Constantin Costa-Gavras
Título Original: État de siège
País: Francia
Año: 1972
Género: Drama
Guión: Constantin Costa-Gavras, Franco Solinas
Director: Constantin Costa-Gavras
Fotografía: Pierre-William Glenn
Edición: Françoise Bonnot
Música: Mikis Theodorakis
Producción: Jacques Henri Barratier, León Sanz, Jacques Perrin
Duración: 120 minutos
Intérpretes: Yves Montand (Philip Michael Santore), Renato Salvatori (Capitan Lopez), O.E. Hasse (Carlos Ducas), Jacques Weber (Hugo),Jean-Luc Bideau (Este), Maurice Teynac (Ministro de Seguridad Interna), Yvette Etiévant (Senadora), Evangeline Peterson (Mrs. Santore), Harald Wolff (Ministro de Relaciones Exteriores), Nemesio Antúnez (Presidente de la República), Mario Montilles (Asistente de Comisionado Fontant), André Falcon (Oficial Fabbri), Jerry Brouer (Anthony Lee), Roberto Navarrete (Comisionado Romero), Douglas Harris (Director A.I.D.).

En Uruguay, un oficial norteamericano, Michael Santote, es secuestrado por la guerrilla de izquierda Tupamaros. Sus captores lo acusan de ser un agente de la CIA, responsable del entrenamiento de la policía local en técnicas de tortura y anti sedición. Mientras que la guerrilla trata de extraerle una confesión a Santote, las autoridades, encabezadas por el gobierno de extrema derecha, se esta acercando.

Con una veta similar a las previas películas de Costa-Gavras, Z y La Confesión, Estado de Sitio es un elegante thriller político que hace una audaz declaración sobre el abuso de poder por los gobiernos en un país políticamente reprimido. Aunque no es nombrado como tal en la película, el blanco de Costa-Gavras es Uruguay (aunque la película fue filmada en Chile), y la historia esta basada en el caso de la vida real de un oficial norteamericano, Daniel Mitrione. Como es lógico la película fue cruelmente condenada en Estados Unidos por su contenido anti norteamericano y por su aparente glorificación del asesinato.

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Luis Buñuel fue una figura singular en el mundo del cine, y un autor consagrado desde el comienzo. Nacido casi con el cine, su trabajo va desde la experimentación surrealista en la década de 1920, pasando por las comedias comerciales y los melodramas en la década de 1950, hasta el cine d´art posmodernista en las décadas de 1960 y 1970. reclamado por Francia, donde hizo sus primeras celebradas películas y las ultimas, por España, donde nació y tenia sus raíces culturales mas profundas, y por México, donde se volvió ciudadano e hizo veinte películas, siendo visto mas recientemente como una figura en permanente exilio quien problematiza la misma idea de lo nacional en sus películas.

Un surrealista, un iconoclasta, un contrario y un provocador, Buñuel alegaba que su proyecto era para perforar la confianza de lo poderoso. Tu trabajo toma forma debajo de “los dobles arcos de la belleza y la rebelión”, como Octavio Paz lo explica. Recientemente, sus hijos han reafirmado la vista de Buñuel de Un Perro Andaluz, como un “llamado al asesinato” contra la “museificación” de las celebraciones de su centenario. Mientras que esto exagera de alguna manera su radicalismo y status de intruso, hay una considerable consistencia en sus ataques hacia la burguesía, cuya hipocresía y apariencia tanto lo divertían como lo enfurecían. “En un mundo tan malo como nuestro” decía, “solo hay un camino –rebelión”.

Buñuel esta de hecho satirizando su propia clase, a la cual el confortable e imperturbablemente pertenecía. El entendió bien la neurosis y mezquindad de la educación de su clase media Católica. “Todavía soy ateo, gracias a Dios”, decía. Esta es una de sus tantas paradojas: el estaba tanto dentro como fuera. Mientras que ferozmente crítica las ideologías de los poderosos en sus películas (la profana trilogía de la complacencia burguesa, la hipocresía religiosa y la autoridad patriarcal), disfrutaba de los frutos de su orden social en su vida personal. Las memorias de su esposa, Mujer sin piano, escritas para completar las de Buñuel, en las cuales ella y su hijo son mencionados a duras penas, se leen como los recuerdos de un cautivo afligido por el síndrome de Estocolmo. Jeanne Rucar, quien conoció a Buñuel en 1926 y se casó con el en 1934, trato de contar una historia de amor pero el dolor y las perdidas que el le infringió, incluyendo la de su amado piano, que Buñuel pierde en una apuesta sin su consentimiento, constantemente se destacan.

Sin ir tan lejos como Paulo Antonio Paranagua, quien aseveraba que el El del título es el mismo Buñuel, es seguro decir que el director de El (1953), adaptación de una novela de Mercedes Pinto, conocía el material íntimamente. Parte de su genialidad fue la habilidad de mantenerse fuera de su ser cultural, diseccionando el deseo y las tortuosas rutas de la supresión en la sociedades católicas patriarcales y burguesas. Sus películas se enfocan en el deseo del hombre, y sus protagonistas femeninas son usualmente meras proyecciones de ello. Pero las caracterizaciones de Viridiana, Tristana, y Sévérine en Belle du jour mas notablemente, también revelan la manera en la cual la sociedad burguesa distorsiona y reprime las necesidades básicas y los deseos de la mujer “conspirando para mantenerlas en una posición de sumisión y servidumbre”.

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Michelangelo Antonioni
Título Original: L'eclisse
País: Francia, Italia
Año: 1962
Género: Drama, Romance
Guión: Michelangelo Antonioni y Tonino Guerra con colaboración de Elio Bartolini y Ottiero Ottieri
Director: Michelangelo Antonioni
Fotografía: Gianni Di Venanzo
Edición: Eraldo Da Roma
Dirección Artística: Piero Poletto
Música: Giovanni Fusco
Producción: Raymond y Robert Hakim
Duración: 118 minutos
Intérpretes: Alain Delon (Piero), Monica Vitti (Vittoria), Francisco Rabal (Riccardo), Louis Seigner (Ercoli), Lilla Brignone (Madre de Vittoria), Rosanna Rory (Anita), Mirella Ricciardi (Marta).

Como el primer (y seminal) trabajo de Antonioni en su Trilogía Eros, L`aventura, L´Eclisse es la clase de película que fácilmente, y justamente, podría ser descrita como aburrida. Los personajes tienen poco sentido, no hay mucho que disfrutar formalmente (fuera de la belleza de las largas tomas), y, sobre todo, nada pasa. El descontento de una mujer en dos relaciones se vuelve el foco. Y el descontento (o imposibilidad) de toda la humanidad en todas las relaciones se vuelven el foco.

La pareja en L'Eclisse se compone de Vittoria (Monica Vitti), una reciente soltera, y Pietro (Alain Delon), un inversor financiero desesperado por el dinero. Vittoria esta frágil, herida, enojada y comienza a salir con la primer persona que se le cruza en la vida –la primer escena de la película consiste en una ruptura entre ella y su ahora ex novio. Su hasta el momento Ex tiene una rabieta debido a que no entiende porque Vittoria lo abandona. Antonioni parece rechazar los motivos de Vittoria. Antonioni habla no a través de los diálogos, sino de la Mise en scène, las relaciones especiales y yuxtaposiciones de objetos e individuos, y la ubicación de la cámara que los captura. Subrayando y rodeando su primera escena están los sonidos e imágenes de la invención – el zumbido omnipresente de un ventilador, el destello de las luces, y piezas de arte arquitectónica que entran amenazadoramente en el cuadro. Antonioni trabaja únicamente con formas cerradas en esta escena, atrapando a Vittoria dentro del entorno de su novio. Vittoria nunca dice porque lo abandona, pero cuando abre las persianas para ver el amanecer, se vuelve claro que Vittoria esta sofocada con esta relación –su naturaleza es obstaculizada por su novio. Pasa enfrente de un espejo, gira para mirarse en el, y retrocede horrorizada por la imagen que ve – difícilmente se reconoce porque su ser esta nublado por su novio.

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René Clair
Título Original: Entr'acte
País: Francia
Año: 1924
Guión: Francis Picabia y René Clair
Director: René Clair
Fotografía: Jimmy Berliet
Música: Erik Satie y Henri Sauguet
Producción: Rolf de Maré
Duración: 22 minutos
Intérpretes: Jean Börlin, Inge Frïss (Mlle Frïss), Francis Picabia, Marcel Duchamp, Man Ray, Darius Milhaud, Marcel Achard, Georges Auric, Georges Charensol, Roger Le Bon, Jean Mamy, Rolf de Maré, Erik Satie, Pierre Scize, Louis Touchages.

Esta extraordinaria película del director René Clair fue originalmente hecha para llenar el intervalo entre dos actos del nuevo ballet de Francis Picabia, Relâche, en el Théâtre des Champs- Elysées en Paris en 1924. Picabia había escrito la sinopsis de la película en una hoja de anotador, la cual envió a René Clair. Esto formo las bases de lo que terminó apareciendo en pantalla, con algunas improvisaciones adicionales. La música de la película fue compuesta por el famoso compositor vanguardista Erik Satie, quien aparece en la película, junto con su creador, Francis Picabia. El fotógrafo surrealista Man Ray también aparece en pantalla, en una película que curiosamente se parece a sus propias películas experimentales de la época.

Entreacto es un surreal mejunje de imágenes sueltas, reflejando el interés de Clair en el movimiento Dadaísta, un acercamiento radical y elegante al arte visual relacionado con la experimentación y el expresionismo surreal. La imaginería de Clair es tanto cautivante como inquietante, dándole vida a objetos inanimados, mientras que atacaba las convenciones, incluso la sobriedad de una marcha funeraria.

Para esta producción, los Dadaístas colaboraron en el proyecto inventando una nueva moda de producción: instantanéisme. La película completa dura unos 22 minutos usando técnicas como gente corriendo en cámara lenta, cosas sucediendo en reversa, ver a una bailarina de ballet bailar desde abajo, ver un huevo sobre una fuente de agua ser disparado e instantáneamente convertirse en un pájaro y ver a la gente desaparecer. El reparto incluye a Francis Picabia, Erik Satie, Man Ray, y Marcel Duchamp. El director de la orquesta en el estreno fue Roger Désormière.

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Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Título Original: Romance Sentimentale
País: Francia
Año: 1930
Guión: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Directores: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Duración: 20 minutos

Algunos relatos alegan que Sergei Eisenstein solo puso su nombre en este corto sonoro simplemente porque necesitaba el dinero. Es, sin embargo, mas cercano a la verdad decir que esta fue una colaboración, aunque el exacto punto de la colaboración entre el y Grigori Aleksandrov se mantiene indeterminado. Le película en si es un cortometraje, experimental, un montaje ligeramente poético de la ciudad y de imágenes abstractas. La contribución de Eisenstein parece haber sido la banda sonora con la cual demuestra su teoría de “el contra puntual uso del sonido” o el intento de encontrar un denominador común entre el sonido y la imagen. El sonido de Romance Sentimentale es dibujado directamente en la pista óptica de la película y es el primer ejemplo del uso de esta técnica. No se intentó hacer como una presentación de una película materialista, sino más bien como un experimento hacia un lenguaje cinematográfico integrado. A pesar de que las imágenes de la película son superficiales, conserva una importancia historia como una predecesora película experimental y la primera película sonora hecha por soviéticos, aunque no hecha en la Unión Soviética.

Constantinos Gavras, mejor conocido como (Constantin) Costa-Gavras, nació el 13 de febrero de 1933 en Loutra Iraias, Grecia, es un director greco francés conocido por sus películas sobre temas políticos, mas famoso por su oscura, acelerada película de suspenso, Z (1969). La mayoría de sus películas fueron hechas en Francia; comenzando con Perdido (1982), muchas de ellas fueron hechas en ingles.

Costa-Gavras nació en una familia pobre en el pueblo de Loutra Iraias, Arcadia. Su familia pasó la Segunda Guerra Mundial en un pueblo en el Peloponeso, y se trasladó a Atenas luego de la guerra. Su padre había sido miembro del ala izquierda EAM, una rama de la Resistencia Griega, y fue encarcelado, luego de la guerra, sospechado de ser comunista. Los antecedentes de su padre le impidieron a Costa-Gavras asistir a la universidad o emigrar a los Estados Unidos, por lo que luego de terminar la escuela secundaria se marchó a Francia, donde comenzó la carrera de leyes en 1951.

En 1956, abandonó sus estudios universitarios para estudiar cine en la escuela nacional de cine de Francia, IDHEC. Luego de la escuela de cine, logró ser aprendiz de Yves Allégret, y se volvió asistente de los directores Jean Giono y René Clair. Luego de varios trabajos como primer asistente de director, dirigió su primer largometraje, Los raíles de la muerte, en 1965.

En Z (1969), un juez, papel actuado por Jean-Louis Trintignant, trata de descubrir la verdad sobre la muerte de un prominente político de izquierda, Yves Montand, mientras los oficiales del gobierno y los militares tratan de cubrir sus participaciones en el hecho. La película relata una serie de eventos ficticios alrededor de la muerte del político griego Grigoris Lambrakis en 1963. Tuvo una repercusión adicional porque, al momento de su lanzamiento, Grecia hacia dos años que estaba gobernada por el “Régimen de los Coroneles”. Z ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Costa-Gavras y el coguionista Jorge Semprún ganaron un Premio Edgar, otorgado por Escritores Americanos de Misterio, al Mejor Guión de Película Extranjera.

L'Aveu (La Confesión, 1970) sigue los pasos de Artur London, un ministro comunista checoslovaco arrestado y juzgado por traición y espionaje en un proceso con fines propagandísticos durante la era estalinista.
Estado de Sitio (1973) se lleva a cabo en Uruguay durante un gobierno conservador a comienzos de la década de 1970. Con una trama basada en el caso del oficial de policía norteamericano y presunto experto en torturas Dan Mitrione, un oficial de la Embajada de los Estados Unidos (papel actuado por Yves Montand), que es secuestrado por los Tupamaros, un grupo subversivo de izquierda, quien lo interroga para revelar detalles secretos de la complicidad de los Estados Unidos con los regimenes represivos en América Latina.

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Marcel Duchamp
Título Original: Anemic Cinema
País: Francia
Año: 1926
Guión: Marcel Duchamp
Director: Marcel Duchamp
Duración: 7 minutos

Esta característica película dadaísta de Marcel Duchamp consiste en una serie de juegos de palabras con frases sin sentido escritas alrededor de patrones de espirales que rotan, creando un efecto casi hipnótico. Silencio.

Anemic Cinema (varias versiones fueron hechas en 1920, 1923, y finalmente, en 1926).

Esencialmente es una película de Duchamp con ayuda de Man Ray. Calvin Tomkims: “Duchamp usó el pago inicial de su herencia para realizar la película y para entrar en el negocio del arte. La película, filmada en el estudio de Man Ray con ayuda del cinematógrafo Marc Allégret, era una animación de siete minutos de puros juegos de palabras de Rose Sélavy. Estas habían sido pegadas, letra por letra, en un patrón espiral en discos negros que fueron pegados a discos de fonógrafo; los textos lentamente giraban alternándose con tomas de los Discs Bearing Spirals de Duchamp, diez diseños abstractos que giraban haciendo parecer que se movían hacia delante y hacia atrás en un ritmo erótico. La pequeña película, la cual Duchamp llamó Anemic Cinema, tuvo su estreno ese Agosto en un sala privada de Paris”.

Man Ray
Título Original: Emak Bakia
País: Francia
Año: 1926
Guión: Man Ray
Director: Man Ray
Fotografía: Man Ray
Duración: 18 minutos

En Emak Bakia, el travieso dadaísta y surrealista Man Ray fue pionero en la técnica de la filmación sin cámara, exponiendo tramos de película a la luz luego espolvoreándola con alfileres, granos de sal y otros objetos comunes. En su divertido uso de diferentes materiales –animación, formas no objetivas, rayogramas, imágenes fuera de foco y fragmentadas- Emak Bakia se mantiene fresca e inspiradora luego de casi 80 años de su realización.

Man Ray dijo que hizo este cortometraje en estricta conformidad con los principios surrealistas. Abre con una serie de tomas aparentemente sin relación: granos en la película; flores moviéndose; alfileres en negativo; puntos de luz –fuera de foco- los cuales se ordenan en líneas; un prisma; barras de luz reflejadas, rotando a diferentes velocidades; luces de automóviles, con un gran ojo sobrepuesto sobre el radiador entre ellas; parpadea; y así continúa. Mientras que la película progresa el tema del automóvil se vuelve dominante: el conductor usando gafas (los que imitan las luces del auto). Le sigue una serie de tomas convencionales del auto viajando por un camino, entrecortadas por tomas de ovejas (en completo contraste tonal). El auto se detiene –se ven las piernas de una mujer bajándose- la toma se repite tres veces, la cuarta vez es reemplazada por una superposición de las cuatro tomas, una detrás de la otra. Imágenes individuales se destacan por su humor y originalidad, pero Man Ray todavía siente necesario imponer un tema convencional –el automóvil- para mantener en una sola pieza a la película.

Louis & Auguste Lumière
Título Original: L'Arroseur arrosé
País: Francia
Año: 1895
Género: Comedia
Director: Louis Lumière
Producción: Lumière
Duración: 49 segundos
Intérpretes: François Clerc (el jardinero), Benoît Duval (el niño).

La primera película de comedia y ficción completamente teatralizada es una obra llena de energía, al igual que los trabajos previos de los hermanos Lumière.  En “Sortie d´Usine”, una escena en una calle cuya tranquilidad es quebrantada por trabajadores; en “Demolition d´un mur”, el orden jerárquico del jefe y los trabajadores es interrumpido por una pared que se quiebra. En este caso un idilio rural, un hombre, un trabajador hecho uno con la naturaleza, con su trabajo, es interrumpido por un entrometido holgazán; trabajo y propósito versus juego y sensación; documental versus ficción, fantasía, escapismo?.

David Thomson alega que la película funciona porque la audiencia se siente cómplice con las payasadas del joven. Esto es verdad, y el joven es subversivo – desbarata el trabajo, la armonía entre el hombre y la naturaleza, hombre y trabajo. El inflinge daño físico sin estar cerca de la victima, como un gangster disparando desde la distancia. Fuerza al hombre a abandonar su lugar para detenerlo.

Pero el es castigado, se les dan unas palmadas por su hazaña, llevado, como los críticos han notado, tan cerca de la pantalla para que la audiencia pueda verlo, como si el hombre estuviera castigándonos por disfrutar de la broma. La interrupción no será tolerada –el joven es expulsado del cuadro; la armonía es restaurada.

Eric Rohmer
Título Original: Ma nuit chez Maud
País: Francia
Año: 1969
Género: Comedia
Guión: Eric Rohmer
Director: Eric Rohmer
Fotografía: Néstor Almendros
Producción: Pierre Cottrell, Barbet Schroeder
Duración: 110 minutos
Intérpretes: Jean-Louis Trintignant (Jean-Louis), Françoise Fabian (Maud), Marie-Christine Barrault (Françoise), Antoine Vitez (Vidal), Léonide Kogan (Violinista), Guy Léger (Predicador), Anne Dubot (Amiga Rubia), Marie Becker (Marie, Hija de Maud), Marie-Claude Rauzier (Estudiante).

Típicamente, Eric Rohmer es presentado como el miembro más viejo de la Nouvelle Vague francesa, con la implicancia que su tranquilo, hablador, formal estilo es menos radical y mas apartado de las películas de los otros miembros fundadores claves Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, François Truffaut y Jacques Rivette. Generalmente asociamos este movimiento con un estilo que rompe las convenciones clásicas, frecuentemente usando como lugar de rodaje las calles de Paris, esta lleno de citas cinemáticas, y proclamando la sensibilidad política y social de la joven generación que dominaría la vida cultural del Oeste en la década de 1960. Esto es probablemente porque Truffaut y Godard son los directores de la Nouvelle Vague mas conocidos y sus estilos definieron el movimiento. Es verdad que la película de Rohmer de 1969, Mi noche con Maud, no tiene el recurso estilístico florido de estas películas. No obstante, es un trabajo rico y satisfactorio, el cual es un placer por derecho propio y puede dar una mano en conseguir un completo entendimiento de la Nouvelle Vague.

Mucha de la estructura intelectual del movimiento puede ser encontrada en la critica de cine escrita por sus futuros directores en las paginas de la revista Cahiers du Cinéma, como el famoso cáustico ensayo de Truffaut sobre el estado del cine francés en su manifiesto de 1954 “Una cierta tendencia del cine francés”. Otro importante e influyente ensayo, particularmente en el contexto de Rohmer, es “Nacimiento de una Nueva Vanguardia: la Camera-Stylo” de Alexandre Astruc, escrito en 1948. Astruc sostiene que el cine se volverá una forma más personal y ensayista donde la cámara literalmente actuará como el lápiz del director, la camera-stylo. Truffaut escribe sobre lo poco original de la “tradición de calidad” de las películas de estudio hechas en Francia. Argumenta que usualmente escriben adaptaciones con mensajes formulistas, anti clericales y anti burgueses, hipócritamente escritos por escritores extremadamente burgueses. Truffaut pelea por un cine más perspicaz, escrito por directores o con un acercamiento a las adaptaciones más original, donde la vida y la fe de la clase media son representadas más honestamente. Creían que el cine debía ser personal y capaz de tocar los intangibles y misteriosos aspectos de la existencia humana. Aunque esto parecía bien después de los años mas influyentes del movimiento, Mi noche con Maud es una película atestada de estas ideas y esta sensibilidad, sin dudas una película de la Nouvelle Vague.

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