Luis Buñuel fue una figura singular en el mundo del cine, y un autor consagrado desde el comienzo. Nacido casi con el cine, su trabajo va desde la experimentación surrealista en la década de 1920, pasando por las comedias comerciales y los melodramas en la década de 1950, hasta el cine d´art posmodernista en las décadas de 1960 y 1970. reclamado por Francia, donde hizo sus primeras celebradas películas y las ultimas, por España, donde nació y tenia sus raíces culturales mas profundas, y por México, donde se volvió ciudadano e hizo veinte películas, siendo visto mas recientemente como una figura en permanente exilio quien problematiza la misma idea de lo nacional en sus películas.

Un surrealista, un iconoclasta, un contrario y un provocador, Buñuel alegaba que su proyecto era para perforar la confianza de lo poderoso. Tu trabajo toma forma debajo de “los dobles arcos de la belleza y la rebelión”, como Octavio Paz lo explica. Recientemente, sus hijos han reafirmado la vista de Buñuel de Un Perro Andaluz, como un “llamado al asesinato” contra la “museificación” de las celebraciones de su centenario. Mientras que esto exagera de alguna manera su radicalismo y status de intruso, hay una considerable consistencia en sus ataques hacia la burguesía, cuya hipocresía y apariencia tanto lo divertían como lo enfurecían. “En un mundo tan malo como nuestro” decía, “solo hay un camino –rebelión”.

Buñuel esta de hecho satirizando su propia clase, a la cual el confortable e imperturbablemente pertenecía. El entendió bien la neurosis y mezquindad de la educación de su clase media Católica. “Todavía soy ateo, gracias a Dios”, decía. Esta es una de sus tantas paradojas: el estaba tanto dentro como fuera. Mientras que ferozmente crítica las ideologías de los poderosos en sus películas (la profana trilogía de la complacencia burguesa, la hipocresía religiosa y la autoridad patriarcal), disfrutaba de los frutos de su orden social en su vida personal. Las memorias de su esposa, Mujer sin piano, escritas para completar las de Buñuel, en las cuales ella y su hijo son mencionados a duras penas, se leen como los recuerdos de un cautivo afligido por el síndrome de Estocolmo. Jeanne Rucar, quien conoció a Buñuel en 1926 y se casó con el en 1934, trato de contar una historia de amor pero el dolor y las perdidas que el le infringió, incluyendo la de su amado piano, que Buñuel pierde en una apuesta sin su consentimiento, constantemente se destacan.

Sin ir tan lejos como Paulo Antonio Paranagua, quien aseveraba que el El del título es el mismo Buñuel, es seguro decir que el director de El (1953), adaptación de una novela de Mercedes Pinto, conocía el material íntimamente. Parte de su genialidad fue la habilidad de mantenerse fuera de su ser cultural, diseccionando el deseo y las tortuosas rutas de la supresión en la sociedades católicas patriarcales y burguesas. Sus películas se enfocan en el deseo del hombre, y sus protagonistas femeninas son usualmente meras proyecciones de ello. Pero las caracterizaciones de Viridiana, Tristana, y Sévérine en Belle du jour mas notablemente, también revelan la manera en la cual la sociedad burguesa distorsiona y reprime las necesidades básicas y los deseos de la mujer “conspirando para mantenerlas en una posición de sumisión y servidumbre”.

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Peter Greenaway nació en Newport, Monmouthshire y creció en Essex, Inglaterra. Su familia se mudó de Gales del Sur cuando el tenia tres años. A una temprana edad Greenaway decidió que quería ser pintor. Desarrollo un interés en el cine europeo, enfocándose primero en las películas de Ingmar Bergman, Michelangelo Antonioni, Pier Paolo Pasolini, y luego en los cineastas de la Nouvelle Vague, como Godard, y especialmente Resnais.

En 1962 comenzó sus estudios en el Walthamstow Collage of Art, donde entre sus compañeros se encontraba el músico Ian Dury (al cual Greenaway mas tarde haría actuar en El Cocinero, El Ladrón, Su Mujer y Su Amante). En este lugar, Greenaway pasaría los próximos tres años entrenando para ser un pintor de murales y realizando su primera película, Death of Sentiment, un ensayo sobre el mobiliario de los cementerios, filmado en cuatro grandes cementerios de Londres. En 1965 se une a la Central Office of Information (COI), donde permanece los próximos quince años como editor de películas y luego como director. Durante este tiempo comienza a construir su filmografía personal de cine experimental, comenzando con Train de 1966, compuesta por material de los últimos trenes de vapor en la estación Waterloo (justo detrás de la COI), editada para una pista musical ya existente. Tree, hecho en 1966, era un homenaje a un árbol creciendo en el concreto en las afueras del Royal Festival Hall en el South Bank de Londres. En la década de 1970 Greenaway se volvió más seguro y ambicioso e hizo Vertical Features Remake y A Walk Through H. La primera es un análisis sobre variaciones aritméticas de estructuras, y la última es un viaje a través de varios mapas de un país ficticio.

El sello muchas de las películas de Greenaway es la gran influencia del Renacimiento y, en particular, pintura flamenca en su composición escénica e iluminación, con su concomitante contraste entre vestuario y desnudez naturalizada, naturaleza y arquitectura, mobiliario y personas, placer sexual y muerte dolorosa.

Greenaway a menudo ha trabajado con el compositor Michael Nyman, quien ha hecho las bandas de sonido de muchas de las películas de Greenaway.

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Pasolini nació en Bologna, tradicionalmente uno de las ciudades italianas más izquierdistas. Era el hijo de un teniente del ejército italiano, Carlo Alberto, quien se volvió famoso por salvar la vida de Mussolini, y una maestra de escuela, Susana Colussi, y fue nombrado como su tío paterno. Su familia se mudó a Conegliano en 1923 y, dos años luego, a Belluno, donde otro hijo, Guidalberto, nació. En 1926, sin embargo, el padre de Pier Paolo fue arrestado por deudas de juego, y su madre se mudo a la casa de su familia en Casarsa della Delicia, en la región de Friuli.

Pasolini comenzó a escribir poemas a los 7 años, inspirado por la belleza natural de Casarsa. Una de sus primeras influencias fue el trabajo de Arthur Rimbaud. En 1933 su padre fue transferido a Cremona, y luego a Scandiano y Regio Emilia. Pasolini encontró dificultades para adaptarse a tantas mudanzas, si bien mientras tanto amplió sus lecturas poéticas y literarias (Dostoevsky, Tolstoy, Shakespeare, Coleridge, Novalis) y abandonó su fervor religioso. En la escuela secundaria de Regio Emilia conoció su primer gran amigo, Luciano Serra. Los dos se volvieron a encontrar en Bologna, donde Pasolini pasó siete años mientras terminaba la escuela secundaria: aquí cultivó nuevas pasiones, incluyendo el fútbol. Con otros amigos, incluyendo a Ermes Parini, Franco Farolfi, Elio Meli, formó un grupo dedicado a las discusiones literarias.

En 1939 se gradúa y posteriormente entro en la Facultad de Literatura de la Universidad de Bologna, descubriendo nuevos temas como la filosofía y la estética del arte figurativo. También frecuentaba el club de cine local.  Pasolini siempre mostraba a sus amigos un viril y fuerte exterior, ocultando totalmente su mortificado interior: hasta tomó parte de las competiciones culturales y deportivas del gobierno Fascista. En 1941, junto con Francesco Leonetti, Roberto Roversi y otros, trato de publicar una revista de poemas, pero su intento falló debido a la escasez de papel. Los poemas de Pasolini de este periodo comenzaron a incluir fragmentos en lenguaje Friulano, el cual había aprendido con su familia materna.

Luego del verano en Casarsa, en 1941 Pasolini publicó una colección de poemas en Friulano, Versi y Casarsa. El trabajo fue notado y apreciado por intelectuales y críticos como Gianfranco Contini, Alfonso Gatto y Antonio Russi. Sus pinturas también fueron muy bien recibidas. Pasolini fue editor en jefe de la revista Il Setaccio (“El Tamiz”), pero fue despedido luego de varios conflictos con el director, quien estaba alineado con el régimen fascista. Un viaje a Alemania le ayudó a descubrir el status “provincial” de la cultura italiana en esa época. Esas experiencias guiaron a Pasolini a repensar sus opiniones sobre las políticas culturales del Fascismo, y a cambiar gradualmente a una posición comunista.

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Constantinos Gavras, mejor conocido como (Constantin) Costa-Gavras, nació el 13 de febrero de 1933 en Loutra Iraias, Grecia, es un director greco francés conocido por sus películas sobre temas políticos, mas famoso por su oscura, acelerada película de suspenso, Z (1969). La mayoría de sus películas fueron hechas en Francia; comenzando con Perdido (1982), muchas de ellas fueron hechas en ingles.

Costa-Gavras nació en una familia pobre en el pueblo de Loutra Iraias, Arcadia. Su familia pasó la Segunda Guerra Mundial en un pueblo en el Peloponeso, y se trasladó a Atenas luego de la guerra. Su padre había sido miembro del ala izquierda EAM, una rama de la Resistencia Griega, y fue encarcelado, luego de la guerra, sospechado de ser comunista. Los antecedentes de su padre le impidieron a Costa-Gavras asistir a la universidad o emigrar a los Estados Unidos, por lo que luego de terminar la escuela secundaria se marchó a Francia, donde comenzó la carrera de leyes en 1951.

En 1956, abandonó sus estudios universitarios para estudiar cine en la escuela nacional de cine de Francia, IDHEC. Luego de la escuela de cine, logró ser aprendiz de Yves Allégret, y se volvió asistente de los directores Jean Giono y René Clair. Luego de varios trabajos como primer asistente de director, dirigió su primer largometraje, Los raíles de la muerte, en 1965.

En Z (1969), un juez, papel actuado por Jean-Louis Trintignant, trata de descubrir la verdad sobre la muerte de un prominente político de izquierda, Yves Montand, mientras los oficiales del gobierno y los militares tratan de cubrir sus participaciones en el hecho. La película relata una serie de eventos ficticios alrededor de la muerte del político griego Grigoris Lambrakis en 1963. Tuvo una repercusión adicional porque, al momento de su lanzamiento, Grecia hacia dos años que estaba gobernada por el “Régimen de los Coroneles”. Z ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Costa-Gavras y el coguionista Jorge Semprún ganaron un Premio Edgar, otorgado por Escritores Americanos de Misterio, al Mejor Guión de Película Extranjera.

L'Aveu (La Confesión, 1970) sigue los pasos de Artur London, un ministro comunista checoslovaco arrestado y juzgado por traición y espionaje en un proceso con fines propagandísticos durante la era estalinista.
Estado de Sitio (1973) se lleva a cabo en Uruguay durante un gobierno conservador a comienzos de la década de 1970. Con una trama basada en el caso del oficial de policía norteamericano y presunto experto en torturas Dan Mitrione, un oficial de la Embajada de los Estados Unidos (papel actuado por Yves Montand), que es secuestrado por los Tupamaros, un grupo subversivo de izquierda, quien lo interroga para revelar detalles secretos de la complicidad de los Estados Unidos con los regimenes represivos en América Latina.

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Andrei Arsenyevich Tarkovsky fue un director escritor y director de opera ruso. Aunque Tarkovsky dirigió solo siete largometrajes durante sus veinte años de carrera activa, es ampliamente considerado como uno de los cineastas mas importantes e influyentes del siglo XX. Fue aclamado por los críticos por dirigir películas como Andrei Rublev, Solaris o Stalker.

Tarkovsky también trabajó extensamente como guionista, editor y teórico de cine y director teatral. Dirigió la mayoría de sus películas en la Unión Soviética, con la excepción de sus últimos dos largometrajes que fueron producidos en Italia y Suecia. Sus películas se caracterizan por los temas metafísicos y espirituales cristianos, extremadamente largas tomas, falta de una estructura dramática convencional y trama, e imágenes memorables de excepcional belleza.

Tarkovsky nació en la villa de Zavrazhye en la provincia de Kostroma como el hijo del poeta y traductor Arseny Alexandrovich Tarkovsky y Maria Ivanova Vishnyakova, una graduada del Instituto de Literatura Maximo Gorki. En 1934, su hermana Marina nació. Paso su niñez en Yuryevets en la provincia Ivanovo. En 1937, su padre abandonó a la familia, para unirse posteriormente como voluntario del ejército en 1941. Tarkovsky se quedó con su madre, mudándose con ella y su hermana a Moscú, donde la madre trabajó como correctora en una imprenta. Durante la guerra, Tarkovsky, su madre y su hermana Marina fueron evacuados a Yuryevets, viviendo con su abuela materna.  En 1943, la familia regresó a Moscú. Tarkovsky continuó sus estudios, siendo el poeta Andrev Vosnesensky uno de sus compañeros de clase. También aprendió a tocar el piano en la escuela de música y asistió a clases en una escuela de arte. Desde noviembre de 1947 hasta la primavera de 1948, estuvo internado en un hospital con tuberculosis. Muchos temas de su niñez –la evacuación, su madre con sus hijos, el abandono del padre, el tiempo en el hospital- caracterizaron claramente su obra El Espejo.

Justo después de su graduación de la escuela secundaria, de 1952 a 1953, Tarkovsky estudió árabe en el Instituto Oriental de Moscú, una rama de la Academia de Ciencias de la Unión Soviética. No terminó sus estudios y abandonó su trabajo para la Academia del Instituto de Ciencias para Metales No Ferrosos y Oro, como buscador. Participó en una expedición de investigación de casi un año en el río Kureikye cerca de Turukhansk en la provincia de Krasnoyarsk. Durante este tiempo en el Taiga Tarkovsky decidió estudiar cine.

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Ernst Ingmar Bergman, nacido en Suecia el 14 de julio de 1918, fue un director de cine, teatro y opera, quien recibió nueve nominaciones a los premios Oscar de la Academia. Encontró tanto desolación y desesperanza como comedia y esperanza en sus exploraciones de la condición humana. Se lo reconoce como uno de los más grandes directores y como uno de los más influyentes en el cine moderno.

Dirigió 62 películas, la mayoría de las cuales escribió, y dirigió más de 170 obras. Algunos de sus actores favoritos fueron Liv Ullmann, Bibi Andersson y Max von Sydow. La mayoría de sus películas fueron filmadas en escenarios en su nativa Suecia. Los temas frecuentemente eran lóbregos, lidiando con la enfermedad, la traición y la locura.

Bergman estuvo activo por mas de 60 años, pero su carrera fue seriamente amenazada en 1976 cuando suspendió un número de producciones pendientes, cerró sus estudios, y se auto exilió en Alemania por ocho años debido a una investigación criminal por una alegada evasión impositiva.

Bergman nació en Uppsala, Suecia, hijo de Erik Bergman, un ministro luterano y más tarde capellán del Rey de Suecia, y su esposa, Karin. Creció rodeado de imágenes religiosas. Su padre era un párroco conservador con simpatías políticas por la extrema derecha y un estricto padre de familia. Ingmar era encerrado en oscuros armarios por infracciones tales como mojar la cama. “Mientras el padre predicaba en el púlpito y la congregación oraba, cantaba, o escuchaba” Ingmar escribió en su autobiografía Laterna Magica: “Consagré mi interés al mundo misterioso de la iglesia de bajos arcos, gruesas paredes, el olor de eternidad, la coloreada luz solar temblando sobre la extraña vegetación de las pinturas medievales y las talladas figuras en los cielorrasos y las paredes. Ahí tenia todo lo que mi imaginación podría desear –ángeles, santos, dragones, profetas, diablos, humanos”.

Aunque creció en una casa devota luterana, Bergman mas tarde indicó que perdió su fe a los ocho años y recién se dio cuenta de este hecho mientras filmaba Los Comulgantes.

El interés en el teatro y el cine por parte de Bergman comenzó a temprana edad: “A la edad de 9 años, canjeo un juego de soldados de lata por una linterna mágica abollada, una posesión que alteraría el curso de su vida. En el periodo de un año, había creado, jugando con sus juguetes, un mundo privado en el cual se sentía completamente en casa, recordaba. Creaba sus propios escenarios, marionetas, y efectos de luces y con las marionetas producía obras de Strindberg en la cual hacía las voces de todos los personajes”.

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Como un pionero del cine zarista, como un director que filmó en Moscú, Yalta, Paris, y Berlín, y como alguien que trabajo bajo diferentes sistemas sociales y logró sobrevivir, Yakov Protazanov tiene un lugar único en la historia del cine ruso.

Originalmente tenia previsto seguir una carrera comercial, pero cayó bajo el hechizo de las películas y comenzó si aprendizaje con Gloria Films, que luego se convertiría en Thiemann & Reinhardt, en Moscú. El cine en Rusia había sido socialmente aceptado desde el principio y gozaba del patrocinio de los círculos imperiales. Desde escribir guiones hasta actuar, Protazanov comenzó a dirigir. En 1911 hace Pesnya Katorzhanina (La canción del Prisionero) con Vladimir Shaternikov, un actor que había usado en varias oportunidades. Al año siguiente Andreyev escribió una adaptación de su obra Anfisa para Protazanov. El mismo año hace Ukhod velikovo startza (La partida del hombre viejo), de ese modo enemistándose con la Condesa Tolstoy, quien objetó la forma en que describieron a sui marido, papel actuado por Shaternikov. La película fue posteriormente prohibida. Una mas feliz empresa fue Klyuchishchastya (Llaves de Felicidad), escrita por un popular novelista, A. Verbitskaya. El encanto de esta película generó un gran éxito de taquilla a lo largo de toda Rusia.

Para la época de la Primera Guerra Mundial, Protazanov había dirigido alrededor de cuarenta películas cubriendo un amplio rango de temas, desde fervorosos, mórbidos, y hasta decadentes temas tan populares en Rusia en esa época como los espectáculos históricos y películas basadas en la herencia literaria de su país. En Kak khoroshi, kak svezhi byli rosi (Cuan delicadas, cuan frescas las rosas son) de 1913 se inspiró en Turgenev. Utilizó a Shaternikov una vez más en esta película, quien hizo el personaje de Lev Tolstoy.

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Andrzej Wajda, una de las mayores figuras del cine centro europeo y mundial luego de la Segunda Guerra Mundial, ha hecho su reputación como un cronista, de la política de su país y de la evolución social, sensible y sin compromisos. Alguna vez titulado como un símbolo de un país asediado, Wajda es conocido por dibujar la historia polaca para conectar su trágica sensibilidad –creando una composición de trabajo que devasta mientras informa. Sus películas también son famosas por sus planos visuales. Wajda muestra algunas escenas simbólicas, a menudo transforma algunas pinturas en la pantalla o crea nuevas versiones de algunas pinturas de la historia europea y polaca. A menudo trata de crear el correcto humor y atmósfera del periodo del que esta contando, refiriéndose a particulares características visuales. Wajda crea tanto grandes películas épicas como otras psicologías y existenciales. Es el hijo de un oficial de caballería polaco asesinado por los soviéticos en 1940 en la que es conocida como la masacre de Katyn. Luego de la guerra, estudio para ser pintor en la Academia de Finas Artes de Cracovia antes de entrar a la Escuela de Filmes de Łódź.

En la década de 1940, fue miembro del Partido Unido de los Trabajadores de Polonia en Cracovia. Al comienzo de su aprendizaje con el director Alexander Ford, a Wajda fue dada la oportunidad de dirigir su propia película. Con “Generación” (Pokolenie 1955), el director primerizo vierte su desilusión sobre el patriotismo, usando como su alter ego a un joven antihéroe al mejor estilo James Dean, papel protagonizado por Zbigniew Cybulski. Habrían también otras futuras leyendas protagonizando esta película – Tadeusz Łomnicki, Tadeusz Janczar y Roman Polański. La Escuela de Cine Polaca estaba lista para actuar.

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Uno de los cineastas mas influyentes en el Nuevo Cine Alemán y una de las personalidades mas radicales en el cine en sí, el llamativo Werner Herzog rápidamente ganó notoriedad no solo por crear algunas de las narrativas mas fantásticas en la historia del medio, sino por presionar hasta límites sin precedentes a el mismo y a su grupo, una y otra vez, para lograr los efectos que exigía.

Nació como Werner Stipetic en Munich el 5 de septiembre de 1942, Herzog creció en Sachrang, Bavaria, entre la pobreza y la destrucción, porque su padre (con quien él no obstante tenia una relación esplendida) nunca podía mantener un trabajo por mucho tiempo. Cuando sus padres se divorciaron, Werner, el niño de once años, y sus dos hermanos se mudaron con su madre yugoslava a Munich. Aunque era un niño de bajo rendimiento en la escuela, Herzog sin embargo demostró una inteligencia alarmante desde sus jóvenes años, y reconoció su futura vocación a sus diez años, cuando comenzó a escribir un guión detrás de otro para mandarlos a los productores de películas alemanas. También cultivaba una fuerte afinidad por la poesía, ganando varios premios literarios de joven.

Después que Herzog cumpliera los 17 años, un productor alemán escogió uno de sus guiones, pero sin demora destruyó el contrato cuando descubrió la edad del autor. El joven inconformista concluyó de esta experiencia que se volvería completamente necesario, en el futuro, producir su propio trabajo, así que aceptó un trabajo como soldador en una línea de ensamblaje en Munich para poder juntar dinero, trabajando toda la noche desde las 8pm hasta las 6am y durmiendo durante las clases. Alrededor del año 1962, Herzog, que ya contaba con 20 años, se enroló en la Universidad de Munich como estudiante de literatura e historia, y produjo su primera película, Herakles, de 12 minutos, su segunda película, el cortometraje de 1964 Spiel im Sand (Juego en la Arena), y su tercera en 1966, una película pacifista llamada Die Beispiellose Verteidigung der Festung Deutschkreutz (La defensa sin precedentes del Fuerte Deutschkreutz). Durante todo este periodo y a partir de entonces, se burlaba de la idea de ir a una escuela de cine, convencido de que uno no puede aprender a filmar películas en un salón de clases, sino solo por experiencia propia. En el año 1963, estableció su propia productora, Werner Herzog Filmproduktion, diseñada para darle completa autonomía sobre todos sus proyectos.

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Sergei Mikhailovich Eisenstein nació el 23 de enero de 1898 en Rusia. Fue un director y teórico revolucionario del Cine Soviético célebre por sus películas mudas Huelga, El Acorazado Potemkin y Octubre. Su trabajo influenció enormemente a cineastas más jóvenes pendientes de sus innovaciones y escritos sobre el montaje. Eisenstein se caso con la cineasta y escritora Pera Atasheva (1900-1965) desde 1934 hasta su muerte en 1948. Debido a la censura soviética, el uso del cine político por parte de Eisenstein debía ser tan subversivo que la crítica gubernamental pasaría desapercibida.

El padre de Eisenstein, Mikhail Osipovich Eisenstein era un arquitecto de descendencia judía, quien se convirtió al Cristianismo Ortodoxo. Su madre, Julia Ivanovna Konetskaya era de familia Cristiana Ortodoxa, hija de un contratista adinerado. El joven Sergei fue criado en la fe Ortodoxa.

Eisenstein fue pionero en el uso del montaje, un uso especifico de la edición de películas. Creía que la edición podría ser usada para más que solo exponer una escena en un determinado momento, a través de escenas relacionadas y vinculadas. Eisenstein sentía que la “colisión” de tomas podía ser usada para manipular las emociones de la audiencia y crear una metamorfosis en la película. Desarrolló lo que llamó “métodos de montaje”.
1.    Métrico
2.    Rítmico
3.    Tonal
4.    Sobretonal
5.    Montaje intelectual

Sus artículos y libros –particularmente Forma de la Película y El Sentido de la Película- explican dichos métodos en detalle. El y Lev Kuleshov fueron dos de los primeros teóricos del cine. Su impacto en los realizadores en la década de 1920 fue enorme.

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