La irrupción del cine soviético en España llegó a través de una cinta inesperada: ‘El Quijote‘ del director ucraniano Grigori Kózintsev. Los cines Palafox de Madrid acogieron en junio de 1966 el primer estreno autorizado de una producción de origen soviético tras la Guerra Civil. En las postrimerías del franquismo se abrió la brecha a proyecciones no comerciales. Esta producción mostraría, a través de la figura del famoso hidalgo, una radiografía de los últimos años de Stalin en la Unión Soviética.

“Las relaciones entre España y la URSS tuvieron unas fronteras ideológicas muy rígidas durante toda la dictadura franquista. Y El Quijote de Kózintsev sirvió como puente cultural para abrir las puertas al cine ruso”, señala Jorge Latorre, uno de los autores del estudio Recepción del cine soviético en España.

Corría el año 1966. El cine de autor crecía de manera efervescente tras la aprobación de la Ley de Prensa. En la última etapa de la dictadura, la autorización para las exhibiciones cinematográficas fue mucho más amplia. El ministro Manuel Fraga permitió a partir de diciembre de 1965 la importación de películas procedentes del bloque soviético.

Sus espectadores eran personas interesadas en el cine de arte y ensayo procedentes de la Escuela de Cinematografía de Madrid. Intelectuales universitarios contrarios al régimen político que se reunían en torno a cineclubes, donde abundaban los títulos extranjeros que eludían a la censura. El cine soviético podía llegar a estos pequeños círculos y este fue el contexto de la llegada de El Quijote de Kózintsev.
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Serguei Mikhailovitch Eisenstein
Título Original: Броненосец «Потёмкин»
País: Unión Soviética
Año: 1925
Género: Drama, Histórico
Guión: Nina Agadzhanova, Nikolai Aseyev, Sergei M. Eisenstein, Sergei Tretyakov
Director: Sergei Eisenstein
Fotografía: Eduard Tisse
Música: Edmund Meisel
Montaje: Sergei Eisenstein, Grigori Aleksandrov
Dirección Artística: Vasili Rakhals
Duración: 75 minutos
Intérpretes: Aleksandr Antonov (Grigory Vakulinchuk, marinero bolchevique), Vladimir Barsky (Comandante Golikov), Grigori Aleksandrov (Oficial en jefe Giliarovsky), Ivan Bobrov (I. Bobrov), Mikhail Gomorov (marino militante), Aleksandr Levshin (suboficial), N. Poltavseva (mujer con quevedos), Konstantin Feldman (Estudiante agitador), Prokopenko (Madre llevando su joven niño), A. Glauberman (niño herido), Beatrice Vitoldi (mujer con carro de bebe), Brodsky (Estudiante), Julia Eisenstein (mujer con comida para los marinos), Sergei M. Eisenstein (ciudadano de Odessa), Andrei Fajt (Recluta ( A. Fait), Korobei (Veterano sin pierna), Marusov (Oficial), Protopopov (Hombre viejo), Repnikova (mujer en las escaleras), Vladimir Uralsky, Zerenin (Estudiante).

Directores independientes, restringidos a exhibiciones limitadas en un mundo de conglomeración mediática, pueden animarse por el hecho de que Acorazado Potemkin, una de las mas renombradas películas en la historia del cine y que contiene talvez la secuencia mas conocido en toda la historia del medio, fue inicialmente vista solo por pequeñas audiencias de aficionados de la sociedad cinematográfica y miembros del gobierno soviético. En este sentido, representa uno de los más importantes ejemplos de mercadotecnia que el mundo ha visto.

Las historias de su circulación son casi tan míticas como su contenido: fue prohibida como subversiva en Inglaterra y su circulación fue altamente restringida en los Estados Unidos, incluso antes de la implementación del Código Hays (una guía con pautas a seguir para poder realizar una película o aprobarla para ser vista por las audiencias de dicho país). En los Estados Unidos, fue vista por pequeños grupos de cineastas y críticos.

David O. Selznick vio la película y escribió con gran entusiasmo a su jefe en la MGM que debería conseguirse una copia porque podría ser “muy ventajoso que la administración la viera de la misma manera que un grupo de artistas podrían estudiar una pintura de Rubén o Rafael”. Era, pensó, “incuestionablemente una de las mas grandes películas jamás hecha” y la firma “debería considerar conseguir al hombre responsable de ella”.

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Andrei Arsenyevich Tarkovsky fue un director escritor y director de opera ruso. Aunque Tarkovsky dirigió solo siete largometrajes durante sus veinte años de carrera activa, es ampliamente considerado como uno de los cineastas mas importantes e influyentes del siglo XX. Fue aclamado por los críticos por dirigir películas como Andrei Rublev, Solaris o Stalker.

Tarkovsky también trabajó extensamente como guionista, editor y teórico de cine y director teatral. Dirigió la mayoría de sus películas en la Unión Soviética, con la excepción de sus últimos dos largometrajes que fueron producidos en Italia y Suecia. Sus películas se caracterizan por los temas metafísicos y espirituales cristianos, extremadamente largas tomas, falta de una estructura dramática convencional y trama, e imágenes memorables de excepcional belleza.

Tarkovsky nació en la villa de Zavrazhye en la provincia de Kostroma como el hijo del poeta y traductor Arseny Alexandrovich Tarkovsky y Maria Ivanova Vishnyakova, una graduada del Instituto de Literatura Maximo Gorki. En 1934, su hermana Marina nació. Paso su niñez en Yuryevets en la provincia Ivanovo. En 1937, su padre abandonó a la familia, para unirse posteriormente como voluntario del ejército en 1941. Tarkovsky se quedó con su madre, mudándose con ella y su hermana a Moscú, donde la madre trabajó como correctora en una imprenta. Durante la guerra, Tarkovsky, su madre y su hermana Marina fueron evacuados a Yuryevets, viviendo con su abuela materna.  En 1943, la familia regresó a Moscú. Tarkovsky continuó sus estudios, siendo el poeta Andrev Vosnesensky uno de sus compañeros de clase. También aprendió a tocar el piano en la escuela de música y asistió a clases en una escuela de arte. Desde noviembre de 1947 hasta la primavera de 1948, estuvo internado en un hospital con tuberculosis. Muchos temas de su niñez –la evacuación, su madre con sus hijos, el abandono del padre, el tiempo en el hospital- caracterizaron claramente su obra El Espejo.

Justo después de su graduación de la escuela secundaria, de 1952 a 1953, Tarkovsky estudió árabe en el Instituto Oriental de Moscú, una rama de la Academia de Ciencias de la Unión Soviética. No terminó sus estudios y abandonó su trabajo para la Academia del Instituto de Ciencias para Metales No Ferrosos y Oro, como buscador. Participó en una expedición de investigación de casi un año en el río Kureikye cerca de Turukhansk en la provincia de Krasnoyarsk. Durante este tiempo en el Taiga Tarkovsky decidió estudiar cine.

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Sergei Eisenstein
Título Original: Октябрь (Десять дней, которые потрясли мир)
País: Unión Soviética
Año: 1928
Género: Drama, Histórico
Guión: Grigori Aleksandrov, Sergei Eisenstein, basado en el libro de John Silas Reed, Diez días que sacudieron al mundo.
Director:  Sergei Eisenstein y Grigori Aleksandrov
Fotografía: Vladimir Nilsen, Vladimir Popov, Eduard Tisse
Música: Dmitri Shostokovich
Montaje: Sergei Eisenstein
Dirección Artística: Vasili Kovrigin
Duración:104 minutos.
Intérpretes: Vladimir Popov (Aleksandr Kerensky),  Vasili Nikandrov (V.I. Lenin), Layaschenko (Konovalov), Chibisov (Skobolev), Boris Livanov (Terestsenko), Mikholyev (Kishkin), N. Podvoisky (Bolchevique), Smelsky (Verderevsky), Eduard Tisse (Soldado alemán).

Sergei Eisenstein, en la primera década de la Unión Soviética y en su primera década en el cine, estaba profundamente comprometido con el marxismo. Este hecho, tan obvio en las películas de Eisenstein de la década de 1920 es negado o tergiversado por la mayoría de los críticos de su trabajo.
La mayoría de los escritores, incluyendo muchas de las luminarias de la crítica cinematográfica, evalúan a Eisenstein mayormente por sus logros técnicos y fallas, y por su lugar en la historia del cine. El hacer películas sobre revoluciones políticas parece ser a sus ojos inconsecuente comparado con sus innovaciones en la dirección y edición de películas.

Esta esteta posición ganó impulso en el Oeste durante la Guerra Fría cuando la manera más segura de discutir sobre cine, o cualquier arte, era en términos formalistas. Y cuando el cine llegaba a la academia, los profesores e historiadores, codificaban su lenguaje y disciplina para sentirse más cómodos discutiendo al director fuera del contexto político y en términos de una historia cinematográfica adulterada.

El estudio de la historia actual es difícil y cuanto mas distante y lejano es el periodo más grandes son los problemas. También, un acercamiento idealista a la película (película como un objeto de arte) es generalmente más fácil que un acercamiento materialista. Esta critica esteta de Eisenstein continua. Pero negar el contenido político de un artista es un acto altamente político y conservador. Si las películas de Eisenstein son objetos de arte, entonces podemos ignorar sus mensajes políticos.

Parte del problema con los críticos y espectadores del Oeste es que el tema de Octubre, la Revolución Rusa de 1917, es desconocido. Además, la distribución de la película que ven esta cortada y dista de la intención original del director. En la distribución en el extranjero, especialmente en los Estados Unidos, la película fue cortada y hasta censurada de varias maneras. La versión occidental esta distorsionada y al menos 1200 metros más corta que la original impresa en Moscú. Hasta el titulo, Diez días que sacudieron al mundo, es incorrecto: Eisenstein siempre llamó a su trabajo Octubre. El distribuidor alemán renombró la película como Diez días que sacudieron al mundo por el libro de John Reed, que fue una de las muchas fuentes de Eisenstein.

Para discutir sobre la película, es importante contar con la mejor impresión disponible en el Oeste. Esta es la versión francesa S.N.A., la mas cercana a la impresión de Moscú.

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Andrei Tarkovsky
Título Original: Зеркало, Zerkalo
País: Unión Soviética
Año: 1975
Género: Drama
Guión: Aleksandr Misharin, Andrei Tarkovsky
Director: Andrei Tarkovsky
Fotografía: Georgi Rerberg
Música: Eduard Artemyev
Edición: Lyudmila Feiginova
Narración: Innokenty Smoktunovsky, Arseny Tarkovsky
Producción: Eric Waisberg
Duración: 106 minutos
Intérpretes: Margarita Terekhova (Madre / Natalya), Ignat Daniltsev (Ignat / joven Aleksei), Larisa Tarkovskaya (Nadezha), Alla Demidova (Lisa), Anatoli Solonitsyn (Forense), Tamara Ogorodnikova (Niñera / Vecina / Extraña mujer en la mesa de te), Yuri Nazarov (entrenador militar), Oleg Yankovsky (Padre), Filipp Yankovsky (Aleksei a la edad de 5 años), Yuri Sventisov (Yuri Zhary), Tamara Reshetnikova, Innokenti Smoktunovsky (Aleksei (voz), Arseni Tarkovsky (Padre (voz), L. Correcer, E. Del Bosque, Tatiana Del Bosque, Teresa Del Bosque, Diego García, Nikolai Grinko (Director de imprenta), Alejandro Gutiérrez, Teresa Rames, Olga Kizilova (Pelirroja).

El Espejo es una película soviética de 1975 dirigida por Andrei Tarkovsky. Es indirectamente autobiográfica, mezclando memorias de la niñez, material fílmico de noticiarios y poemas de su padre Arseny Tarkovsky. La película presenta a Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, la esposa de Tarkovsky Larisa Tarkovskaya, Alla Demidova y Anatoli Solonitsyn y la música de Eduard Artemyev.

El Espejo no tiene una trama aparente. En cambio combina rítmicamente escenas contemporáneas con memorias de la niñez y material fílmico de noticiarios. El flujo de las imágenes oníricas ha sido comparado con la corriente de conciencia en la literatura. Su compleja y no menos simple estructura hace de El Espejo una de las películas mas difíciles de Tarkovsky, así como la mas personal. Hoy en día El Espejo es extensamente respetada como una obra maestra y uno de los mejores trabajos de Tarkovsky.

Con los años Tarkovsky escribió varias variantes del guión, al tiempo que trabajaba junto con Aleksandr Misharin. El guión inicialmente no fue aprobado por el comité de cine de Goskino, y solo luego de varios años de espera se le permitió realizar El Espejo a Tarkovsky. En diferentes épocas el guión fue conocido bajo diferentes nombres, siendo los mas notables Confesión y Blanco, un día blanco. La película completa fue inicialmente rechazada por Goskino, y luego de algunos retrasos solo se le permitió un lanzamiento limitado en la Unión Soviética.

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Como un pionero del cine zarista, como un director que filmó en Moscú, Yalta, Paris, y Berlín, y como alguien que trabajo bajo diferentes sistemas sociales y logró sobrevivir, Yakov Protazanov tiene un lugar único en la historia del cine ruso.

Originalmente tenia previsto seguir una carrera comercial, pero cayó bajo el hechizo de las películas y comenzó si aprendizaje con Gloria Films, que luego se convertiría en Thiemann & Reinhardt, en Moscú. El cine en Rusia había sido socialmente aceptado desde el principio y gozaba del patrocinio de los círculos imperiales. Desde escribir guiones hasta actuar, Protazanov comenzó a dirigir. En 1911 hace Pesnya Katorzhanina (La canción del Prisionero) con Vladimir Shaternikov, un actor que había usado en varias oportunidades. Al año siguiente Andreyev escribió una adaptación de su obra Anfisa para Protazanov. El mismo año hace Ukhod velikovo startza (La partida del hombre viejo), de ese modo enemistándose con la Condesa Tolstoy, quien objetó la forma en que describieron a sui marido, papel actuado por Shaternikov. La película fue posteriormente prohibida. Una mas feliz empresa fue Klyuchishchastya (Llaves de Felicidad), escrita por un popular novelista, A. Verbitskaya. El encanto de esta película generó un gran éxito de taquilla a lo largo de toda Rusia.

Para la época de la Primera Guerra Mundial, Protazanov había dirigido alrededor de cuarenta películas cubriendo un amplio rango de temas, desde fervorosos, mórbidos, y hasta decadentes temas tan populares en Rusia en esa época como los espectáculos históricos y películas basadas en la herencia literaria de su país. En Kak khoroshi, kak svezhi byli rosi (Cuan delicadas, cuan frescas las rosas son) de 1913 se inspiró en Turgenev. Utilizó a Shaternikov una vez más en esta película, quien hizo el personaje de Lev Tolstoy.

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Sergei M. EisensteinTítulo Original: Stachka
País: Unión Soviética
Año: 1925
Género: Drama
Guión: Grigori Aleksandrov, Ilya Kravchunosvky, Sergei M. Eisenstein, Valeryan Pletnyov.
Director: Sergei M. Eisenstein
Fotografía: Edouard Tisse con V. Popov y V. Khvatov
Producción: Boris Mikhin
Duración: 82 minutos
Intérpretes: Grigori Aleksandrov (Capataz), Aleksandr Antonov (Miembro del Comité de Huelga), Yudif Glizer (Reina de los ladrones), Mikhail Gomorov (Trabajador), I. Ivanov (Jefe de Policía), Ivan Klyukvin (Revolucionario), Anatoli Kuznetsov, M. Mamin, Maksim Shtraukh (Espía de la Policía), Vladimir Uralsky  (como V. Uralsky), Vera Yanukova, Boris Yurtsev (Rey de los ladrones).

Huelga (1925) lanzó la carrera cinematográfica de Sergei Eisenstein y cambió el rostro del cine para siempre. Probablemente ninguna otra película jamás haya introducido tantas ideas y técnicas originales. Eisenstein fue ciertamente un genio innovador, pero hasta los grandes innovadores se forman del tejido de sus predecesores y sus propias experiencias personales. La mayoría de las características del estilo cinematográfico de Eisenstein pueden ser vistas tanto como reflexiones de su propia de sus jóvenes años o como extensiones de lo que los jóvenes cineastas habían comenzado.

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Sergei Mikhailovich Eisenstein nació el 23 de enero de 1898 en Rusia. Fue un director y teórico revolucionario del Cine Soviético célebre por sus películas mudas Huelga, El Acorazado Potemkin y Octubre. Su trabajo influenció enormemente a cineastas más jóvenes pendientes de sus innovaciones y escritos sobre el montaje. Eisenstein se caso con la cineasta y escritora Pera Atasheva (1900-1965) desde 1934 hasta su muerte en 1948. Debido a la censura soviética, el uso del cine político por parte de Eisenstein debía ser tan subversivo que la crítica gubernamental pasaría desapercibida.

El padre de Eisenstein, Mikhail Osipovich Eisenstein era un arquitecto de descendencia judía, quien se convirtió al Cristianismo Ortodoxo. Su madre, Julia Ivanovna Konetskaya era de familia Cristiana Ortodoxa, hija de un contratista adinerado. El joven Sergei fue criado en la fe Ortodoxa.

Eisenstein fue pionero en el uso del montaje, un uso especifico de la edición de películas. Creía que la edición podría ser usada para más que solo exponer una escena en un determinado momento, a través de escenas relacionadas y vinculadas. Eisenstein sentía que la “colisión” de tomas podía ser usada para manipular las emociones de la audiencia y crear una metamorfosis en la película. Desarrolló lo que llamó “métodos de montaje”.
1.    Métrico
2.    Rítmico
3.    Tonal
4.    Sobretonal
5.    Montaje intelectual

Sus artículos y libros –particularmente Forma de la Película y El Sentido de la Película- explican dichos métodos en detalle. El y Lev Kuleshov fueron dos de los primeros teóricos del cine. Su impacto en los realizadores en la década de 1920 fue enorme.

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Vsevolod Illarionovich Pudovkin nació en Penza, Rusia, el 16 de febrero de 1893. Fue un director de cine soviético que desarrolló teorías de montaje muy influyentes. Las obras maestras de Pudovkin son a menudo contrastadas con aquellas de su contemporáneo Sergei Eisenstein, pero mientras que Eisenstein usaba el montaje para glorificar el poder de las masas, Pudovkin prefería concentrarse en el coraje y la resistencia de los individuos.

Como estudiante de ingeniería en la Universidad de Moscú, Pudovkin fue llamado a servicio activo durante la Primera Guerra Mundial, siendo capturado por los alemanes. Después de la guerra, abandonó su actividad profesional y se unió al mundo del cine, primero como escritor, actor y director de arte, y luego como asistente del director Lev Vladimirovich Kuleshov.

Después de probar varias veces en cine propagandístico, debuta como director con el documental “Fiebre del ajedrez” (1925), dirigió en 1926 la que seria considerada como una de las obras maestras del cine mudo: Madre, donde desarrolló varias teorías de montaje que lo harían famoso.

Su primera presentación fue seguida por El Final de San Petersburgo (1927), y Tempestad sobre Asia (también conocida como El heredero de Genghis Khan), títulos que compusieron una trilogía al servicio de la política revolucionaria bolchevique.

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Otar Iosselani
Título Original: Iko shashvi mgalobeli
País: Unión Soviética
Año: 1971 (lanzada comercialmente en 1975, tras una prohibición de 4 años)
Guión: Dimitri Eristavi, Otar Iosselani
Director: Otar Iosselani
Fotografía: Abesalom Maïsouradze (BN)
Música: Taímuraz Bakouradze
Producción: Grouzia Films
Duración: 82 minutos
Intérpretes: Gela Kandelaki (Gia Agladze), Gogi Chkheidze, Jansug Kakhidze, Irine Jandieri, Elene Landia, I. Mdivani, Marina Kartsivadze, Nugzar Erkomaishvili, Irakli Qoqrashvili (I. Qoqrashvili), N. Andjaparidze, Dea Ivanidze, Tamari Ishkhneli, T. Gedevanishvili, R. Baramidze, Robert Sturua, los habitantes de Tbilissi.

Esta película no cuenta nada, aunque dice mucho sobre la vida cotidiana de una gran ciudad de la Unión Soviética, Tbilissi. Muestra sus exiguos apartamentos comunitarios, sus edificios oficiales demasiado grandes, sus cafés atiborrados, sus negocios pintorescos. Este film de encanto difuso, que describe puntillosamente un pueblo generoso, es completamente atípico: evoca la obra de un Pagnol poco locuaz o de un Fellini modesto; reenvía al Milos Forman que desconoce la amargura en Los amores de una rubia (1965); es una versión menos graciosa, pero más espontánea, de Jacques Tati. La película es tan atípica como su autor, Otra Iosseliani (nacido en 1934), que vacilo entre la dirección orquestal, las matemáticas y la mecánica antes de entregarse al cine. Leámoslo: “… cuando termino una película, sigo viviendo, me ocupo de mi familia, de mis asuntos, bebo, canto. Y cuando advierto que ya no queda comida en casa, entonces vuelvo al cine”.

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