmentos en lenguaje Friulano, el cual había aprendido con su familia materna.

Luego del verano en Casarsa, en 1941 Pasolini publicó una colección de poemas en Friulano, Versi y Casarsa. El trabajo fue notado y apreciado por intelectuales y críticos como Gianfranco Contini, Alfonso Gatto y Antonio Russi. Sus pinturas también fueron muy bien recibidas. Pasolini fue editor en jefe de la revista Il Setaccio (“El Tamiz”), pero fue despedido luego de varios conflictos con el director, quien estaba alineado con el régimen fascista. Un viaje a Alemania le ayudó a descubrir el status “provincial” de la cultura italiana en esa época. Esas experiencias guiaron a Pasolini a repensar sus opiniones sobre las políticas culturales del Fascismo, y a cambiar gradualmente a una posición comunista.

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Federico Fellini
Título Original: 8½
País: Italia
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi
Director: Federico Fellini
Fotografía: Gianni di Venanzo
Montaje: Leo Cattozzo
Escenografía: Vito Anzalone
Música: Nino Rota
Producción: Angelo Rizzoli
Duración: 140 minutos
Intérpretes: Marcello Mastroianni (Guido Anselmi), Claudia Cardinale (Claudia), Anouk Aimée (Luisa Anselmi), Sandra Milo (Carla), Rossella Falk (Rossella), Barbara Steele (Gloria Morin), Madeleine LeBeau (Madeleine), Caterina Boratto (La señora misteriosa), Eddra Gale (La Saraghina), Guido Alberti (Pace), Mario Conocchia (Conocchia), Bruno Agostini (el secretario de producción), Cesarino Miceli Picardi (Cesarino), Jean Rougeul (Carini), Mario Pisu (Mario Mezzabotta).

El film que merece el calificativo “fellinesco” más que ningún otro sin dudas es 8½. En esta extravagante, auto indulgente, creativamente exuberante fantasía, el amo del cine italiano, Federico Fellini, nos lleva hacia una exploración bizarra de su arte y su vida. El simbolismo freudiano y la imaginería daliesca abundan en un trabajo que es simultáneamente hipnotizante e inconmensurable, una obra maestra surrealista que juega en nuestra conciencia como un sueño familiar que es tanto cómico como inolvidable, dejándonos confundidos.

Es tanto la mas descaradamente abstracta película de Fellini, asi como la película que nos acerca mas a su propia vida. Cuando comenzó a hacerla, estaba (al igual que el personaje principal) experimentando un bloqueo creativo luego del inesperado éxito internacional de su anterior película, La Dolce Vita (1960). Había ganado celebridad, riqueza y era aclamado por los críticos, pero por donde seguir? Si un director en su posición no tiene nada mas que decir, todavía es posible realizar una película? en 8½ estaba la respuesta.

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Ilusionista incomparable, Federico Fellini es un enigma a develar filme a filme. En su obra, nutrida en el neorrealismo, la marginalidad se mezcla con la magia y con una mística que promete alguna forma de redención para los inocentes del mundo. Dos lanzamientos recuperan ese legado: Fellini, biografía que acaba de editarse en castellano, se zambulle en el potente imaginario del director de La strada, y Tutto Fellini reúne la música de sus películas. Además, una entrevista con Luis Bacalov, el argentino que musicalizó uno de sus filmes.

No recuerdo la fecha exacta pero debe haber sido a mediados de 1960. Uno, entonces, era un chiquilín, mero aficionado al cine, y casi no había oído hablar de Federico Fellini, como la mayoría del público local, que sólo recordaba la figura chaplinesca, patética y querible de una tal Gelsomina, maltratada por Zampanó en La strada. De pronto, una noche, en la televisión blanco y negro, la voz metálíca y nasal de Blackie anunció que en su programa habría imágenes con carácter de primicia de ese fenómeno que hacía correr ríos de tinta aquí y allá: La dolce vita. Una serie de fotos fijas contrapunteadas por un timbal mostraban a Nadia Gray tirada en el piso de un lujoso apartamento, apenas cubierta por un tapado de piel, rodeada de gente que aplaudía. En seguida, Anita Ekberg bañada por las aguas de la Fontana de Trevi ante un Mastroianni extasiado. Después, imágenes de lo que suponía ser una orgía, con Marcello cabalgando a una señorita robusta, festejado por muchos. Más allá, gente rezando en un espacio abierto frente a cámaras de televisión, nobles y villanos compartiendo tragos en un castillo decadente, una imagen de Cristo de tamaño natural que sobrevuela Roma, colgada de un helicóptero, Magalí Noel disfrazada de conejita en un cabaret para gente mayor, el severo rostro de Alain Cuny mostrando una sabiduría y a la vez una tristeza infinita y la imagen final de una muchachita de rostro angelical mirando a cámara desde una playa, como pidiendo que alguien sepa cómo salir de ese infierno tan temido.

Blackie, siempre bien informada, notificó a la audiencia que La dolce vita acababa de soportar un turbulento preestreno en el Capitolio de Milán, que había derivado en una interpelación al Secretario de Estado por parte de la Cámara de Diputados, muchos de cuyos miembros pedían la prohibición lisa y llana del film. Tres días antes, en la función de gala organizada en el Fiamma de Roma, Fellini había sido abucheado y escupido por un público paquete que posaba de ofendido ante lo que acababa de ver en la pantalla. Tres meses más tarde, el jurado de la edición número XIII del Festival de Cannes, presidido por Georges Simenon, le otorgaba a la cinta , por unanimidad, la preciada Palma de Oro. Aún así, Blackie culminaba su informe sembrando serias dudas sobre la posibilidad de que alguna vez pudiéramos ver el film por estos pagos.

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Bernardo BertoluccI
Título Original: Prima della rivoluzione
País: Italia
Año: 1964
Guión: Bernardo Bertolucci
Director: Bernardo Bertolucci
Fotografía: Aldo Scavarda (BN)
Música: Gino Paoli, Ennio Moricone y fragmentos de Macbeth de Giuseppe Verdi
Producción: Iride Cinematografica (Milán)
Duración: 115 minutos
Intérpretes: Adriana Asti (Gina), Francesco Barilli (Fabrizio), Allen Midgette (Agostino), M. Morandini (Cesare), Christina Parisett (Clelia), C. Barilli (Puck).

Después de un debut controvertido con su película “Pasolinesca” “La Comare secca” en 1962, Bernardo Bertolucci hizo “Antes de la Revolución”, su primer real logro como director. La película, significativamente autobiográfica, cuenta la historia del enfrentamiento entre la pasión y la ideología. Fabrizio, el protagonista de 20 años, es el hijo de una familia adinerada de Parma, pero rehúsa su confortable entorno de clase media en el que creció y comienza a militar políticamente, uniéndose al Partido Comunista Italiano. En su nueva adoptada vida, no hay lugar para Clelia, la novia que su familia le eligió, así que la abandona. El suicidio de su amigo, Agostino, arroja a Fabrizio en una crisis existencial e ideológica aun mayor; solo Gina, una joven tía de Milán que viaja a Parma buscando tratamiento para sus crisis nerviosas, entiende la mente problemática de Fabrizio. A pesar de sus profundas diferencias de temperamento e ideas sobre la vida, los dos se enamoran, pero su relación termina abruptamente cuando Gina regresa a Milán. Abandonado, Fabrizio trata en vano de resolver sus conflictos internos con la ayuda de Cesare, su maestro de la primera y su mentor ideológico. Cuando Fabrizio se da cuenta que no puede escapar de su destino de clase media, se declara definitivamente vencido y regresa resignado a su verdadero hábitat social, casándose con Clelia y abandonando sus actividades políticas.

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Federico Fellini
Título Original: Amarcord
País: Italia
Año: 1973
Género: Comedia
Guión: Federico Fellini, Tonino Guerra
Director: Federico Fellini
Fotografía: Giuseppe Rotunno (Color)
Música: Nino Rota
Producción: E. C. Produzioni (Roma), P.E.C.F. (París)
Duración: 127 minutos
Intérpretes: Bruno Zanin (Titta), Pupella Maggio (su madre), Armando Brescia (su padre), Ciccio Ingrassia (el tío loco), Magalie Noël ("La Gradisca"), Josiane Tanzilli, Alvaro Vitali, Nando Orfei ("Il pataca"), Luigi Rossi.

Esta película es un diario de vida. Lleno con imágenes indelebles: el Pavo Real en el medio de la nieve, la asombrosa visión del trasatlántico, y el ciego llorando: “Como es, como es?”, la bella gente, las grotescas. Como la vida misma, la película puede ser perpleja y enigmática, a veces mágica, a veces, en el ojo de la tormenta política e histórica, espantoso como “la gente común solo tratando de vivir es atrapada en los tiempo en los que eran solo ellos creando”. No creo que ninguna película que haya visto haya capturado completamente con tanta profunda perspicacia y simplicidad la experiencia de perder un padre: la visita del padre e hijo en el hospital en la que la madre se da cuenta del asombroso final que se aproxima, y el hijo es felizmente ignorante de ello en su adolescente “inmortalidad”, y el total sentimiento de quietud y vacío mientras el padre se sienta a la mesa, antes llena de alegría, ruidos de la vida, ahora mas vacía de lo que nunca había estado, toda esta secuencia llega como una poderosa conclusión a una increíble película. Con un final a lo 8 ½, Fellini abraza a la audiencia, diciéndoles que no se preocupen, las memorias continúan, la vida continua, cambia, se altera talvez para siempre, pero sigue adelante, bella, enigmática y mágicamente.

Federico Fellini
Título Original: La Strada
País: Italia
Año: 1954
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano
Director: Federico Fellini
Fotografía: Otello Martelli (BN)
Música: Nino Rota
Producción: Dino de Laurentiis, Carlo Ponti
Duración: 105 minutos
Intérpretes: Giulietta Masina (Gelsomina), Anthony Quinn (Zampano), Richard Basehart (Il Matto), Aldo Silvani (Giraffa), Marcella Rovere, Livia Venturini.

En “La Strada”, elige a dos personajes marginales, Zampanó (Anthony Quinn) y Gelsomina (Giulietta Masina), que el azar unirá sus destinos, para definitivamente separar sus caminos imposibles.

Zampanó es un mísero “artista” circense que se gana la vida en la carretera, haciendo su patético número en las calles de la hambrienta Italia de posguerra, al morir su compañera adopta como ayudante a Gelsomina, una muchacha que hoy denominaríamos “discapacitado psíquico límite”, que, como es habitual, rebosa inocencia y bondad. Enfrente un Zampanó, sin muchas más luces, pero brutal y primitivo.

El film, con este escenario, se convierte verdaderamente en una historia de amor imposible, más que en la denuncia social, que como fondo, se desenvuelven los personajes, (en uno de los mejores trabajos en la carrera de ambos protagonistas).

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