Federico Fellini está deprimido, una sensación que desconoce por completo, pero estos síntomas son inequívocos: una caída libre en lo oscuro, un vaciamiento, una bruma que ensombrece su humor y anula su voluntad. Nunca antes le ha pasado, nunca se ha tomado nada demasiado en serio en su vida, porque hasta ahora todo pasaba, y el buen humor y las ganas de vivir retornaban enseguida, pero esta vez la cosa viene en serio. El año es 1955, acaba de estrenar La strada, en el extranjero lo celebran, pero en Italia lo despellejan de la derecha a la izquierda. Natalia Ginzburg le recomienda el psicoanalista que la sacó a ella del pozo unos años antes. Es un judío austríaco, junguiano, llamado Ernst Bernhard. La Ginzburg, igual de remisa que Fellini a la exploración de la psique, le cuenta que ese hombre la devolvió a la vida cuando los nazis mataron a su marido Leone y ella quedó viuda, sin trabajo y con dos hijos pequeños al fin de la guerra (“Yo llegaba a su consulta y me esperaba un vaso de agua y una rodaja de limón en una bandejita junto al diván. Me acostaba y sentía la brisa que entraba por la ventana y miraba el vaso y la primorosa rodaja de limón y escuchaba la voz de Bernhard. Sólo puedo decirte que, cuando me hablo a mí misma hoy, en la noche oscura, me descubro una leve y reconfortante pronunciación austríaca”). Fellini va a la consulta de Bernhard, pero se sofoca en el diván, no puede, el médico abre la ventana para que entre aire, Fellini ve que afuera está por caer uno de esos gloriosos chaparrones de verano que hay en Roma, inventa una precipitada excusa y sale corriendo, se adentra en una plaza dejando que el agua lo empape; cuando se queda sin fuerzas, se queda con los ojos cerrados y los brazos caídos, perdido en la lluvia, hasta que de golpe se materializa un paraguas sobre su cabeza y una voz femenina le dice: “¿Quiere protegerse?”. Esperaron juntos el fin del chaparrón, se besaron, ella le dio su número de teléfono y le dijo que tenía que irse. Fellini tardó una semana en atreverse a llamar. Cuando lo hizo, atendió el teléfono una voz con acento austríaco: había llamado al doctor Bernhard. Read more »

El director italiano Bernardo Bertolucci será el presidente del jurado de la sección oficial a concurso del 70 Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará del 28 de agosto al 7 de septiembre.

La organización del certamen informó hoy en un comunicado, que la elección de Bertolucci, que ya había sido presidente del jurado de la Mostra en 1983, se debe a su “larga experiencia, inagotable curiosidad y el hecho de vivir en un presente cinematográfico en el que el director actúa con sus propias obras“.

“Con alegría“, según el comunicado, aceptó este nombramiento el hijo del poeta Attilio Bertolucci es el realizador de obras maestras intimistas y monumentales como “Antes de la revolución” (1964), “Novecento” (1976), “El conformista” (1970) y “El último emperador” (1987), que marcaron el cine italiano. Read more »

Marcel Camus
Título Original: Orfeu Negro
País: Brasil, Francia, Italia
Año: 1959
Género: Drama, Romance, Comedia, Musical
Guión: Marcel Camus, Jacques Viot, Vinicius de Moraes
Director: Marcel Camus
Fotografía: Jean Bourgoin
Edición: Andrée Feix
Música: Luiz Bonfá, Antônio Carlos Jobim, João Gilberto
Producción: Sacha Gordine
Duración: 100 minutos
Intérpretes: Breno Mello (Orfeo), Marpessa Dawn (Eurídice), Marcel Camus (Ernesto), Fausto Guerzoni (Fausto), Lourdes de Oliveira (Mira), Léa Garcia (Serafina), Adhemar da Silva (Death), Alexandro Constantino (Hermes), Waldemar De Souza (Chico), Jorge Dos Santos (Benedito), Aurino Cassiano (Zeca).

A pesar de que Orfeo, un conductor de tranvía, está comprometido para casarse con la bella y vistosa Mira, no está exactamente entusiasmado con ello. Claro, ella puede agitar sus “talentos” dados por Dios como ninguna otra mujer en toda la ciudad de Río de Janeiro, pero también es ferozmente celosa, irascible y exigente.

En tanto Eurídice, una joven tímida del campo está buscando a su prima Serafina en Río con el fin de huir de un hombre que ella afirma trata de matarla.

Orfeo y Eurídice no se enamoran a primera vista, pero eso poco importa. Pronto lo harán, y lo harán a los ritmos ondulantes de la celebración del Carnaval mientras estalla la noche brasilera con su colorida música, sus cuerpos cubiertos con trajes ostentosos y las bebidas que fluyen como las aguas costeras del Atlántico.
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Michelangelo Antonioni
Título Original: Cronaca di un amore
País: Italia
Año: 1950
Género: Drama, Romance
Guión: Michelangelo Antonioni, Daniele d’Anza, Silvio Giovanietti, Francesco Maselli, Piero Tellini
Director: Michelangelo Antonioni
Fotografía: Enzo Serafin
Edición: Eraldo Da Roma
Música: Giovanni Fusco
Producción: Stefano Caretta, Franco Villani
Duración: 100 minutos
Intérpretes: Lucia Bosé (Paola Molon Fontana), Massimo Girotti (Guido), Ferdinando Sarmi (Enrico Fontana), Gino Rossi (Carloni, el detective), Marika Rowsky (Joy, la modelo), Rosi Mirafiore (Barmaid), Rubi D’Alma (amigo de Paola), Anita Farra, Carlo Gazzabini, Nardo Rimediotti, Renato Burrini, Vittorio Manfrino, Vittoria Mondello (Matilde), Franco Fabrizi (Presentador desfile).

Luego de una asombrosa serie de cortos documentales, Michelangelo Antonioni hizo su primer largometraje, Crónica de un Amor (Cronaca di un Amore), un tratamiento neutral de un aparentemente estándar tema noir. Cronaca es similar a anterior Les dames du Bois de Boulogne de Robert Bresson –puede detectarse el futuro estilo abstracto del director bajo el material consabido. Con estas dos películas, un nuevo tipo de cine reflexivo nació, dedicado por igual a la vida interior de los actores “modelos” y a las oscuras superficies del mundo fotografiado.

Paola (Lucia Bose) ha ascendido de clase casándose con un deshonesto y rico industrial (Ferdinando Sarmi). Su esposo siente curiosidad por el pasado de su esposa, por lo que contrata un detective privado para hurgar en su pasado, quien descubre un misterioso asesinato ocurrido años atrás que involucra a Paola y a un joven llamado Guido (Máximo Girotti). Guido, un vendedor de autos de clase baja y una Paola cubierta de pieles vuelven a juntarse y ella eventualmente decide que deben deshacerse de su esposo.

De muchas maneras, Cronaca es mas difícil que las posteriores películas de Antonioni porque parece que promete una estructura narrativa, sin embargo continuamente frustra nuestras expectativas. Es un poco como Ossessione cruzándose con L´Avventura. La atención a la clase social en Cronaca es tan intensa como la ya observación desgarradora de las resbaladizas calles lluviosas, los negros árboles muertos, y la desolada arquitectura moderna de Antonioni. El diálogo se desarrolla de manera rápida y monótona, y esto es más enajenante debido al sonido, enteramente doblado. Es extremadamente difícil seguir la película escena por escena; la cámara deambula alejándose de la gente y realizando elecciones radicales en las cuales quiere observar y examinar. Lo que al principio parece torpeza finalmente desaparece y algo altamente original toma su lugar: una meditación ambigua sobre la vacuidad de la ambiciosa vida moderna. En otras palabras. Antonioni trata con las torturas seculares de los ricos condenados mientras que Bresson se encarga de la purificación religiosa y del aun peor sufrimiento del santo pobre.

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Pier Paolo Pasolini
Título Original: I racconti di Canterbury
País: Italia
Año: 1972
Género: Drama, Comedia
Guión: Pier Paolo Pasolini basado en la obra de Goffrey Chaucer
Director: Pier Paolo Pasolini
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli
Música: Ennio Morricone
Producción: Alberto Grimaldi
Duración: 112 minutos
Intérpretes: Hugh Griffith (Sir Enero), Laura Betti (su esposa de Bath), Ninetto Davoli (Perkin), Franco Citti (el Diablo), Josephine Chaplin (Mayo), Alan Webb (hombre viejo), Pier Paolo Pasolini (Geoffrey Chaucer), J.P. Van Dyne (el cocinero), Vernon Dobtcheff (Franklin), Adrian Street (luchador), O.T. (jefe caza brujas), Derek Deadman (el Perdonador), Nicholas Smith (Friar), George Bethell Datch (Anfitrión de Tabard), Dan Thomas (Nicholas), Michael Balfour (John el carpintero), Jenny Runacre (Alison), Peter Cain (Absalom), Daniele Buckler (Cazabrujas), John Francis Lane (Greedy friar), Settimo Castagna (Angel), Athol Coats (homosexual rico), Judy Stewart-Murray (Alice), Tom Baker (Jenkin), Oscar Fochetti (Damian), Willoughby Goddard (Placebo), Peter Stephens (Justinus), Giuseppe Arrigio (Pluto), Elisabetta Genovese (Prosperine), Gordon King (canciller), Patrick Duffett (Alan), Eamann Howell (John Tiziano Longo), Eileen King (esposa de Simkin), Heather Johnson (Molly), Robin Askwith (Rufus), Martin Whelar (Jack la justicia), John McLaren (Johnny la gracia), Edward Monteith (Dick el gorrión), Franca Sciutto, Vittorio Fanfoni.

Esta adaptación de la renombrada colección de historias de Chaucer fue la segunda película de la cual Pier Paolo Pasolini paso a llamar la “Trilogía de la vida”, un tríptico cinemático el cual había comenzado un año antes con El Decamerón (1970), una interpretación sexualmente explicita y visualmente suntuosa de la igualmente famosa colección de historias cortas de Boccaccio, la cual terminaría años mas tarde con Il fiore di mille e una notte (1974), una hipnotizante adaptación similar de historias de Las mil y una noches.

Dado lo dificultoso y provocativo de las películas que Pasolini había inyectado dentro de la altamente cargada atmósfera política de finales de la década de 1960 en Italia –ideológicamente- confrontando con ensayos cinematográficos como Teorema (1968), y Porcile (1969) –esta trilogía de películas coloridas y altamente agradables fueron interpretadas por muchos como señalizando el abandono de Pasolini de su autoproclamado rol como un tábano intelectual y un agente provocateur de la burguesía italiana, un rechazo que fue ampliamente confirmado por el final de Cuentos de Canterbury donde el mismo Pasolini, bajo la apariencia de Geoffrey Chaucer, escribe en la pantalla: “Aquí acaban los Cuentos de Canterbury, contados por el solo placer de contar. Amén”. Mas tarde, sin embargo, paradójico como siempre, Pasolini vigorosamente lo mantendría, las películas de la Trilogía, de cierta manera, lo más ideológico de su carrera. Por el principio guiador de la Trilogía, afirmó, fue una celebración de la vida en toda su fisicalidad y carnalidad, una exaltación la cual la película llevó a cabo a través de una especie de carnaval de lo primitivo, deseando los cuerpos humanos como si instintivamente luchara y alegremente transgrediera los límites represivos instaurados por la moralidad religiosa y burguesa. Pasolini de este modo volteó la excesiva previsible carga de haber jugado demasiado con los elementos sexuales en las historias originales en una defensa. Como repetidamente trato de explicar en entrevistas, el sexo y los cuerpos desnudos eran precisamente la cuestión de sus películas; y han sido los críticos los que se lo han perdido! Habiendo luchado tan intensamente para eliminar el sexo de sus películas, dijo, muchos críticos las han encontrado vacías de contenido, completamente perdiendo de vista del hecho de que el contenido de las películas estaba ahí, en la pantalla, en ese inmenso agujero sobre sus cabezas el cual trataron tan fuertemente de no entender.

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Peter Brook
Título Original: Moderato Cantabile
País: Francia, Italia
Año: 1960
Género: Drama
Guión: adaptación de la novela de Marguerite Duras
Director: Peter Brook
Fotografía: Armand Thirard
Edición: Albert Jurgenson
Música: Antonio Diabelli
Sonido: William Robert Sivel
Producción: Raoul J. Lévy
Duración: 95 minutos
Intérpretes: Jeanne Moreau (Anne Desbarèdes), Jean-Paul Belmondo (Chauvin), Pascale de Boysson (Dueño del bar), Jean Deschamps (M. Desbarèdes), Didier Haudepin (Pierre), Colette Régis (Miss Giraud), Valeric Dobuzinsky (Valéric).

Una aburrida ama de casa, Anne, testigo del asesinato de una mujer por su novio en un bar. De casualidad, conoce un hombre, Chauvin, un trabajador, quien comparte su fascinación por el asesinato. Mientras los dos discuten sobre la historia de la tragica pareja y especulan sobre las circunstancias que llevaron al asesinato, Anne se encuentra atraída por Chauvin. El deseo de Anne por su nuevo amigo aumenta y, al final, se vuelve demasiado para Chauvin. Una noche, Anne y Chauvin arreglan un último encuentro en el bar donde el asesinato que los unió se llevo a cabo.

Una hermosa lírica pero sombría pieza de cine, Moderato cantabile es un excelente ejemplo de la Nouvelle Vague francesa de comienzos de la década de 1960. es un conmovedor y elocuente estudio de la psicología de una aburrida, adinerada ama de casa, atrapada en una vida de rutina y previsibilidad, mientras deseaba alguna aventura para darle sentido a su vida. Estamos en el mismo terreno que la película de Louis Malle, Les Amants, en la cual Jeanne Moreau de nuevo interpreta el papel de un ama de casa aburrida. Sin embargo, Moderato Cantabile se mete más profundamente bajo la piel de una mujer, y el resultado es ligeramente mas interesante y satisfactorio que el de la película que Malle.

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A menudo identificado con la constrictiva etiqueta de “neorrealista”, Roberto Rossellini se mantiene como uno de los grandes directores de la historia del cine italiano: el hombre responsable del renacimiento del cine italiano en la posguerra y uno de los pocos realmente grandes humanistas (junto con Jean Renoir) que trabajaron en el medio.

Nacido en una familia burguesa romana, Rossellini pasó sus años formativos bajo el puño fascista de Mussolini y, en sus jóvenes 30 años, tomó el rumbo de la cinematografía –un patrón común entre los frívolos ricos italianos. Trabajo con su amigo, el productor Vittorio Mussolini, el hijo de “Il Duce”, en el guión de “Luciano Serra Pilota” (1938), una película propagandística que mostró algunas marcas del estilo neorrealista italiano. Luego de dirigir un puñado de películas bajo la bandera del gobierno oficial, Rossellini, el estereotipo apolítico romano, hizo una marca indeleble en el cine mundial en 1945 con “Roma, ciudad abierta”. A pesar de la indiferente respuesta en Italia, la película fue una sensación en Francia y los Estados Unidos con su cruda, casi documental película: fotografía granulada en blanco y negro, actores amateurs y locaciones reales. Estos fueron los elementos que las audiencias no habían visto en largometrajes previamente, y “Roma, Ciudad Abierta” fue aclamada por traer una nueva clase de realismo, el “neorrealismo”, a la pantalla.

Mientras que sus próximas dos películas –Camarada (1946, uno de sus grandes logros) y Alemania, año cero (1947)- ratificarán el sello del estilo neorrealista italiano, Rossellini atraerá crecientes críticas por su uso del melodrama (especialmente a través de las partituras musicales de su hermano Renzo) y las convenciones narrativas de Hollywood. Nunca ha sido un neorrealista estricto, sin embargo. Su propósito era entender más que recrear la realidad, algunas veces para una función expresamente pedagógica (Las flores de San Francisco, 1948), e incorporó otos elementos expresionistas en casi todo su trabajo. Estos elementos son particularmente evidentes en películas como la menospreciada “El Miedo” (1954), con sus psicológicamente basadas visuales, pero ya habían estado parcialmente presentes en “Roma, ciudad abierta”.

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Federico Fellini
Título Original: La Dolce Vita
País: Italia
Año: 1960
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli con colaboración de Brunello Rondi y Pier Paolo Pasolini
Director: Federico Fellini
Fotografía: Otello Martelli
Edición: Leo Cattozzo
Escenografía: Piero Gherardi
Música: Nino Rota
Producción: Guiseppe Amato, Franco Magli, Angelo Rizzoli
Duración: 174 minutos
Intérpretes: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini), Anita Ekberg (Sylvia), Anouk Aimée (Maddalena), Yvonne Furneaux (Emma), Magali Noël (Fanny), Alain Cuny (Steiner), Annibale Ninchi (padre de Marcello), Walter Santesso (Paparazzo), Valeria Ciangottini (Paola), Riccardo Garrone (Riccardo), Ida Galli (Debuttante del año), Audrey McDonald (Jane), Polidor (Payaso), Alain Dijon (Frankie Stout), Enzo Cerusico (Fotógrafo del diario), Giulio Paradisi (Fotógrafo del diario), Enzo Doria (Fotógrafo del diario), Enrico Glori (Admirador de Nadia), Adriana Moneta (Ninni), Massimo Busetti (Niño del milagro), Mino Doro (Amante de Nadia), Giulio Girola (Comisionado de Policia), Laura Betti (Laura), Nico (Nico Otzak), Domino (Bailarín trasvestido), Carlo Musto (Travesti), Lex Barker (Robert), Jacques Sernas (Idolo de Matinee), Nadia Gray (Nadia), Giuseppe Addobbati, Conte Brunoro Serego Aligheri (Joven con abrigo de visón), Federika André (Inquilina en la casa de Steiner), Armando Annuale, Joan Antequera (mujer en el castillo), Juan Antequero (Caballero español con un parche en el ojo en el castillo), Gianni Baghino, Nadia Balabine (Reportera), Ignazio Balsamo, Remo Benedetti, Leonardo Botta (Doctor), Ida Bracci Dorati, Ferdinando Brofferio (Amante de Maddalena), Tito Buzzo (Hombre musculoso), Daniela Calvino (Daniela), Tony Campanino (Hombre en el club nocturno), Fabrizio Capucci (Fotógrafo en al comferencia de prensa), Donato Castellaneta (Reportero), Adriano Celentano, Elisabetta Cini (Duquesa durmiendo), Giulio Citti (Hombre en el club nocturno), Nani Colombo (mujer en el espejo), Mario Conocchia (Abogado con el sostén de Nadia), Francesco Consalvo (Asistente de Scalise), Tiziano Cortini (Cameraman), Decimo Cristiani (joven que no habla), Mario De Grenet (Hombre en el castillo al que no le gusta el olor del perro), Donatella Della Nora (Reportera), Christine Denise (Mujer comiendo pollo), Katherine Denise, Andrea De Pino, Adele De Rossi, François Dieudonné (Reportero), Carlo Di Maggio (Toto Scalise), Count Ivenda Dobrzensky (Giovanni), Donatella Esparmer (Mujer con el hombre irritado), Paolo Fadda (Asistente del Inspector de Policia), Umberto Felici (Reportero), Oretta Fiume (Lisa), Rina Franchetti (Madre del niño de los milagros), Giacomo Gabrielli (Padre de Maddalena), Franco Giacobini (Periodista al telefono), Angela Giavalisco (Mujer en el Aeropuerto), Romolo Giordani (Hombre en el castillo), Christine Graefeck, Lily Granado (Lucy), Libero Grandi, Maurizio Guelfi (Reportero), Gloria Hendy (Mujer en Via Veneto), April Hennessy (Mujer en Via Veneto), Nina Hohenlohe (Mujer en el Castillo), Antonio Jacono (Travesti), Gloria Jones (Gloria), Carlo Kechler (Hombre con reloj), Else Knorr, Paolo Labia (Sirviente en el hogar de Maddalena), John Francis Lane (Reportero), Sondra Lee (Bailarina en Spoleto),Marianne Leibl (Acompañante de Yvonne en la secuencia del milagro), Guglielmo Leoncini (Secretario de Scalise), Giuliana Lojodice (Sirviente en la casa de Steiner), Renée Longarini (Miss Steiner), Francisco Lori (Hombre en la secuencia del milagro), Francesco Luzi (Radioreportero), Mario Mallarno (Reportero), Renato Mambor (Joven Alto), Vittorio Manfrino (Director de Tabarin), Maria Marigliano (Massamilla), Carlo Mariotti (Enfermero), Gino Marturano (Proxeneta), Maria Mazzanti (Mujer en el Aeropuerto), Harriet Medin (Secretaria de Sylvia), Marta Melocco, Nello Meniconi (Hombre en Via Veneto), Alex Messoyedoff (Cura en el sitio del milagro), Gianfranco Mingozzi (Cura que le permite togar el organo a Steiner), Lucia Modigliani, Maite Morand (Reportera), Aurelio Nardi (Tio del niño del milagro), Desmond O'Grady (Invitado de Steiner), Liana Orfei, Umberto Orsini (Hombre de anteojos que ayuda a sacarse la ropa a Nadia), Contessa Cristina Paolozzi (Mujer risueña en la sesion de espiritismo), Ada Passeri (Mujer en la secuencia del milagro), Franca Pasut (Joven cubierta de plumas), Loretta Pepi, Paola Petrini, Cesarino Miceli Picardi (Hombre furioso en el club nocturno), Princesa Doris Pignatelli (Dama con abrigo blanco en el castillo), Alberto Plebani (Doctor), Oliviero Prunas (Oliviero, hijo del principe), Giovanni Querrel (Hombre en el club nocturno), Giulio Questi (Don Giulio), Concetta Ragusa (Reportera), Loretta Ramaciotti (Mujer en la sesion de espiritismo), Leonida Repaci (Invitada de Steiner), Alfredo Rizzo (Director de Television), Rosemary Rennel Rodd (Medium inglesa), Giancarlo Romani (Policia), Franco Rossellini (el bello ginete), Principe Eugenio Ruspoli di Poggio Suasa (Don Eugenio Mascalchi), Margherita Russo (Invitada de Steiner), Anna Maria Salerno (Amiga de la prostituta), Anna Salvatore (Invitada de Steiner), Archie Savage (bailarin negro), Leopoldo Savona (Bailarin negro), Lisa Schneider (mujer en al secuencia del milagroe, Maria Pia Serafini (Segunda mujer con el hombre molesto), Noel Sheldon (Hombre en Via Veneto), Isabella Soldani, Letizia Spadini (Invitada de Steiner), Gio Staiano (Pierone), Gino Talamo, Sandra Tesi, Henry Thody (Reportero), Tomás Torres (Gianelli), Iris Tree (Poetiza en la fiesta de Steiner), Vando Tress (Inspector de policia), Gondrano Trucchi (Sirviente en Caracalla), Teresa Tsao (Mujer en el club nocturno), Winie Vagliani (Invitada de Steiner), Leontine Van Strein, Aldo Vasco (Hombre en secuencia del milagro), Lucia Vasilico (Joven confesandose en la fiesta de Nadia), Maria Teresa Vianello (Mujer en el Aeropuerto), Sandy von Normand (Interprete en la conferencia de prensa), Antoinette Weynen, Angela Wilson (Mujer en Via Veneto), Vadim Wolkowsky (Principe Mascalchi), Maria Teresa Wolodimeroff (mujer aburrida), Italo Zingarelli (Don Giulio).

Ambientada en la Roma de la década de 1950 donde Marcello (Marcello Mastroiani) cubre el lado más sensacionalista de las noticias; estrellas de cine, visiones religiosas, y la decadente aristocracia. La película muestra siete días y noches en la vida del reportero. Marcello vive con Emma (Ivonne Furneaux), una mujer que lo ama y quiere un matrimonio tradicional, pero es posesiva y muestra poca habilidad para entender su desarticulada búsqueda de los valores y el sentido de la vida. El tiene encuentros con otra mujer –Maddalena (Anouk Aimée), una hermosa, saludable, y hastiada amiga/amante, y Anita Ekberg como una estrella norteamericana de cine llamada Sylvia. Marcello también brevemente conoce una encantadora muchacha que trabaja en un restaurante en la playa.

En la secuencia de apertura de la película, una estatua de arcilla de Cristo suspendida por cables de un helicóptero, vuela pasando las ruinas de un antiguo viaducto de Roma. La estatua es llevada hacia el Vaticano. El periodista Marcello y el fotógrafo llamado Paparazzo la siguen en un segundo helicóptero. El simbolismo de Cristo, con los brazos estirados como bendiciendo a toda Roma vuela por sobre ella, pronto es reemplazado por el estilo de vida profano y la arquitectura neomoderna de la “nueva” Roma fundada durante el milagro económico de finales de la década de 1950. el helicóptero de Marcello es desviado por un grupo de mujeres en bikini en una terraza; suspendido en el aire, trata pero falla en conseguir un número telefónico de las mujeres. Alegremente se encoge de hombros por su fracaso y continúa su viaje.

Le entrega de la estatua es la primera de muchas escenas recurrentes situando iconos religiosos en medio de las demostraciones de los personajes de su “moderna” moralidad influenciada por la prosperidad económico y el estilo de vida consumista que emergía.

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Michelangelo Antonioni
Título Original: L'eclisse
País: Francia, Italia
Año: 1962
Género: Drama, Romance
Guión: Michelangelo Antonioni y Tonino Guerra con colaboración de Elio Bartolini y Ottiero Ottieri
Director: Michelangelo Antonioni
Fotografía: Gianni Di Venanzo
Edición: Eraldo Da Roma
Dirección Artística: Piero Poletto
Música: Giovanni Fusco
Producción: Raymond y Robert Hakim
Duración: 118 minutos
Intérpretes: Alain Delon (Piero), Monica Vitti (Vittoria), Francisco Rabal (Riccardo), Louis Seigner (Ercoli), Lilla Brignone (Madre de Vittoria), Rosanna Rory (Anita), Mirella Ricciardi (Marta).

Como el primer (y seminal) trabajo de Antonioni en su Trilogía Eros, L`aventura, L´Eclisse es la clase de película que fácilmente, y justamente, podría ser descrita como aburrida. Los personajes tienen poco sentido, no hay mucho que disfrutar formalmente (fuera de la belleza de las largas tomas), y, sobre todo, nada pasa. El descontento de una mujer en dos relaciones se vuelve el foco. Y el descontento (o imposibilidad) de toda la humanidad en todas las relaciones se vuelven el foco.

La pareja en L'Eclisse se compone de Vittoria (Monica Vitti), una reciente soltera, y Pietro (Alain Delon), un inversor financiero desesperado por el dinero. Vittoria esta frágil, herida, enojada y comienza a salir con la primer persona que se le cruza en la vida –la primer escena de la película consiste en una ruptura entre ella y su ahora ex novio. Su hasta el momento Ex tiene una rabieta debido a que no entiende porque Vittoria lo abandona. Antonioni parece rechazar los motivos de Vittoria. Antonioni habla no a través de los diálogos, sino de la Mise en scène, las relaciones especiales y yuxtaposiciones de objetos e individuos, y la ubicación de la cámara que los captura. Subrayando y rodeando su primera escena están los sonidos e imágenes de la invención – el zumbido omnipresente de un ventilador, el destello de las luces, y piezas de arte arquitectónica que entran amenazadoramente en el cuadro. Antonioni trabaja únicamente con formas cerradas en esta escena, atrapando a Vittoria dentro del entorno de su novio. Vittoria nunca dice porque lo abandona, pero cuando abre las persianas para ver el amanecer, se vuelve claro que Vittoria esta sofocada con esta relación –su naturaleza es obstaculizada por su novio. Pasa enfrente de un espejo, gira para mirarse en el, y retrocede horrorizada por la imagen que ve – difícilmente se reconoce porque su ser esta nublado por su novio.

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Pier Paolo Pasolini
Título Original: Il Vangelo secondo Matteo
País: Italia
Año: 1964
Género: Drama, Histórico
Guión: Pier Paolo Pasolini basado en el Evangelio de San Mateo
Director: Pier Paolo Pasolini
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli
Escenografía: Andrea Fantacci
Música: Luis Enriquez Bacalov y Carlo Rustichelli
Producción: Alfredo Bini
Duración: 137 minutos
Intérpretes: Enrique Irazoqui (Cristo), Margherita Caruso (Maria (joven), Susanna Pasolini (Mary (vieja), Marcello Morante (Jose), Mario Socrate (Juan el Bautista), Settimio Di Porto (Pedro), Alfonso Gatto (Andres), Luigi Barbini (Jaime), Giacomo Morante (Juan), iorgio Agamben (Felipe), Guido Cerretani (Bartolomé), Rosario Migale (Tomas), Ferruccio Nuzzo (Mateo), Marcello Galdini (Jaime hijo de Alphus), Elio Spaziani (Tadeo), Enzo Siciliano (Simon), Otello Sestili (Judas), Rodolfo Wilcock (Caifas), Alessandro Clerici (Poncio Pilato), Amerigo Bevilacqua (Herodes I), Francesco Leonetti (Herodes II), Franca Cupane (Herodiade), Paola Tedesco (Salome), Rossana Di Rocco (Angel del Señor), Renato Terra (Poseído), Eliseo Boschi (José de Arimatea), Natalia Ginzburg (Maria de Betania), Ninetto Davoli (Pastor), Enrico Maria Salerno (Voz de Cristo).

Pier Paolo Pasolini fue un cineasta italiano que también fue poeta, ensayista, marxista y homosexual. Pero en todo fue un intruso. Fue rechazado por la burguesía católica por marxista y homosexual. Los marxistas lo rechazaron por no mantener la línea filosófica. Y sus escritos tanto para cine como teorías literarias a menudo fueron descartados por la intelligentsia por su falta de credenciales académicas y una percibida falta de rigor en su trabajo. es, por lo tanto, en muchas maneras irónico que uno de sus mas exitosas películas fuese una adaptación del Evangelio de San Mateo. Aun la principal fuerza en la vida de Pasolini, a la cual todas las otras se subordinaban, era la pasión. Y en toda la literatura no hay un mayor ejemplo de pasión irracional que la historia de Cristo y su muerte.

La película fue filmada entre las colinas de Basilicata al sur de Italia. La escenografía eran las aldeas de los pobres, y solo amateurs fueron usados como actores. La madre del director hizo el papel de Maria en la época de la crucifixión de Cristo. Pasolini hizo algunos cambios a la versión tradicional del Evangelio, reordenando la secuencia de los eventos, acortando algunas escenas y omitiendo otras, aunque uso el texto palabra por palabra. Sin embargo, usando gente pobre, con sus caras arrugadas y sus humildes alrededores, enfatizó los aspectos de la historia de San Mateo que eran más atractivos a sus propias sensibilidades marxistas. Cuando Cristo le dice a sus discípulos, “es mas fácil para un camello pasar por el ojo de una aguja que para un hombre rico entrar en el reino de Dios”, parado entre la pobreza verdadera y no algún decorado de Hollywood, las palabras cobran vida propia. Pasolini nunca fue desdeñoso en su tratamiento, simplemente permitió que el texto hablara por si mismo.

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