Robert Bresson
Título Original: Les dames du Bois de Boulogne
País: Francia
Año: 1945
Género: Drama
Guión: Robert Bresson, a partir de un pasaje de Santiago el Fatalista de Diderot.
Director: Robert Bresson
Diálogos: Jean Cocteau
Fotografía: Philippe Agostini (BN)
Música: Jean-Jacques Grunenwald
Producción: Raoul Ploquin
Duración: 84 minutos.
Intérpretes: María Casares (Hélène), Paul Bernard (Jean), Élina Labourdette (Agnès), Lucienne Bogaert (Mme. D.), Jean Marchat (Jacques), Giles Quéant.

Esta única historia de amor, basada en una novela de Denis Diderot, con diálogos escritos por Jean Cocteau, sigue las maniobras de una dama de sociedad mientras conspira para iniciar una aventura amorosa escandalosa entre su ex amante aristocrático y una prostituta. Con su segunda película, el director Robert Bresson ya había forjado su técnica de rodaje brillantemente singular mientras creaba un estudio sobre el poder de la venganza y la fuerza del verdadero amor.

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Milos Forman
Título Original: Horí, má panenko
País: Checoslovaquia
Año: 1967
Género: Comedia
Guión: Milos Forman, Ivan Passer, Jaroslav Papousek
Director: Milos Forman
Fotografía: Miroslav Ondricek
Música: Karel Mares
Coproducción: Checoslovaquia, Italia.
Duración: 74 minutos.
Intérpretes: Jan Vostrcil (Jefe del Comité), Josef Sebanek (Miembro del Comité #2), Josef Valnoha (Miembro del Comité), Frantisek Debelka (Miembro del Comité #1), Josef Kolb (Josef), Jan Stöckl (Jefe de Bomberos retirado), Vratislav Cermák (Miembro del Comité), Josef Rehorek (Miembro del Comité #4), Václav Novotný (Miembro del Comité), Frantisek Reinstein (Miembro del Comité), Frantisek Paska (Miembro del Comité), Stanislav Holubec (Karel), Josef Kutálek (Ludva), Frantisek Svet (hombre viejo), Ladislav Adam (Miembro del Comité).

Milos Forman puede ser no tan fácilmente reconocido como alguno de sus contemporáneos europeos, pero no se puede decir lo mismo de su trabajo. Su producción de 1975 para Hollywood, Atrapado sin salida (One Flew Over The Cuckoo´s Nest), barrio con los premios de la Academia con 5 trofeos, incluyendo el de Mejor Director para Forman y el de Mejor Actor para Jack Nicholson. Lujosas producciones siguieron en su carrera con Hair y Ragtime. Amadeus de 1984 se llevó 8 Oscars, incluyendo la de Mejor Director y Película, Larry Flint aseguró la tercera nominación de Forman para el rubro Mejor Director. Nacido en Checoslovaquia, fue criado en orfanatos después que sus padres fueron ejecutados en Auschwitz. Estudió en la Escuela de Cine de Praga, cuyos alumnos incluían a Jiri Menzel, Jan Nemec e Ivan Passer, un frecuente colaborador en sus películas. Se volvió una fuerza dominante en la Nueva Ola checoslovaca cuando fue nominado para el Oscar a la Mejor Película Extranjera por su película de 1965, Amores de una Rubia (Lásky jedné plavovlásky). Lanzada en el clima político tenso de la Primavera de Praga del año 1967, su sucesor, El Baile de los Bomberos, se transformo en un momento decisivo de su carrera.

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Emir Kusturica
Título Original: Underground
País: Yugoslavia, Francia, Alemania, Hungría
Año: 1995
Género: Drama
Guión: Dusan Kovacevic y Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac
Música: Goran Bregovic
Producción: Pierre Spengler
Duración: 167 minutos
Intérpretes: Miki Manojlovic (Marko), Lazar Ristovski (Crni o Blaky), Mirjana Jokovic (Natalija), Slavko Stimac (Ivan), Ernst Stotzner (Franz), Srdan Todorovic (Jovan), Mirjan Karanovic (Vera), Milena Pavlovic (Jelena).

No hay necesidad de una adaptación para cine de la novela de Gabriel García Márquez Cien años de soledad. Ya se ha hecho. La tragicomedia de Emir Kusturica Underground puede ser la película mas importante de los últimos 25 años, este opresivo, moralmente inquisidor trabajo de ficción narrativa política que lamenta nuestra propensión a la auto destrucción. En una época donde el supuesto serio periodismo falla en mostrar los horrores del mundo, las películas como Underground existen para remendar esa situación. “Había una vez un país…”. Así comienza Kusturica una parábola de auto aniquilación, una metáfora delirante, emocionalmente desgarradora y desvastadamente graciosa de la crónica de una muerte anunciada.

Poseída por el ritmo cultural de su país, Kusturica estructura la primera parte de Underground como una fiesta apocalíptica. Desde el comienzo, la película es un testamento a la perseverancia humana. Blacky (Lazar Ristovski) y Marko (Miki Manojlovic) regresan a sus hogares al borde de la invasión alemana a Yugoslavia. Marko le hace el amor tranquilamente a una prostituta local, mientras que las bombas caen cerca. Un egocéntrico Blacky come su comida a pesar de los gritos de su embarazada mujer. “Cómo puedes tu, con todas estas bombas?” le suplica. Aparece un elefante con un zapato en la trompa. Tick Tock Tick Tock. Es el sonido del cronometro del perpetuo balanceo del hombre. Esta ahí para hacernos recordar: es solo una cuestión de tiempo.

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Emir Kusturica
Título Original: Dom za vešanje
País: Yugoslavia
Año: 1989
Género: Drama
Guión: Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac (color)
Música: Goran Bregovic
Producción: Forum, Televisión de Sarajevo
Duración: 135 minutos
Intérpretes: Davor Dujmovic (Perhan), Bora Todorovic (Ahmed), Ljubica Adzovic (Khaditza, la Abuela), Husnija Hasimovic (Merdzan, el Tío), Sinolicka Trpkova (Azra, la Novia), Zabit Memedov (Zabit, el Vecino), Elvira Sali (Danira, la Hermana), Suada Karisik (Dzamila), Predrag Lakovic, Mirsad Zulic, Ajnur Redzepi (el hijo de Perhan), Sedrije Halim (Ruza, la madre de Azra), Saban Rojan, Branko Djuric, Edin Rizvanovic.

Tiempo de Gitanos, de Emir Kusturica, es una película curiosa y visualmente hipnótica: una vislumbre lírica en una cultura oscura y exótica, una tragedia de la inocencia perdida, una preafirmación de amor y familia. En el centro de la historia esta un joven llamado Perhan (David Dujmovic) quien vive en un ghetto gitano con su abuela (Ljubica Adzovic), su tío (Husnija Hasimovic), y su hermana invalida Danira (Elvira Sali). Sus principales ingresos giran alrededor de las habilidades de sanación de la abuela y de la ocasional venta de piedra caliza a los habitantes del lugar. Perhan también tiene un poder divino, telequinesia, un talento que ha probado tener una pequeña aplicación en su austera vida. Su única fuente de consuelo es su amada Azra (Sinolicka Trpkova), pero sus repetidas propuestas de matrimonio son invariablemente rechazadas por la madre de ella, quien cree que la propiedad de Perhan lo hace un marido no adecuado. Un día, su abuela salva la vida de un pequeño niño, el hijo de un carismático criminal llamado Ahmed (Bora Todorovic). En gratitud, Ahmed acepta llevar a Danira a un hospital en Ljubljana durante uno de sus “viajes de negocios” a Italia con sus hermanos, y para pagar todos los gastos médicos de la niña. Perhan decide acompañar a su hermana Danira al hospital, dejando a su abuela y a Azra detrás. En el camino, indicios de las actividades delictivas de Ahmed comienzan a asomarse, como niños y jóvenes vendidos en servidumbre por sus familias (o a veces, hasta raptados), que se arrastran en la camioneta para unírseles en el viaje. Incapaz de quedarse con Danira en el hospital, Perhan es forzado a dejarla atrás y viajar junto con Ahmed a Italia. Contrabandeado junto a la “familia” de Ahmed, Perhan es seducido por la vida criminal.

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Ingmar Bergman
Título Original: Viskningar och rop
País: Suecia
Año: 1973
Género: Drama
Guión: Ingmar Bergman
Director: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist (color)
Música: Chopin (Mazurka), y J. S. Bach (Sarabande)
Producción: Ingmar Bergman, Svenska Film
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Harriet Andersson (Agnes), Ingrid Thulin (Karin), Liv Ullmann (Maria), Kari Sylwan (Anna), Erland Josephson (el médico), Anders Ek (el pastor).

Ingmar Bergman es un director con un trabajo consistente tanto visual como temático con el objetivo de explorar la naturaleza de la condición humana. La mayoría de sus películas se ocupan de temas deprimentes como el sufrimiento, la soledad, la esterilidad y la angustia del alma. Sin embargo, pese a tales desalentadores temas, y gracias a la cercana colaboración de aclamado cinematógrafo Sven Nykvist, las películas de Bergman capturan imágenes dramáticas de una inmensa belleza. La película de Bergman Gritos y Susurros es por excelencia una de las mejores obras del director. Es una película visualmente impresionante profundamente afectada con el dolor tanto físico como emocional de los protagonistas. Aun más, Gritos y Susurros es una película altamente elogiada y admirada, la cual probablemente sea una de los trabajos cinematográficos más dotados en la carrera multifacética de Bergman.

Gritos y Susurros se sitúa en una vieja casa solariega inglesa y gira alrededor de cuatro mujeres, Agnes (Harriet Andersson), Maria (Liv Ullman), Karin (Ingrid Thulin) y Anna (Kari Sylwan). Agnes, la dueña de la casa, es una mujer joven, virginal enferma terminal de cáncer de útero. Las hermanas de Agnes, Maria y Karin, están infelizmente casadas y han viajado a la casa para ayudar en el cuidado de su moribunda hermana. Anna es la criada fiel y confiable de Agnes, quien hace hasta lo imposible para hacerla sentir confortable. La película muestra los últimos dos días en la vida de Agnes en una terrible agonía, su muerte, y en cierto sentido, hasta su resurrección y legado. Gritos y Susurros ofrece un vistazo en la vida de estos personajes, los terribles efectos del dolor físico y emocional que las aflige y las diferentes maneras que tienen de sobrellevar su sufrimiento.

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Orson Welles
Título Original: Citizen Kane
País: Estados Unidos
Año: 1941
Género: Drama
Guión: Herman J. Mankiewicz, Orson Welles
Director: Orson Welles
Fotografía: Greg Toland (BN)
Música: Bernard Herrmann
Producción: RKO (Mercury Theater)
Duración: 119 minutos
Intérpretes: Orson Welles (Charles Foster Kane), Joseph Cotten (Jedediah Leland) , Everett Sloane (Bernstein), George Coulouris (Thatcher), Dorothy Comingore (Susan Alexander), Ray Collins, Agnes Moorehead (la madre de Kane), Paul Stewart (el mayordomo), Ruth Warrick, Erskine Sanford (Carter), William Alland, Alan Lad.

La fresca, sofisticada, y clásica obra maestra, Ciudadano Kane, es probablemente la película mas famosa del mundo, con tantas escenas y actuaciones remarcables, técnicas cinemáticas y narrativas e innovaciones experimentales (en fotografía, edición y sonido). Su director, estrella, y productor se encontraban en un único genio individual, Orson Welles (en este film debuta a los 25 años), quien colaboró con Herman J. Mankiewicz en el guión (también con un desacreditado John Houseman), y con Gregg Toland y su talento cinematográfico (la contribución de cada una de estas personas en el guión ha sido sujeto de grandes debates en las ultimas décadas). La cámara de Toland trabajo en la película expresionista de Kart Freund Mad Love (1935) que tuvo una profunda influencia en dicho film.

El film, con un presupuesto de $800.000 dólares, recibió criticas unánimes de alabanza hasta el tiempo de su lanzamiento, mas allá de que no fue un éxito comercial (parte debido a su distribución limitada y al tiempo perdido por RKO debido a las presiones del famoso publicista W. R. Hearst), hasta que fue relanzada después de la Segunda Guerra Mundial, y encontró reconocimiento bien merecido en Europa, y luego fue puesta en televisión.

El film genero controversia (y esfuerzos para suprimirla en principios de 1941, a través de intimidación, chantaje, difamación a través de los periódicos, desacreditación, e investigaciones del FBI), antes de su premiere en la Ciudad de Nueva York el día 1 de Mayo de 1941, porque aparecía como una ficción y caricaturización de ciertos eventos e individuos en la vida de William Randolf Hearst, un poderoso magnate y publicista de diarios. El film fue acusado de hacer paralelos poco favorecedores (en especial con el personaje de Susan Alexander Kane) en la vida real. Las batallas notorias fueron detalladas por el documental de los ganadores del Oscar Thomas Lennon y Michael Epstein que se llamo La Batalla sobre Ciudadano Kane (1996), el que fue repetido en HBO con el nombre de RKO 281 (1999) (el nombre del film se refiere al numero de proyecto del film que tenia el estudio, antes de ser formalmente titulado.

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Ingmar Bergman
Título Original: Det sjunde inseglet
País: Suecia
Año: 1957
Género: Drama
Guión: Ingmar Bergman, a partir de su obra Trämalning
Director: Ingmar Bergman
Fotografía: Gunnar Fischer (BN)
Música: Erik Nordgren
Producción: AB Svensk Filmindustri
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Max von Sydow (Antonius Block), Gunnar Björnstrand (Jöns, su escudero), Nils Poppe (Jof), Bibi Andersson (su mujer, Mia), Bengt Ekerot (la Muerte), Gunnel Lindblom, Maud Hansson, Ake Fridell (el herrero), Inga Gill (Lisa).
Premios: Cannes: Premio Especial del Jurado.

Ingmar Bergman explico que construyo su película a la manera de una pintura de la Edad Media, “con el mismo compromiso objetivo, la misma sensibilidad y la misma alegría”. El mensaje es claro: estamos siempre amenazados por la peste, que hoy se llama guerra nuclear; frente a ese peligro no hay otro recurso más que los corazones puros. Al fanatismo y la intolerancia Bergman opone “la leche de la ternura humana”. Su película, sin embargo, no tiene nada de dogmático. Juega el juego de la ingenuidad iconográfica, creando libremente a partir del imaginario medieval. Pensamos en Durero, en los grabados sobre madera de Hans Beham, en la Danza macabra de Orcagna. La reflexión filosófica, en última instancia algo sumaria, se ve sin cesar irrigada por un límpido onirismo, y por incluso trazos de humor, notablemente a través del personaje del escudero. El papel de Jof el ingenuo titiritero es interpretado por el celebre actor cómico Nils Poppe.

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