El pasado sábado 18 de mayo se presentó en la Fundación Proa el lanzamiento del libro/DVD “El cine experimental de Narcisa Hirsch”, editado por mQ2 Sello Editorial. Fue una gran ocasión para homenajear a la gran madre del cine experimental en la Argentina.

Han habido ocasionales homenajes a la gran Narcisa, una mujer de una elegancia y una inteligencia sin par, como el que le propició el festival Marfici, en Mar del Plata. Esta vez, la excusa fue lanzar un libro sobre su obra, en la Fundación Proa. La presentación incluyó una proyección bicanal, en video y 16 mm, de la película “Rumi” (1999, 28 min), además de una pequeña selección de sus trabajos. El ensayista Emilio Bernini y el filósofo Florencio Noceti estuvieron a cargo de presentar a la artista y su obra, paso previo a que apareciera la propia Narcisa Hirsch, quien cortésmente respondió a las preguntas del auditorio.
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Un clic y la cinta comienza. Danny Lagos (22) contempla cada fragmento, los personajes, los movimientos, la luz y hasta las expresiones en las grabaciones.  Junto a él, Edmundo Flores (20), su compañero de producción, se inmiscuye en una febril etapa de edición para hacer encajar cada escena a fin de darle forma a las singulares ideas que proyectan sus mentes.

Tal vez su humilde obra no gane una estatuilla en la afamada gala de los Oscar o no se proyecte en el célebre Festival de Cannes. Sin embargo, la prematura edad, la formación autodidacta, la determinación y el espíritu soñador de este par de jóvenes estudiantes de periodismo los convierten en auténticos exponentes del cine experimental.

Se abren paso

Entre ideas de papel y saltos arriesgados han logrado concebir tres cortometrajes, donde se puede apreciar su crecimiento como artistas emergentes. Las creativas ideas de Lagos y las habilidades en posproducción de Flores se plasman elegantemente en la pantalla. Recientemente, este dúo de jóvenes soñadores presentó el cortometraje “La oscuridad del limbo” en la Universidad Nacional Autónoma de Honduras (UNAH). Read more »

Nacido en Paris bajo el nombre de René-Lucien Chomette, creció en el barrio de Les Halles. Asistió al Lycée Montaigne y el Lycée Louis-le-Grand. Durante la Primera Guerra Mundial, sirvió como conductor de ambulancias. Luego de la guerra, comenzó una carrera como periodista bajo el seudónimo de René Desprès. También hizo su debut como actor y se volvió asistente de Jacques de Baroncelli y Henri Diamant-Berger comenzando a usar el nombre de René Clair. Actuó en la serie de 1921 L´Orpheline and Parisette de Louis Feuillade.

A lo largo de la década de 1920 Clair pudo realizar algunos de sus trabajos mas originales y admirados del joven cine francés, en 1924 produjo sus primeras películas, Entreacto, un cortometraje de vanguardia, los musicales Sous Les Toits y Le Million, y la sátira clásica A Nous La Liberté, y Paris Dormido (Paris qui dort), el cual fue seguido por una rápida sucesión de notables películas. Durante la Segunda Guerra Mundial viajó a Hollywood y fue despojado de la ciudadanía francesa por el gobierno de Vichy. Read more »

Cinéma Pur (Cine Puro) fue un movimiento cinematográfico de vanguardia nacido en Paris en las décadas de 1920 y 1930. El termino fue acuñado por primera vez por Henri Chomette para definir un cine que se enfocaba puramente en elementos del cine como la forma, el movimiento, la composición visual, y el ritmo, algo que logró en sus cortometrajes Reflets de Lumiere et de vitesse (1925) y Cinq minutes de cinema pur (1926). El movimiento incluyo a muchos artistas dadaístas, como Man Ray (Emak Bakia, Retorno a la razón), René Clair (Entreacto), Fernand Leger (Ballet Mécanique), Marc Allegret, Jean Gremillon, Dudley Murphy, y Marcel Duchamp (Anémic Cinéma).

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Viking Eggeling
Título Original: Symphonie diagonale
País: Alemania
Año: 1924
Director: VIking Eggeling
Duración: 7 minutos

Con esta película, Eggeling encontró una nueva manera de expresión artística que fue seguida luego por Hans Richter, Oskar Fishinger, Walter Ruttmann y Norman McLaren.

Eggeling trataba de explorar nuevos caminos, nuevas formas, y realmente lo logró. Este nuevo medio de comunicación, el cine, trajo algo que los pintores como Eggeling nunca podrían haber alcanzado con sus pinturas: el tiempo. Incluir una nueva dimensión en su trabajo artístico fue algo muy desafiante para ellos. Eran como pinturas móviles. Y esto es exactamente lo que Eggeling construyó con Symphonie Diagonale.

Eggeling usa solo imágenes (algunas animaciones geométricas) para crear música. Si, se que suena raro pero lo hizo. Solo trate de imaginar como, sin ningún sonido, solo con mostrarnos imágenes en movimiento, Eggeling nos hace sentir el ritmo, patrones musicales y figuras. Aunque el espectador no sea un experto musical, podría descubrir, al menos, los ritmos básicos de la música.

La obra maestra de Eggeling es un viaje hacia la música, una ilusión mágica y una imagen sensible de la música a través de diferentes lenguajes. Algo que nadie debería perder de ver.

“Como yo, el ha arribado a sus teorías de la mano de la música, y siempre lo ha explicado en términos musicales”.
Hans Richter. (Dada: Arte y Anti-Arte, McGraw Hill 1965)

Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Título Original: Romance Sentimentale
País: Francia
Año: 1930
Guión: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Directores: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Duración: 20 minutos

Algunos relatos alegan que Sergei Eisenstein solo puso su nombre en este corto sonoro simplemente porque necesitaba el dinero. Es, sin embargo, mas cercano a la verdad decir que esta fue una colaboración, aunque el exacto punto de la colaboración entre el y Grigori Aleksandrov se mantiene indeterminado. Le película en si es un cortometraje, experimental, un montaje ligeramente poético de la ciudad y de imágenes abstractas. La contribución de Eisenstein parece haber sido la banda sonora con la cual demuestra su teoría de “el contra puntual uso del sonido” o el intento de encontrar un denominador común entre el sonido y la imagen. El sonido de Romance Sentimentale es dibujado directamente en la pista óptica de la película y es el primer ejemplo del uso de esta técnica. No se intentó hacer como una presentación de una película materialista, sino más bien como un experimento hacia un lenguaje cinematográfico integrado. A pesar de que las imágenes de la película son superficiales, conserva una importancia historia como una predecesora película experimental y la primera película sonora hecha por soviéticos, aunque no hecha en la Unión Soviética.

Marcel Duchamp
Título Original: Anemic Cinema
País: Francia
Año: 1926
Guión: Marcel Duchamp
Director: Marcel Duchamp
Duración: 7 minutos

Esta característica película dadaísta de Marcel Duchamp consiste en una serie de juegos de palabras con frases sin sentido escritas alrededor de patrones de espirales que rotan, creando un efecto casi hipnótico. Silencio.

Anemic Cinema (varias versiones fueron hechas en 1920, 1923, y finalmente, en 1926).

Esencialmente es una película de Duchamp con ayuda de Man Ray. Calvin Tomkims: “Duchamp usó el pago inicial de su herencia para realizar la película y para entrar en el negocio del arte. La película, filmada en el estudio de Man Ray con ayuda del cinematógrafo Marc Allégret, era una animación de siete minutos de puros juegos de palabras de Rose Sélavy. Estas habían sido pegadas, letra por letra, en un patrón espiral en discos negros que fueron pegados a discos de fonógrafo; los textos lentamente giraban alternándose con tomas de los Discs Bearing Spirals de Duchamp, diez diseños abstractos que giraban haciendo parecer que se movían hacia delante y hacia atrás en un ritmo erótico. La pequeña película, la cual Duchamp llamó Anemic Cinema, tuvo su estreno ese Agosto en un sala privada de Paris”.

Man Ray
Título Original: Emak Bakia
País: Francia
Año: 1926
Guión: Man Ray
Director: Man Ray
Fotografía: Man Ray
Duración: 18 minutos

En Emak Bakia, el travieso dadaísta y surrealista Man Ray fue pionero en la técnica de la filmación sin cámara, exponiendo tramos de película a la luz luego espolvoreándola con alfileres, granos de sal y otros objetos comunes. En su divertido uso de diferentes materiales –animación, formas no objetivas, rayogramas, imágenes fuera de foco y fragmentadas- Emak Bakia se mantiene fresca e inspiradora luego de casi 80 años de su realización.

Man Ray dijo que hizo este cortometraje en estricta conformidad con los principios surrealistas. Abre con una serie de tomas aparentemente sin relación: granos en la película; flores moviéndose; alfileres en negativo; puntos de luz –fuera de foco- los cuales se ordenan en líneas; un prisma; barras de luz reflejadas, rotando a diferentes velocidades; luces de automóviles, con un gran ojo sobrepuesto sobre el radiador entre ellas; parpadea; y así continúa. Mientras que la película progresa el tema del automóvil se vuelve dominante: el conductor usando gafas (los que imitan las luces del auto). Le sigue una serie de tomas convencionales del auto viajando por un camino, entrecortadas por tomas de ovejas (en completo contraste tonal). El auto se detiene –se ven las piernas de una mujer bajándose- la toma se repite tres veces, la cuarta vez es reemplazada por una superposición de las cuatro tomas, una detrás de la otra. Imágenes individuales se destacan por su humor y originalidad, pero Man Ray todavía siente necesario imponer un tema convencional –el automóvil- para mantener en una sola pieza a la película.

Fernand Léger
Título Original: Ballet Mecanique
País: Francia
Año: 1924
Guión: Fernand Léger
Director: Fernand Léger, Dudley Murphy
Fotografía: Dudley Murphy, Man Ray
Música: George Antheil
Duración: 24 minutos.
Intérpretes: Fernand Léger, Dudley Murphy, Katherine Murphy, Katrin Murphy (chica con una flor).

Ballet Mécanique fue un proyecto del compositor norteamericano George Antheil y el cineasta y artista Fernand Léger. Aunque la película fue prevista para usar la música de Antheil como banda sonora, las dos partes no se unieron hasta los noventas. Como una composición, Ballet Mécanique es el trabajo más conocido y perdurable de Antheil. Se mantiene famoso por su estilo e instrumentación radical así como por su argumento.

El “ballet” no es un show de personas bailando sino de instrumentos mecánicos. Entre ellos, pianos, hélices de aviones, y campanas eléctricas que se mantienen claramente en el escenario, moviéndose como se mueven las maquinas, y proveyendo el lado visual del ballet. Como la instrumentación bizarra puede sugerir, esta no fue una pieza ordinaria de música. Era fuerte y con mucho ritmo, una mezcla de ruidos, como los Futuristas Italianos visionaban que seria la nueva música del Siglo XX. Para explorar este fascinante artefacto de la música moderna como lo era Ballet Mécanique, es mejor tratar de entender su historia y también sus cualidades musicales.

Ballet Mécanique fue originalmente escrita para acompañar una película dadaísta del mismo nombre, dirigida por Dudley Murphy y Fernand Léger con fotografía de Man Ray. El mismo Antheil no era un dadaísta, aunque tenía muchos amigos y partidarios en esa comunidad. Desafortunadamente la partitura terminó teniendo 30 minutos de largo mientras que la película solo era de 16 minutos de duración. La película fue estrenada el 24 de Septiembre de 1924 en Viena y presentada por Frederick Kiesler, mas tarde un famoso arquitecto. Mientras tanto, la música de Antheil para Ballet Mécanique se transformo en una pieza de concierto, estrenada por el mismo Anthiel en París en 1926.

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Man Ray
Título Original: Les Mystères du château de Dé
País: Francia
Año: 1929
Guión: Man Ray
Director: Man Ray
Fotografía: Man Ray
Producción: Vizconde de Noailles
Duración: 27 minutos

En 1929, Man Ray el fotógrafo americano expatriado a París, cercano a los surrealistas y dadaístas realizo un film pedido por el Vizconde Charles de Noailles: Les mystère du château du Dé (Los misterios del castillo de dados). Charles de Noailles le había pedido a Man Ray, cuyos tres filmes precedentes habían sido Retour à la raison, Emak Bakia y L´Etoile de mer, que han tenido buena acogida por la critica, realizar un film sobre su villa de Hyères concebido por Robert Mallet-Stevens. Sin dudas que Man Ray realizará esta película. Escribe en su autobiografía: “Al principio esta propuesta me pareció de poco interés… Vacilaba. El vizconde me garantizo que me ayudaría de todas las maneras posibles, y que este trabajo seria remunerado (…) como sería totalmente libre, y que la película no sería mas que un documental, sin exigirme ninguna invención de mi parte, seria un trabajo fácil, automático y que no cambiaria de ningún modo mi decisión de no hacer mas películas. Me tranquilizaba la idea de que este no se presentaría en público… Charles de Noailles por su parte tiene serias dudas al final del rodaje y me confía que: “pienso por otra parte que la película tendrá fotografías muy bonitas procedentes del talento de Man Ray pero no estoy seguro de la calidad de la película, cuya situación y juego me parece un poco estrafalario”.

Contrariamente a lo que pensaba el vizconde de Noailles, esta película es un filme de arte. Afecta de cerca las teorías del cine de Canudo y Elie Faure. Para Canudo, uno de los primeros teóricos del cine, el cine es un arte total en la medida en que globaliza las otras artes, reconciliando las artes del espacio y las artes del tiempo. Elie Faure es bastante próximo a esta concepción: para el, el cine le sintetiza las artes plásticas y las artes dinámicas, y el cine y la arquitectura suman las otras partes. Precisamente, en Los misterios del castillo de dados hay arquitectura, escultura, poesía y pintura, aunque este último aparece de una manera particular.

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