Jean Cocteau
Título Original: La Belle et la Bête
País: Francia
Año: 1946
Género: Romance, Drama
Guión: Jean Cocteau, a partir de un cuento de Mme. Leprince de Beaumont.
Director: Jean Cocteau
Diálogos: Jean Cocteau
Dirección Artística: Christian Bérard
Fotografía: Henri Alekan (BN)
Música: Georges Auric
Producción: André Paulvé
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Jean Marais (la Bestia, Avenant, el Príncipe), Josette Day (la Bella), Marcel André (su padre), Mila Parély, Nane Germon (las hermanas), Michel Auclair (Ludovic).

La Bella y la Bestia no necesita los efectos especiales digitales de hoy; todavía funciona perfectamente con sus maravillas de baja tecnología pero profundamente resonantes. Cocteau crea simples pero magníficos e inolvidables cuadros, desde un corredor con brazos sin cuerpo sujetando candelabros que explotan en llamas mientras pasas, a las lagrimas que ella derrama mientras llora sobre el destino de la Bestia para luego convertirse en diamantes, a la ascensión final de la Bella y el Príncipe Ardent. Que pude superar el poder de ensueño de la Bella deslizándose en cámara lenta, a través del castillo encantado, o la sombra desproporcionadamente grande de su padre empujando las puertas del castillo. Esta la magia indefinible de la escena en la casa solariega con grandes sabanas blancas secándose al sol, creando siluetas de un poder llamativo. (El equipo se paso semanas buscando por todos lados por sabanas sin parches, un lujo insólito para la Francia de posguerra).

Cocteau sabia que para que su película resonara por completo necesitaba alejarse de su fantasía poética, así que la salpica con varios momentos hilarantes. Tomen la escena donde las dos hermanas malvadas de la Bella, las que proveen muchos de los momentos cómicos de la película, están oliendo cebolla para que puedan pretender que están llorando desesperadamente por el regreso de la Bella con la Bestia (todo el tiempo complotando su venganza). Otro de los momentos cómicos es cuando las hermanas buscan en el espejo mágico y una se ve como una vieja bruja marchita, mientras que la otra se ve como un mono.

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Robert Bresson
Título Original: Les dames du Bois de Boulogne
País: Francia
Año: 1945
Género: Drama
Guión: Robert Bresson, a partir de un pasaje de Santiago el Fatalista de Diderot.
Director: Robert Bresson
Diálogos: Jean Cocteau
Fotografía: Philippe Agostini (BN)
Música: Jean-Jacques Grunenwald
Producción: Raoul Ploquin
Duración: 84 minutos.
Intérpretes: María Casares (Hélène), Paul Bernard (Jean), Élina Labourdette (Agnès), Lucienne Bogaert (Mme. D.), Jean Marchat (Jacques), Giles Quéant.

Esta única historia de amor, basada en una novela de Denis Diderot, con diálogos escritos por Jean Cocteau, sigue las maniobras de una dama de sociedad mientras conspira para iniciar una aventura amorosa escandalosa entre su ex amante aristocrático y una prostituta. Con su segunda película, el director Robert Bresson ya había forjado su técnica de rodaje brillantemente singular mientras creaba un estudio sobre el poder de la venganza y la fuerza del verdadero amor.

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Jacques Tati
Título Original: Les vacances de monsieur Hulot
País: Francia
Año: 1953
Género: Comedia
Guión: Jacques Tati, Jacques Lagrange, Henri Marquet
Director: Jacques Tati
Fotografía: Jacques Mercanton, Jean Mousselle (BN)
Música: Alain Romans
Producción: Cady Films-Discina, Éclair-Journal
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Jacques Tati (M. Hulot), Nathalie Pascaud (Martine), Michèle Rolla (Tía), Valentine Camax (Mujer inglesa), Louis Perrault (Fred), André Dubois (Comandante), Lucien Fregis (Propietario hotel), Raymond Carl (Camarero).

El incompetente alter ego de Jacques Tati, Monsieur Hulot causa un sin fin de situaciones caóticas en un resort idílico poblado de simpáticos excéntricos, en la costa Francesa, en la primera de cuatro películas sobre el señor Hulot.

Monsieur Hulot llega a este pintoresco resort en Britania, y como era de esperar, inmediatamente se generan una serie de catastróficos eventos. Zarpando hacia el mar en un kayak desesperadamente pequeño, su bote se da vuelta, tomando la forma de la aleta de un tiburón generando pánico en todos los bañistas. Inadvertidamente se equivoca y se mete en medio de un funeral, la goma de su auto se transforma en jirones, mientras mas tarde, el hotel completo es interrumpido por un juego de ping pong. Tratando de impresionar a una turista rubia muy hermosa (Pascaud), una vasija Ming invaluable se viene abajo, accidentalmente Hulot enciende unos fuegos artificiales con su siempre presente pipa, para generar un clima explosivo.

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Fernand Léger
Título Original: Ballet Mecanique
País: Francia
Año: 1924
Guión: Fernand Léger
Director: Fernand Léger, Dudley Murphy
Fotografía: Dudley Murphy, Man Ray
Música: George Antheil
Duración: 24 minutos.
Intérpretes: Fernand Léger, Dudley Murphy, Katherine Murphy, Katrin Murphy (chica con una flor).

Ballet Mécanique fue un proyecto del compositor norteamericano George Antheil y el cineasta y artista Fernand Léger. Aunque la película fue prevista para usar la música de Antheil como banda sonora, las dos partes no se unieron hasta los noventas. Como una composición, Ballet Mécanique es el trabajo más conocido y perdurable de Antheil. Se mantiene famoso por su estilo e instrumentación radical así como por su argumento.

El “ballet” no es un show de personas bailando sino de instrumentos mecánicos. Entre ellos, pianos, hélices de aviones, y campanas eléctricas que se mantienen claramente en el escenario, moviéndose como se mueven las maquinas, y proveyendo el lado visual del ballet. Como la instrumentación bizarra puede sugerir, esta no fue una pieza ordinaria de música. Era fuerte y con mucho ritmo, una mezcla de ruidos, como los Futuristas Italianos visionaban que seria la nueva música del Siglo XX. Para explorar este fascinante artefacto de la música moderna como lo era Ballet Mécanique, es mejor tratar de entender su historia y también sus cualidades musicales.

Ballet Mécanique fue originalmente escrita para acompañar una película dadaísta del mismo nombre, dirigida por Dudley Murphy y Fernand Léger con fotografía de Man Ray. El mismo Antheil no era un dadaísta, aunque tenía muchos amigos y partidarios en esa comunidad. Desafortunadamente la partitura terminó teniendo 30 minutos de largo mientras que la película solo era de 16 minutos de duración. La película fue estrenada el 24 de Septiembre de 1924 en Viena y presentada por Frederick Kiesler, mas tarde un famoso arquitecto. Mientras tanto, la música de Antheil para Ballet Mécanique se transformo en una pieza de concierto, estrenada por el mismo Anthiel en París en 1926.

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Emir Kusturica
Título Original: Underground
País: Yugoslavia, Francia, Alemania, Hungría
Año: 1995
Género: Drama
Guión: Dusan Kovacevic y Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac
Música: Goran Bregovic
Producción: Pierre Spengler
Duración: 167 minutos
Intérpretes: Miki Manojlovic (Marko), Lazar Ristovski (Crni o Blaky), Mirjana Jokovic (Natalija), Slavko Stimac (Ivan), Ernst Stotzner (Franz), Srdan Todorovic (Jovan), Mirjan Karanovic (Vera), Milena Pavlovic (Jelena).

No hay necesidad de una adaptación para cine de la novela de Gabriel García Márquez Cien años de soledad. Ya se ha hecho. La tragicomedia de Emir Kusturica Underground puede ser la película mas importante de los últimos 25 años, este opresivo, moralmente inquisidor trabajo de ficción narrativa política que lamenta nuestra propensión a la auto destrucción. En una época donde el supuesto serio periodismo falla en mostrar los horrores del mundo, las películas como Underground existen para remendar esa situación. “Había una vez un país…”. Así comienza Kusturica una parábola de auto aniquilación, una metáfora delirante, emocionalmente desgarradora y desvastadamente graciosa de la crónica de una muerte anunciada.

Poseída por el ritmo cultural de su país, Kusturica estructura la primera parte de Underground como una fiesta apocalíptica. Desde el comienzo, la película es un testamento a la perseverancia humana. Blacky (Lazar Ristovski) y Marko (Miki Manojlovic) regresan a sus hogares al borde de la invasión alemana a Yugoslavia. Marko le hace el amor tranquilamente a una prostituta local, mientras que las bombas caen cerca. Un egocéntrico Blacky come su comida a pesar de los gritos de su embarazada mujer. “Cómo puedes tu, con todas estas bombas?” le suplica. Aparece un elefante con un zapato en la trompa. Tick Tock Tick Tock. Es el sonido del cronometro del perpetuo balanceo del hombre. Esta ahí para hacernos recordar: es solo una cuestión de tiempo.

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Jean-Pierre Melville
Título Original: Le circle rouge
País: Francia
Año: 1970
Género: Film Noir
Guión: Jean-Pierre Melville
Director: Jean-Pierre Melville
Fotografía: Henri Decae (color)
Música: Eric de Marsan
Producción: Corona (París), Selena (Roma)
Duración: 140 minutos
Intérpretes: Alain Delon(Corey), Bourvil(Le Commissaire Mattei), Gian Maria Volontè(Vogel), Yves Montand(Jansen), Paul Crauchet(Le Receleur), Paul Amiot(Le chef de la police), Pierre Collet(Le Gardien de prison), André Ekyan( Rico), Jean-Pierre Posier(L'assistant de Mattei), François Périer( Santi), Yves Arcanel( Le juge d'instruction), René Berthier( Le directeur de la P.J.), Jean-Marc Boris( Le fils Santi), Jean Champion( Le garde-barrière), Yvan Chiffre( Un policier).

El director francés Jean-Pierre Melville era una criatura de hábito y convicción. Solo podía escribir de noche; siempre manejaba un auto norteamericano, nunca abandonaba su casa sin su Stetson y sus gafas de sol Rayban; y creía que era posible dirigir sustantivas cuestiones dentro de las películas de crimen. Mientras que algunas de sus trece películas son adaptaciones de novelas clásicas francesas, como la delirante y alterada versión de la novela de Jean Cocteau, Les Enfants Terribles (1950), la mayoría de su otro trabajo yace en el genero que los franceses llamaban policier, en la cual los criminales y los policías competían por la supremacía.

Al mismo tiempo, Melville tenía poco interés en la clase de pirotécnica que los norteamericanos a veces adoptaban cuando trabajaban en este estilo. Por ejemplo, tomen la película de Michael Mann, Heat (1995), un notable ejemplo de la influencia francesa en una película domestica y una exitosa pieza de trabajo por derecho propio. El severo rostro que el jefe de los ladrones, Robert DeNiro, adopta se parece a la inconmovible postura de un numero de protagonistas de Melvilla, y la memorable confrontación entre este personaje y el del policía de Al Pacino, tiene una analogía directa en la filmografía francesa.

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Alain Resnais
Título Original: Hiroshima mon amour
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama, Romance
Guión: Marguerite Duras
Director: Alain Resnais
Fotografía: Sacha Vierny (Francia), Takahashi Michio (Japón) (BN)
Música: Georges Delerue, Giovanni Fusco
Montaje: Henri Colpi
Coproducción: Argos Film, Como Films, Daiei, Pathé Overseas
Duración: 91 minutos
Intérpretes: Emmanuelle Riva (la mujer), Eiji Okada (el hombre), Bernard Fresson (el alemán), Stella Dassas y Pierre Barbaud (los padres).

Esta es una excepcional película, que marca el debut como director de Alain Resnais, después de una década de producir documentales cortos. Efectivamente, Hiroshima mon amour comenzó como un documental sobre la reconstrucción de Hiroshima, y los primeros quince minutos de la película usa partes del material del documental para lograr un gran efecto para señalar la escena.

Como muchas de sus subsecuentes películas, Resnais usa su único acercamiento de entretejer las memorias y los eventos actuales para crear una ilusión de un tiempo fantasmal eterno. Las frases son repetidas una y otra vez, la cámara panea letárgicamente sobre el escenario mustio, y el dialogo es reproducido sobre el material documental de la reconstrucción de Hiroshima. Genera un efecto de profunda impresión de pesadumbre y tormento auto infligido, perfectamente capturado por la actuación cargada de emoción de Emmanuelle.

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Georges Méliès
Título Original: Le voyage dans la Lune
País: Francia
Año: 1902
Género: Ciencia Ficción
Guión: Georges Méliès, según las novelas "De la Tierra a la Luna" de Julio Verne y "Los primeros hombres en la Luna" de H. G. Wells
Director: Georges Méliès
Fotografía: Lucien Tainguy (BN)
Producción: Star Film (Georges Méliès)
Duración: 280 metros (30 cuadros de los cuales se conservan 28)
Intérpretes: Georges Méliès (Profesor Barbenfouillis), Bleuette Béron (La Dama Luna), Victor André, Henri Delannoy, Kelm Brunnet, Jean d'Alcy, Depierre, Farjaux, bailarines del cuerpo de baile del Châtelet, acróbatas del Foliés-Bergère.

Viaje a la Luna es la primera película de ciencia ficción de la historia, una obra maestra de 14 minutos, creada por el imaginativo director francés y mago Georges Méliès (1861-1938) en su propia versión de la historia de Julio Verne. La trama de la película muda, una liviana sátira criticando a la comunidad científica conservadora de su época, fue inspirada por Desde la Tierra a la Luna (1865) de Julio Verne y por El primer hombre en la Luna (1901) de H. G. Wells.

Esta película, el más notable film de Méliès, fue hecha con un presupuesto astronómico para su época, 10000 francos, riesgoso, pero valió la pena ya que fue un éxito rotundo. Su popularidad también se baso en que fue copiada ilegalmente, y lanzada bajo otros nombres, y pirateada (incluyendo una robada por los técnicos de películas de Edison y distribuida por todo Estados Unidos). En Estados Unidos un duplicado ilegal de la película estaba disponible bajo el titulo de Un Viaje a Marte, de Siegmund Lubin.

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Ferdinand Zecca
Título Original: Histoire d´un crime
País: Francia
Año: 1901
Guión: Ferdinand Zecca
Director: Ferdinand Zecca
Decorados: Ferdinand Zecca
Fotografía: Ferdinand Zecca (BN)
Producción: Pathé
Duración: 110 metros (seis cuadros)
Intérpretes: Jean Liézer, Bretteau, Ferdinand Zecca

La primera década del Siglo XX es usualmente ignorada en la historia del cine, principalmente porque pareciera que es una fase post experimental natural en el desarrollo del medio. Esto es desafortunado, ya que el arranque de la creatividad no fue estorbado por otros factores externos (económicos, sociales, políticos) por primera y talvez la única vez en la historia del cine. En consecuencia, los directores eran libres de explorar las posibilidades de construir una narrativa a través de imágenes, regularmente abordando material controversial. Estas producciones fueron la fuente principal de inspiración (a menudo plagiado vergonzosamente hasta por maestros en el campo) para algunas de los mas famosas películas de décadas posteriores.

El sistema de perfecta competencia en el recientemente creado nicho de la industria del entretenimiento es indiscutiblemente la principal causa para la libertad artística. Los estudios pudieron estar detrás de las decisiones de los directores, mientras que eran pocos como para no saber que esperaban las audiencias de las películas. Sin embargo, ya se vislumbraba que la audiencia veía al cine como arte popular, más que como puro entretenimiento.

Para las mas exitosas películas de este periodo, el foco estaba mas en las emociones que en el intelecto. Asumiendo que el arte es antes que intenta crear una reacción emocional, una dimensión intelectual es un extra para el amante del arte interesado, cuando esta ahí, igualmente no es esencial para la apreciación del trabajo de una obra de arte. Lo que atraía al publico era que “directamente solicita la atención del espectador, incitando la curiosidad visual, y como suplemento, placer a través de un espectáculo excitante” en palabras de Gunning. Teniendo esto como punto de referencia, el éxito de una producción puede ser valorada en términos de placer, más que de consistencia narrativa. Este acercamiento utilitario al arte parece al principio insatisfactorio, y podría decirse incapaz de producir trabajos que surgieran por sobre el entretenimiento básico.

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Auguste y Louis Lumière
Título Original: L'Arrivée d'un train à La Ciotat o L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat
País: Francia
Año:1895
Género: Documental
Director: Louis Lumière
Producción: Auguste y Louis Lumière
Duración: 49 segundos

El 28 de Diciembre de 1895, en el Salon Indien Du Grand Café, en Paris, los hermanos Auguste y Louis Lumière transformaron la industria del entretenimiento cuando hicieron una demostración de su invento. Los hermanos proyectaron una serie de imágenes en una pantalla, pero aquellas imágenes no eran una serie de imágenes normales, aquellas imágenes estaban moviéndose como si estuviesen vivas. Mientras que la idea de imágenes en movimiento no eran nueva para la audiencia (el Kinetoscopio de Edison era un divertimento popular), la habilidad de este dispositivo de proyectarlas en una pantalla era algo que nunca había sido visto con anterioridad. Diez películas cortas que apenas llegaban al minuto de duración cada una fueron proyectadas ese día, y la invención probo que fue un enorme existo para los hermanos, los que inmediatamente decidieron seguir haciendo películas en orden de mejorar su catalogo. Una de esas películas se convirtió en el primer icono gráfico del nuevo arte.

"L' Arrivée d'un train à La Ciotat" (literalmente, "El arribo del tren a La Ciotat") es sin dudas, uno de los filmes mas famosos de la historia, como su imagen de un tren llegando a la estación, pasando muy cerca de la cámara mientras reduce la velocidad, rápidamente se convirtió en una escena icono de la nueva invención. Mientras inicialmente fue concebida como otro de los tantos “filmes de actualidad” de los hermanos Lumière, es claro que el director Louis Lumière sabia exactamente donde poner la cámara en orden de obtener la mejor imagen del evento mientras el filme mostraba que tenia una buena idea del uso de la perspectiva (muchos lo consideran un estudio sobre toma larga, toma media y acercamiento). Como una nota aparte, este es el filme que origino una leyenda urbana sobre gente corriendo asustada alejándose del tren en movimiento, pensando que era una locomotora real que estaba apareciendo en la pantalla.

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