Esta semana murió en París uno de los artífices de la Nouvelle Vague. En esta entrevista de mayo de 2007, el realizador cuenta cómo fue su tránsito de la literatura al cine.

Por: Samuel Blumenfeld

-Usted publicó “Elisabeth” en 1946. Esa primera novela, que no será seguida por ninguna otra, está agotada desde entonces. ¿Por qué se reedita recién ahora, con el título ligeramente distinto de “La Maison d’Elisabeth”?

-Perdí el último ejemplar que me quedaba y no había vuelto a leerlo desde los años que siguieron a su publicación. Hace unos años, me preguntaron en Gallimard si quería reeditar el libro. Yo dije que no. Prefería que fuera a título póstumo. Pero resulta que un alemán me preguntó si aceptaba que lo tradujeran al alemán. Era una idea bastante divertida. Lo reeditaron ahí y después en Italia. Entonces me dije: ¿Por qué no en Francia? Me parecía que mis películas no tenían nada que ver con esa novela. Sin embargo, cuando la releí, descubrí que había relaciones. Puedo decir modestamente que la novela no es mala. Hay situaciones que se parecen a las de mis películas y que no eran inferiores a mis películas en algunos pasajes. Al menos, es lo que me pareció. Pero no me gustaba el título original, Elisabeth. Busqué durante mucho tiempo. Finalmente, hay un personaje central que está en la casa, de ahí el título La Maison d’Elisabeth. El tema de la novela, no es la visión de una mujer, tampoco es la casa. Es todo lo que sucede en esa casa. Es un título modesto. No quería un título estrepitoso.
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Genio introvertido, tímido al exceso de no querer dar entrevistas personales ni viajar para acompañar a sus películas en los festivales internacionales, para no ser reconocido y poder deambular, tranquilo, por las orillas del Sena en su amada París. Con la muerte de Eric Rohmer, se va uno de los mayores talentos vivos que tenía hoy la Nouvelle Vague, que integró junto a Francois Truffaut, Claude Chabrol, Alain Resnais, Jean Luc Godard y Jacques Rivette.

“Yo no digo cosas en mis películas, yo muestro gente que habla y se mueve comol os paisajes, las caras, los gestos y sus comportamientos…”, decía. Observador del amor, Rohmer desistió de continuar escribiendo sus Cuentos morales -que había concebido como una novela- al advertir que podría contar sus sentimientos en imágenes.

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Nacido en Paris bajo el nombre de René-Lucien Chomette, creció en el barrio de Les Halles. Asistió al Lycée Montaigne y el Lycée Louis-le-Grand. Durante la Primera Guerra Mundial, sirvió como conductor de ambulancias. Luego de la guerra, comenzó una carrera como periodista bajo el seudónimo de René Desprès. También hizo su debut como actor y se volvió asistente de Jacques de Baroncelli y Henri Diamant-Berger comenzando a usar el nombre de René Clair. Actuó en la serie de 1921 L´Orpheline and Parisette de Louis Feuillade.

A lo largo de la década de 1920 Clair pudo realizar algunos de sus trabajos mas originales y admirados del joven cine francés, en 1924 produjo sus primeras películas, Entreacto, un cortometraje de vanguardia, los musicales Sous Les Toits y Le Million, y la sátira clásica A Nous La Liberté, y Paris Dormido (Paris qui dort), el cual fue seguido por una rápida sucesión de notables películas. Durante la Segunda Guerra Mundial viajó a Hollywood y fue despojado de la ciudadanía francesa por el gobierno de Vichy. Read more »

Tanto en la vida diaria como en el arte, existen seres humanos a los que les gusta nadar contra corriente. Y el mundo del cine no es la excepción a esta regla. En estos tiempos de superproducciones, hay una categoría que es poco a poco arrinconada, pero que se resiste a morir.

Es el cine de autor, que el director Jean-Luc Godard definió como “aquel que puede demostrar que hace una buena película”. En este concepto se ubica el director norteamericano David Lynch, un realizador que, parafraseando a Francis Ford Coppola, hace un cine tipo guerrilla. Cine que logra incomodar o gustar, pero que no deja nunca indiferente.

Pero ¿quién es David Lynch? Nació en Montana el 20 de enero de 1946, hijo de una familia clase media norteamericana. En su juventud realizó estudios de arte en la Pennsylvania Academy of Fine Arts.

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 "Hola, soy Terry Gilliam y tengo una confesión que hacer. A muchos de ustedes no les va a gustar esta película. Muchos de ustedes la van a amar y por otro lado, habrá muchos de ustedes que no sabrán qué pensar cuando termine… pero con suerte, estarán pensando. Esta película supone ser los ojos de un niño. Si es chocante es porque es inocente. Les sugiero que traten de olvidar todo lo que han aprendido como adultos, aquellas cosas que limitan su mirada del mundo, sus prejuicios, sus preconceptos, traten de redescubrir lo que era ser un niño. La sensación de asombro e inocencia… y no olviden reír. Recuerden: los niños son fuertes, resistentes, están diseñados para sobrevivir; cuando se los deja caer rebotan. Yo tenía 64 años cuando rodé esta película y creo que finalmente descubrí el niño en mí. Resultó una niña pequeña. Gracias, gracias, gracias…"

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La última película de Werner Herzog, The Encounters at the End of the World, acaba de ser preseleccionada junto a otros 14 filmes en el camino hacia una nominación a los Oscar como mejor documental.

Herzog, uno de los fundadores del llamado nuevo cine alemán y recordado por películas como "Aguirre, la ira de Dios" y "Fitzcarraldo", es homenajeado en Francia.

El Centro Pompidou de París exhibirá hasta el 2 de marzo 55 películas del director, de las cuales 20 se verán en Francia por primera vez. En el programa se encuentra también The Encounters at the End of the World, que narra la vida de los investigadores en la Antártida. En diálogo con la agencia de noticias Dpa, Herzog habló de este, su último trabajo.

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Escultor y cineasta, el lituano Deimantas Narkevicius (Utena, 1964) parece atrapado en un bucle temporal. O, al menos, sus películas. La memoria y el pasado pos-soviético de su país asoman de forma ambigua, entre el documento y la ficción, en la primera retrospectiva que se hace de su obra en el Museo Reina Sofía, de Madrid.

PREGUNTA. Películas en museos. ¿Por qué son los museos sitios más adecuados para ver películas como las suyas?

RESPUESTA. Los museos no son sitios mejores ni peores que los cines para ver películas. Son lugares diferentes. Todo lo que se expone en un museo tiene más relación con la historia de las artes visuales que con la historia del cine, que sólo tiene poco más de cien años de antigüedad. Debido a la comercialización del cine convencional, las artes visuales han seguido siendo más innovadoras y experimentales que el cine. No es casualidad que, allá por los años setenta, Jean-Luc Godard empezase a mostrar sus obras videográficas en una galería. Las artes visuales siguen siendo menos una industria que el cine. Incluso cuando la gente va al cine no suele relacionar una película con una forma de arte. Lo que busca es diversión. Cuando la gente entra en un museo sigue buscando algo que sea arte. Me gusta bastante esta antigua división entre ambas instituciones y espero que dure.

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Artista y escritor francés, quien hizo su nombre extensamente conocido en poesía, ficción, cine, ballet, pintura y ópera. El trabajo de Jean Cocteau refleja la influencia del surrealismo, el psicoanálisis, el cubismo, la religión católica. En su tiempo Cocteau fue un promotor de la moda y el estilo avant garde. Entre sus amigos se incluían figuras prominentes como Pablo Picasso, el compositor Erik Satie, el escritor Marcel Proust, y el director ruso Sergei Diaghilev.

“La peor tragedia para un poeta es ser admirado mediante la incomprensión” (de Le Rappel à l'Ordre, 1926)

Jean Cocteau nació en Maisons-Lafitte en el seno de una familia parisina rica, la que también era políticamente prominente. Su padre era un abogado y pintor amateur, quien se suicidó cuando Cocteau tenía nueve años. Sin embargo, el tuvo una duradera influencia en su hijo. Se dice que este trágico evento creo una conciencia sobre la debilidad humana, la cual compensaba viéndose a el mismo al servicio de las artes y de las misteriosas fuerzas en el universo. La poesía fue para Cocteau la base de toda su arte, una “religión sin esperanza”.

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A diferencia de Nosferatu, su mas horrorífica creación, F. W. Murnau fue condenado a una joven tumba. Pero sus trabajos viven aun, triunfantes sinfonías de estilo.

Nada es más atractivo, por supuesto, que un aliento de escándalo –especialmente un escándalo hollywoodense- y los rumores sobre las exactas circunstancias del accidente fatal el 22 de Marzo de 1931, en la ruta de Los Angeles a Carmel, no dudo en pintar la mas morbosa imagen sobre lo sucedido. De hecho, todo lo que parece haber sucedido es que F. W. Murnau viajaba en un Packard con chofer, el que eventualmente cedió su lugar a las suplicas de su joven valet filipino al que se le permitió tomar el volante. Manejando demasiado rápido da un viraje brusco para evitar un camión y el automóvil se sale del camino. La mayoría de sus ocupantes no salieron lastimados, pero Murnau sufrió una fractura de cráneo y falleció en el hospital poco después. Esta parece ser la insulsa verdad, pero lo suficientemente extraña como para que se tejan una red de fantasías alrededor del evento que le aseguró a Murnau ser conocido por mucha gente, la que nunca ha visto siquiera uno de sus películas.

Deberían por supuesto conocer más. Murnau esta lejos de ser un don nadie en su natal Alemania, y por lejos podría ser juzgado como el mas distinguido y talentoso de todos los directores traídos a Hollywood en la década de 1920 con la máxima publicidad y un tratamiento de carpeta roja. Y la primera película de Murnau en Hollywood, Sunrise (1927) fue, en los últimos veinte años, restituida en la lista de las “diez mejores” por críticos e historiadores de cine de todo el mundo.

Sunrise es un asombroso logro –prueba viviente de que los grandes realizadores europeos no vendían su alma automáticamente al ir a Hollywood, o producir películas menos sorprendentes de las que hacían en Alemania en la era del cine mudo. Junto con Fritz Lang y G. W. Pabst, estuvo a la vanguardia de un increíble y creativo cine alemán a comienzos de la década de 1920.

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Es una de las afirmaciones que se desprende de Las damas de Hitchcock, obra que repasa la compleja relación del cineasta con sus actrices.

Donald Spoto cuestiona así al maestro del terror en su flamante libro Las damas de Hitchcock, un repaso a la obra del director a través de sus actrices, entre ellas Grace Kelly o Tippi Hedren, a las que profesó una mezcla de amor compulsivo y desprecio.

Spoto, autor también de El arte de Alfred Hitchcock y Alfred Hitchcock: la cara oculta del genio, llama la atención en este nuevo libro sobre la escasa frecuencia con la que el realizador habló de sus actores -y aún menos favorablemente- a lo largo de su prolífica carrera en la que realizó 53 filmes. “Los actores son ganado”, repitió en más de una ocasión Hitchcock, pudiendo oírse también la mordaz variación: “nunca dije que los actores fueran ganado. Lo que dije es que a los actores hay que tratarlos como a ganado“.

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