Cine experimental en tiempos de crisis

Una productora navarra rueda ‘Blue Lips’, una película que suple su presupuesto limitado con ambición, imaginación y trabajo colectivo.

La historia de Blue lips demuestra que hacer cine con mayúsculas es posible a pesar de los pésimos aires que soplan para la cultura. Está rodada por seis directores que narran seis historias con seis personajes que transcurren en seis países distintos y conforman una misma película. El proyecto nació cuando la navarra Maitena Muruzábal, responsable de la productora Cronopia Films junto a la argentina Candela Figueira (autores de Nevando voy, 2008), decidió poner en marcha este trabajo después de que en 2011 encallase un proyecto titulado Luna Lunera. “Me acordé de que habían pasado 10 años desde que en 2001 estudié cine en Los Ángeles y pensé que podríamos juntarnos los compañeros que habíamos coincidido allí y colaborar en un trabajo conjunto”.

Así comenzó a gestarse un proyecto que “no ha estado totalmente controlado en ningún momento. Ha cambiado mucho con el tiempo porque ha estado abierto a nuevas aportaciones y, al final, la frescura ha hecho que todo fluyera muy bien”. El título de la película responde, como recuerda Muruzábal, a que “cuando estábamos en Los Ángeles, solíamos tomar unos vinos y se nos quedaban los labios azules. Nos llamábamos los blue lips –traducido literalmente, labios azules­–. Hace referencia también a la muerte porque los personajes se mueren por dentro; todos viven algo que les hace estar estancados”.
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Maestros de cine experimental canadiense y argentino se conocen tras 40 años

En los años setenta, la cineasta experimental argentina Narcisa Hirsch creó una de sus obras más importantes inspirada sólo en la descripción del film del director canadiense Michael Snow y ahora, 40 años después, los dos han tenido la oportunidad de conocerse y ver el film del otro por primera vez.

A mediados de los años setenta, mientras vivía en Nueva York, la directora argentina de cine experimental Narcisa Hirsch acudió a una proyección en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, (Moma) del film “Wavelength” (1967), del artista canadiense Michael Snow.

Hirsch quedó impresionada con el film de Snow, considerado como uno de los más importantes cineastas experimentales del mundo.

Wavelenght‘ lo viví como una cosa muy fuerte. Comenté a unos amigos sobre Michale Snow y me dijeron que había hecho otras películas, entre ellas una con unos estantes, en su taller, mientras va narrando lo que se ve en los estantes” dijo Hirsch durante una entrevista con Efe.

Cuando volví a casa en Nueva York me dije que iba a darle otra vuelta, hacer una película para narrar lo que no se ve que me pareció más interesante. Y así surgió ‘Taller’. Y tengo dos versiones hechas, una en español y otra en inglés” añadió la artista argentina.
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Libro sobre Narcisa Hirsch, gran cineasta experimental

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El pasado sábado 18 de mayo se presentó en la Fundación Proa el lanzamiento del libro/DVD “El cine experimental de Narcisa Hirsch”, editado por mQ2 Sello Editorial. Fue una gran ocasión para homenajear a la gran madre del cine experimental en la Argentina.

Han habido ocasionales homenajes a la gran Narcisa, una mujer de una elegancia y una inteligencia sin par, como el que le propició el festival Marfici, en Mar del Plata. Esta vez, la excusa fue lanzar un libro sobre su obra, en la Fundación Proa. La presentación incluyó una proyección bicanal, en video y 16 mm, de la película “Rumi” (1999, 28 min), además de una pequeña selección de sus trabajos. El ensayista Emilio Bernini y el filósofo Florencio Noceti estuvieron a cargo de presentar a la artista y su obra, paso previo a que apareciera la propia Narcisa Hirsch, quien cortésmente respondió a las preguntas del auditorio.
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Jóvenes exponentes del cine experimental hondureño

Un clic y la cinta comienza. Danny Lagos (22) contempla cada fragmento, los personajes, los movimientos, la luz y hasta las expresiones en las grabaciones.  Junto a él, Edmundo Flores (20), su compañero de producción, se inmiscuye en una febril etapa de edición para hacer encajar cada escena a fin de darle forma a las singulares ideas que proyectan sus mentes.

Tal vez su humilde obra no gane una estatuilla en la afamada gala de los Oscar o no se proyecte en el célebre Festival de Cannes. Sin embargo, la prematura edad, la formación autodidacta, la determinación y el espíritu soñador de este par de jóvenes estudiantes de periodismo los convierten en auténticos exponentes del cine experimental.

Se abren paso

Entre ideas de papel y saltos arriesgados han logrado concebir tres cortometrajes, donde se puede apreciar su crecimiento como artistas emergentes. Las creativas ideas de Lagos y las habilidades en posproducción de Flores se plasman elegantemente en la pantalla. Recientemente, este dúo de jóvenes soñadores presentó el cortometraje “La oscuridad del limbo” en la Universidad Nacional Autónoma de Honduras (UNAH). Read more »

René Clair (1898 – 1981)

rene clair René Clair (1898   1981)

Nacido en Paris bajo el nombre de René-Lucien Chomette, creció en el barrio de Les Halles. Asistió al Lycée Montaigne y el Lycée Louis-le-Grand. Durante la Primera Guerra Mundial, sirvió como conductor de ambulancias. Luego de la guerra, comenzó una carrera como periodista bajo el seudónimo de René Desprès. También hizo su debut como actor y se volvió asistente de Jacques de Baroncelli y Henri Diamant-Berger comenzando a usar el nombre de René Clair. Actuó en la serie de 1921 L´Orpheline and Parisette de Louis Feuillade.

A lo largo de la década de 1920 Clair pudo realizar algunos de sus trabajos mas originales y admirados del joven cine francés, en 1924 produjo sus primeras películas, Entreacto, un cortometraje de vanguardia, los musicales Sous Les Toits y Le Million, y la sátira clásica A Nous La Liberté, y Paris Dormido (Paris qui dort), el cual fue seguido por una rápida sucesión de notables películas. Durante la Segunda Guerra Mundial viajó a Hollywood y fue despojado de la ciudadanía francesa por el gobierno de Vichy. Read more »

Cinema Pur

Cinéma Pur (Cine Puro) fue un movimiento cinematográfico de vanguardia nacido en Paris en las décadas de 1920 y 1930. El termino fue acuñado por primera vez por Henri Chomette para definir un cine que se enfocaba puramente en elementos del cine como la forma, el movimiento, la composición visual, y el ritmo, algo que logró en sus cortometrajes Reflets de Lumiere et de vitesse (1925) y Cinq minutes de cinema pur (1926). El movimiento incluyo a muchos artistas dadaístas, como Man Ray (Emak Bakia, Retorno a la razón), René Clair (Entreacto), Fernand Leger (Ballet Mécanique), Marc Allegret, Jean Gremillon, Dudley Murphy, y Marcel Duchamp (Anémic Cinéma).

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Symphonie diagonale

symphonie diagonale Symphonie diagonale

Viking Eggeling
Título Original:
Symphonie diagonale
País: Alemania
Año: 1924
Director: VIking Eggeling
Duración: 7 minutos

Con esta película, Eggeling encontró una nueva manera de expresión artística que fue seguida luego por Hans Richter, Oskar Fishinger, Walter Ruttmann y Norman McLaren.

Eggeling trataba de explorar nuevos caminos, nuevas formas, y realmente lo logró. Este nuevo medio de comunicación, el cine, trajo algo que los pintores como Eggeling nunca podrían haber alcanzado con sus pinturas: el tiempo. Incluir una nueva dimensión en su trabajo artístico fue algo muy desafiante para ellos. Eran como pinturas móviles. Y esto es exactamente lo que Eggeling construyó con Symphonie Diagonale.

Eggeling usa solo imágenes (algunas animaciones geométricas) para crear música. Si, se que suena raro pero lo hizo. Solo trate de imaginar como, sin ningún sonido, solo con mostrarnos imágenes en movimiento, Eggeling nos hace sentir el ritmo, patrones musicales y figuras. Aunque el espectador no sea un experto musical, podría descubrir, al menos, los ritmos básicos de la música.

La obra maestra de Eggeling es un viaje hacia la música, una ilusión mágica y una imagen sensible de la música a través de diferentes lenguajes. Algo que nadie debería perder de ver.

“Como yo, el ha arribado a sus teorías de la mano de la música, y siempre lo ha explicado en términos musicales”.
Hans Richter. (Dada: Arte y Anti-Arte, McGraw Hill 1965)

Romance Sentimentale

romance sentimentale Romance Sentimentale

Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Título Original:
Romance Sentimentale
País: Francia
Año: 1930
Guión: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Directores: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Duración: 20 minutos

Algunos relatos alegan que Sergei Eisenstein solo puso su nombre en este corto sonoro simplemente porque necesitaba el dinero. Es, sin embargo, mas cercano a la verdad decir que esta fue una colaboración, aunque el exacto punto de la colaboración entre el y Grigori Aleksandrov se mantiene indeterminado. Le película en si es un cortometraje, experimental, un montaje ligeramente poético de la ciudad y de imágenes abstractas. La contribución de Eisenstein parece haber sido la banda sonora con la cual demuestra su teoría de “el contra puntual uso del sonido” o el intento de encontrar un denominador común entre el sonido y la imagen. El sonido de Romance Sentimentale es dibujado directamente en la pista óptica de la película y es el primer ejemplo del uso de esta técnica. No se intentó hacer como una presentación de una película materialista, sino más bien como un experimento hacia un lenguaje cinematográfico integrado. A pesar de que las imágenes de la película son superficiales, conserva una importancia historia como una predecesora película experimental y la primera película sonora hecha por soviéticos, aunque no hecha en la Unión Soviética.

Anémic Cinéma

anemic cinema Anémic Cinéma


Marcel Duchamp
Título Original:
Anemic Cinema
País: Francia
Año: 1926
Guión: Marcel Duchamp
Director: Marcel Duchamp
Duración: 7 minutos

Esta característica película dadaísta de Marcel Duchamp consiste en una serie de juegos de palabras con frases sin sentido escritas alrededor de patrones de espirales que rotan, creando un efecto casi hipnótico. Silencio.

Anemic Cinema (varias versiones fueron hechas en 1920, 1923, y finalmente, en 1926).

Esencialmente es una película de Duchamp con ayuda de Man Ray. Calvin Tomkims: “Duchamp usó el pago inicial de su herencia para realizar la película y para entrar en el negocio del arte. La película, filmada en el estudio de Man Ray con ayuda del cinematógrafo Marc Allégret, era una animación de siete minutos de puros juegos de palabras de Rose Sélavy. Estas habían sido pegadas, letra por letra, en un patrón espiral en discos negros que fueron pegados a discos de fonógrafo; los textos lentamente giraban alternándose con tomas de los Discs Bearing Spirals de Duchamp, diez diseños abstractos que giraban haciendo parecer que se movían hacia delante y hacia atrás en un ritmo erótico. La pequeña película, la cual Duchamp llamó Anemic Cinema, tuvo su estreno ese Agosto en un sala privada de Paris”.

Emak Bakia

emak bakia Emak Bakia


Man Ray
Título Original:
Emak Bakia
País: Francia
Año: 1926
Guión: Man Ray
Director: Man Ray
Fotografía: Man Ray
Duración: 18 minutos

En Emak Bakia, el travieso dadaísta y surrealista Man Ray fue pionero en la técnica de la filmación sin cámara, exponiendo tramos de película a la luz luego espolvoreándola con alfileres, granos de sal y otros objetos comunes. En su divertido uso de diferentes materiales –animación, formas no objetivas, rayogramas, imágenes fuera de foco y fragmentadas- Emak Bakia se mantiene fresca e inspiradora luego de casi 80 años de su realización.

Man Ray dijo que hizo este cortometraje en estricta conformidad con los principios surrealistas. Abre con una serie de tomas aparentemente sin relación: granos en la película; flores moviéndose; alfileres en negativo; puntos de luz –fuera de foco- los cuales se ordenan en líneas; un prisma; barras de luz reflejadas, rotando a diferentes velocidades; luces de automóviles, con un gran ojo sobrepuesto sobre el radiador entre ellas; parpadea; y así continúa. Mientras que la película progresa el tema del automóvil se vuelve dominante: el conductor usando gafas (los que imitan las luces del auto). Le sigue una serie de tomas convencionales del auto viajando por un camino, entrecortadas por tomas de ovejas (en completo contraste tonal). El auto se detiene –se ven las piernas de una mujer bajándose- la toma se repite tres veces, la cuarta vez es reemplazada por una superposición de las cuatro tomas, una detrás de la otra. Imágenes individuales se destacan por su humor y originalidad, pero Man Ray todavía siente necesario imponer un tema convencional –el automóvil- para mantener en una sola pieza a la película.

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