Samuel Fuller
Título Original: Shock Corridor
País: Estados Unidos
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Samuel Fuller
Director: Samuel Fuller
Fotografía: Samuel Fuller y Stanley Cortez
Producción: Leon Fromkess
Duración: 101 minutos
Intérpretes: Peter Breck (Johnny Barrett), Constance Towers (Cathy), Gene Evans (Boden), James Best (Stuart), Hari Rhodes (Trent), Larry Tucker (Pagliacci), Paul Dubov (Dr. J.L. Menkin), Chuck Roberson (Wilkes), Neyle Morrow (Psicópata), John Matthews (Dr. L.G. Cristo), Bill Zuckert ('Swanee' Swanson), John Craig (Lloyd), Philip Ahn (Dr. Fong), Frank Gerstle (Tte. Kane), Rachel Romen (nimfómana cantante).

Esta obra precursora de One Flew Over The Cuckoo's Nest (Atrapado sin salida, 1975), escrita, producida y dirigida por Samuel Fuller (The Big Red One), a pesar de los doce años que la separan de la ganadora obra maestra de Milos Forman, personalmente siento que Shock Corridor es una película mas sutil e inquietante.

En este clásico desvalorado Peter Breck nos regala una fenomenal actuación como Johnny Barreto, un reportero de un diario quien se interna en un asilo mental para exponer públicamente el tratamiento que se le da a los internos. Pero pronto se encuentra temiendo por su propia cordura cuando el mismo se encuentra siendo abusado. La situación no lo ayuda cuando comienza a tener inquietantes sueños sobre su novia desnudista (Constante Towers) a quien le esconde una ira secreta por exponerse ante otros hombres. Sin embargo Johnny también se gana la no deseada atención de media docena de atractivas y trastornadas mujeres quienes desean degradarlo y explotarlo sexualmente. Quien dijo que solo las mujeres son victimas? Desafortunadamente parte del sincronismo del audio es horroroso, especialmente en esta escena y como resultado, el potencial poder de esta secuencia disminuye de alguna manera.

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En Mulholland Drive hay dos partes: una parte real y un sueño que ocurre al final de esa parte real, solo que Lynch muestra primero el sueño y luego la parte real. En la parte real, Diane (la rubia, interpretada por Naomi Watts) es una de tantas actrices provenientes de un pueblo pequeño que llegan a Hollywood para convertirse en estrella, pero lamentablemente es una actriz mediocre. En un casting para una película, conoce a una chica llamada Camila (el personaje de Laura Harring), que es la que obtiene el papel principal. A pesar de esto, se hacen amigas, se van a vivir juntas y se enamoran. Camila empieza a tener gran éxito en Hollywood, y a pesar de ayudar a Diane a conseguir papeles pequeños en las películas que ella protagoniza, esta comienza a tener celos de Camila, acentuados cuando empieza a sospechar que sale con el director de una de sus películas (Adam). Finalmente, se terminan peleando, y Diane echa a Camila de casa. Un tiempo mas tarde, Camila la llama, diciéndole que le ha enviado un coche, que la va a llevar a una fiesta en la casa de Adam.

En esa fiesta (que es fundamental para entender la “realidad” de la película), conoce a varias personas, por ejemplo a Coco, la madre de Adam. Diane es humillada por los invitados, y estalla de celos al ver como Camila en un momento besa a una chica de la fiesta (la cara de la chica se le quedará grabada en su subconsciente por la carga emocional del momento). Acto seguido, Camila y Adam anuncian su compromiso, lo cual rompe definitivamente el corazón de Diane. Tras esto, ve por casualidad salir de la fiesta a un invitado con sombrero de cowboy. Es solo un invitado más, sin importancia, pero el subconsciente lo guarda en su archivo particular. Después de la fiesta, Diane contrata en un bar a un asesino para que mate a Camila. Este le dice que cuando terminé su trabajo le hará llegar una llave azul por debajo de su puerta. Cuando está hablando con él, observa que la camarera se llama “Betty” (otro elemento que quedara archivado en su subconsciente).

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Terry Gilliam
Título Original: Brazil
País: Reino Unido
Año: 1985
Género: Ciencia Ficción
Guión: Terry Gilliam, Tom Stoppard, Charles McKeown
Director: Terry Gilliam
Fotografía: Roger Pratt (color)
Música: Michael Kamen
Producción: 20th Century Fox
Duración: 142 minutos
Intérpretes: Jonathan Price (Sam), Robert de Niro (Tuttle), Kim Greist (Jill), Katherine Helmond

Brazil evoca la melancolía, la calidad de ensueño de su música, una traducción de un tema brasilero de 1939 llamado “Aquarela do Brasil”. En esta película escapista, Brazil esta representada como un romántico y fantasioso lugar que es el opuesto de los países sombríos del norte. William se inspiró por esta canción para crear el gobierno totalitario y el humor distónico del filme.

La película se centra en Sam Lowry, un joven hombre tratando de encontrar una mujer que aparece en sus sueños mientras trabaja en un trabajo que le adormece la mente y vive su vida en un pequeño departamento, en un distónico mundo en el cual se depende de unas pobres poco mantenidas maquinas. El gobierno burocrático y totalitario es una reminiscencia del gobierno Británico representado en la novela 1984 de George Orwell.

Jack Mathews, un critico de cine y autor del libro La batalla de Brazil (1987), caracteriza a la película como “una sátira del disfuncional y burocrático mundo industrial que ha vuelvo loco a Gilliam toda su vida”. Mientras que la película fue un fracaso en la época de su lanzamiento, se ha convertido en un clásico.

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Luis Buñuel
Título Original: Viridiana
País: España
Año: 1961
Género: Drama psicológico
Guión: Luis Buñuel y Luis Alejandro
Director: Luis Buñuel
Fotografía: José F. Aguayo (BN)
Música: fragmentos del Messia de Haendel y del Requiem de Mozart.1
Producción: Gustavo Alatriste (Unici y Films 59, Madrid)
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Silvia Pinal (Viridiana), Fernando Rey (don Jaime), Francisco Rabal (Jorge), Margarita Lozano (Ramona), Victoria Zinny (Lucia), Teresa Rabal (Rita), José Calvo, Joaquín Roa, José Manuel Martín.

Después de un largo exilio, en 1961 Luis Buñuel regresa a España para filmar Viridiana. Basada en una novela de Galdos, la película explora que pasa cuando un grupo de renegados se vuelven en contra de su protector, la epónima heroína de la película. La película se ocupa de temas tabúes como el incesto y muestra la caridad cristiana como fútil. Todo culmina con una reproducción blasfema del cuadro de Leonardo Da Vinci “La ultima cena”, completado con el Messiah de Haendel. La película produjo la indignación del ala derecha del gobierno de Franco, especialmente cuando ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Viridiana completa su transformación de una novata a una hermosa y disponible mujer en 90 minutos de la mano de Buñuel. No hay un malvado tío y corrupción: hay una suntuosa selección de seres humanos llevando su vida diaria en la España de Franco de finales de los años 50.

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Jean Cocteau
Título Original: La Belle et la Bête
País: Francia
Año: 1946
Género: Romance, Drama
Guión: Jean Cocteau, a partir de un cuento de Mme. Leprince de Beaumont.
Director: Jean Cocteau
Diálogos: Jean Cocteau
Dirección Artística: Christian Bérard
Fotografía: Henri Alekan (BN)
Música: Georges Auric
Producción: André Paulvé
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Jean Marais (la Bestia, Avenant, el Príncipe), Josette Day (la Bella), Marcel André (su padre), Mila Parély, Nane Germon (las hermanas), Michel Auclair (Ludovic).

La Bella y la Bestia no necesita los efectos especiales digitales de hoy; todavía funciona perfectamente con sus maravillas de baja tecnología pero profundamente resonantes. Cocteau crea simples pero magníficos e inolvidables cuadros, desde un corredor con brazos sin cuerpo sujetando candelabros que explotan en llamas mientras pasas, a las lagrimas que ella derrama mientras llora sobre el destino de la Bestia para luego convertirse en diamantes, a la ascensión final de la Bella y el Príncipe Ardent. Que pude superar el poder de ensueño de la Bella deslizándose en cámara lenta, a través del castillo encantado, o la sombra desproporcionadamente grande de su padre empujando las puertas del castillo. Esta la magia indefinible de la escena en la casa solariega con grandes sabanas blancas secándose al sol, creando siluetas de un poder llamativo. (El equipo se paso semanas buscando por todos lados por sabanas sin parches, un lujo insólito para la Francia de posguerra).

Cocteau sabia que para que su película resonara por completo necesitaba alejarse de su fantasía poética, así que la salpica con varios momentos hilarantes. Tomen la escena donde las dos hermanas malvadas de la Bella, las que proveen muchos de los momentos cómicos de la película, están oliendo cebolla para que puedan pretender que están llorando desesperadamente por el regreso de la Bella con la Bestia (todo el tiempo complotando su venganza). Otro de los momentos cómicos es cuando las hermanas buscan en el espejo mágico y una se ve como una vieja bruja marchita, mientras que la otra se ve como un mono.

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Robert Bresson
Título Original: Les dames du Bois de Boulogne
País: Francia
Año: 1945
Género: Drama
Guión: Robert Bresson, a partir de un pasaje de Santiago el Fatalista de Diderot.
Director: Robert Bresson
Diálogos: Jean Cocteau
Fotografía: Philippe Agostini (BN)
Música: Jean-Jacques Grunenwald
Producción: Raoul Ploquin
Duración: 84 minutos.
Intérpretes: María Casares (Hélène), Paul Bernard (Jean), Élina Labourdette (Agnès), Lucienne Bogaert (Mme. D.), Jean Marchat (Jacques), Giles Quéant.

Esta única historia de amor, basada en una novela de Denis Diderot, con diálogos escritos por Jean Cocteau, sigue las maniobras de una dama de sociedad mientras conspira para iniciar una aventura amorosa escandalosa entre su ex amante aristocrático y una prostituta. Con su segunda película, el director Robert Bresson ya había forjado su técnica de rodaje brillantemente singular mientras creaba un estudio sobre el poder de la venganza y la fuerza del verdadero amor.

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Milos Forman
Título Original: Horí, má panenko
País: Checoslovaquia
Año: 1967
Género: Comedia
Guión: Milos Forman, Ivan Passer, Jaroslav Papousek
Director: Milos Forman
Fotografía: Miroslav Ondricek
Música: Karel Mares
Coproducción: Checoslovaquia, Italia.
Duración: 74 minutos.
Intérpretes: Jan Vostrcil (Jefe del Comité), Josef Sebanek (Miembro del Comité #2), Josef Valnoha (Miembro del Comité), Frantisek Debelka (Miembro del Comité #1), Josef Kolb (Josef), Jan Stöckl (Jefe de Bomberos retirado), Vratislav Cermák (Miembro del Comité), Josef Rehorek (Miembro del Comité #4), Václav Novotný (Miembro del Comité), Frantisek Reinstein (Miembro del Comité), Frantisek Paska (Miembro del Comité), Stanislav Holubec (Karel), Josef Kutálek (Ludva), Frantisek Svet (hombre viejo), Ladislav Adam (Miembro del Comité).

Milos Forman puede ser no tan fácilmente reconocido como alguno de sus contemporáneos europeos, pero no se puede decir lo mismo de su trabajo. Su producción de 1975 para Hollywood, Atrapado sin salida (One Flew Over The Cuckoo´s Nest), barrio con los premios de la Academia con 5 trofeos, incluyendo el de Mejor Director para Forman y el de Mejor Actor para Jack Nicholson. Lujosas producciones siguieron en su carrera con Hair y Ragtime. Amadeus de 1984 se llevó 8 Oscars, incluyendo la de Mejor Director y Película, Larry Flint aseguró la tercera nominación de Forman para el rubro Mejor Director. Nacido en Checoslovaquia, fue criado en orfanatos después que sus padres fueron ejecutados en Auschwitz. Estudió en la Escuela de Cine de Praga, cuyos alumnos incluían a Jiri Menzel, Jan Nemec e Ivan Passer, un frecuente colaborador en sus películas. Se volvió una fuerza dominante en la Nueva Ola checoslovaca cuando fue nominado para el Oscar a la Mejor Película Extranjera por su película de 1965, Amores de una Rubia (Lásky jedné plavovlásky). Lanzada en el clima político tenso de la Primavera de Praga del año 1967, su sucesor, El Baile de los Bomberos, se transformo en un momento decisivo de su carrera.

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Emir Kusturica
Título Original: Underground
País: Yugoslavia, Francia, Alemania, Hungría
Año: 1995
Género: Drama
Guión: Dusan Kovacevic y Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac
Música: Goran Bregovic
Producción: Pierre Spengler
Duración: 167 minutos
Intérpretes: Miki Manojlovic (Marko), Lazar Ristovski (Crni o Blaky), Mirjana Jokovic (Natalija), Slavko Stimac (Ivan), Ernst Stotzner (Franz), Srdan Todorovic (Jovan), Mirjan Karanovic (Vera), Milena Pavlovic (Jelena).

No hay necesidad de una adaptación para cine de la novela de Gabriel García Márquez Cien años de soledad. Ya se ha hecho. La tragicomedia de Emir Kusturica Underground puede ser la película mas importante de los últimos 25 años, este opresivo, moralmente inquisidor trabajo de ficción narrativa política que lamenta nuestra propensión a la auto destrucción. En una época donde el supuesto serio periodismo falla en mostrar los horrores del mundo, las películas como Underground existen para remendar esa situación. “Había una vez un país…”. Así comienza Kusturica una parábola de auto aniquilación, una metáfora delirante, emocionalmente desgarradora y desvastadamente graciosa de la crónica de una muerte anunciada.

Poseída por el ritmo cultural de su país, Kusturica estructura la primera parte de Underground como una fiesta apocalíptica. Desde el comienzo, la película es un testamento a la perseverancia humana. Blacky (Lazar Ristovski) y Marko (Miki Manojlovic) regresan a sus hogares al borde de la invasión alemana a Yugoslavia. Marko le hace el amor tranquilamente a una prostituta local, mientras que las bombas caen cerca. Un egocéntrico Blacky come su comida a pesar de los gritos de su embarazada mujer. “Cómo puedes tu, con todas estas bombas?” le suplica. Aparece un elefante con un zapato en la trompa. Tick Tock Tick Tock. Es el sonido del cronometro del perpetuo balanceo del hombre. Esta ahí para hacernos recordar: es solo una cuestión de tiempo.

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Emir Kusturica
Título Original: Dom za vešanje
País: Yugoslavia
Año: 1989
Género: Drama
Guión: Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac (color)
Música: Goran Bregovic
Producción: Forum, Televisión de Sarajevo
Duración: 135 minutos
Intérpretes: Davor Dujmovic (Perhan), Bora Todorovic (Ahmed), Ljubica Adzovic (Khaditza, la Abuela), Husnija Hasimovic (Merdzan, el Tío), Sinolicka Trpkova (Azra, la Novia), Zabit Memedov (Zabit, el Vecino), Elvira Sali (Danira, la Hermana), Suada Karisik (Dzamila), Predrag Lakovic, Mirsad Zulic, Ajnur Redzepi (el hijo de Perhan), Sedrije Halim (Ruza, la madre de Azra), Saban Rojan, Branko Djuric, Edin Rizvanovic.

Tiempo de Gitanos, de Emir Kusturica, es una película curiosa y visualmente hipnótica: una vislumbre lírica en una cultura oscura y exótica, una tragedia de la inocencia perdida, una preafirmación de amor y familia. En el centro de la historia esta un joven llamado Perhan (David Dujmovic) quien vive en un ghetto gitano con su abuela (Ljubica Adzovic), su tío (Husnija Hasimovic), y su hermana invalida Danira (Elvira Sali). Sus principales ingresos giran alrededor de las habilidades de sanación de la abuela y de la ocasional venta de piedra caliza a los habitantes del lugar. Perhan también tiene un poder divino, telequinesia, un talento que ha probado tener una pequeña aplicación en su austera vida. Su única fuente de consuelo es su amada Azra (Sinolicka Trpkova), pero sus repetidas propuestas de matrimonio son invariablemente rechazadas por la madre de ella, quien cree que la propiedad de Perhan lo hace un marido no adecuado. Un día, su abuela salva la vida de un pequeño niño, el hijo de un carismático criminal llamado Ahmed (Bora Todorovic). En gratitud, Ahmed acepta llevar a Danira a un hospital en Ljubljana durante uno de sus “viajes de negocios” a Italia con sus hermanos, y para pagar todos los gastos médicos de la niña. Perhan decide acompañar a su hermana Danira al hospital, dejando a su abuela y a Azra detrás. En el camino, indicios de las actividades delictivas de Ahmed comienzan a asomarse, como niños y jóvenes vendidos en servidumbre por sus familias (o a veces, hasta raptados), que se arrastran en la camioneta para unírseles en el viaje. Incapaz de quedarse con Danira en el hospital, Perhan es forzado a dejarla atrás y viajar junto con Ahmed a Italia. Contrabandeado junto a la “familia” de Ahmed, Perhan es seducido por la vida criminal.

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Ingmar Bergman
Título Original: Viskningar och rop
País: Suecia
Año: 1973
Género: Drama
Guión: Ingmar Bergman
Director: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist (color)
Música: Chopin (Mazurka), y J. S. Bach (Sarabande)
Producción: Ingmar Bergman, Svenska Film
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Harriet Andersson (Agnes), Ingrid Thulin (Karin), Liv Ullmann (Maria), Kari Sylwan (Anna), Erland Josephson (el médico), Anders Ek (el pastor).

Ingmar Bergman es un director con un trabajo consistente tanto visual como temático con el objetivo de explorar la naturaleza de la condición humana. La mayoría de sus películas se ocupan de temas deprimentes como el sufrimiento, la soledad, la esterilidad y la angustia del alma. Sin embargo, pese a tales desalentadores temas, y gracias a la cercana colaboración de aclamado cinematógrafo Sven Nykvist, las películas de Bergman capturan imágenes dramáticas de una inmensa belleza. La película de Bergman Gritos y Susurros es por excelencia una de las mejores obras del director. Es una película visualmente impresionante profundamente afectada con el dolor tanto físico como emocional de los protagonistas. Aun más, Gritos y Susurros es una película altamente elogiada y admirada, la cual probablemente sea una de los trabajos cinematográficos más dotados en la carrera multifacética de Bergman.

Gritos y Susurros se sitúa en una vieja casa solariega inglesa y gira alrededor de cuatro mujeres, Agnes (Harriet Andersson), Maria (Liv Ullman), Karin (Ingrid Thulin) y Anna (Kari Sylwan). Agnes, la dueña de la casa, es una mujer joven, virginal enferma terminal de cáncer de útero. Las hermanas de Agnes, Maria y Karin, están infelizmente casadas y han viajado a la casa para ayudar en el cuidado de su moribunda hermana. Anna es la criada fiel y confiable de Agnes, quien hace hasta lo imposible para hacerla sentir confortable. La película muestra los últimos dos días en la vida de Agnes en una terrible agonía, su muerte, y en cierto sentido, hasta su resurrección y legado. Gritos y Susurros ofrece un vistazo en la vida de estos personajes, los terribles efectos del dolor físico y emocional que las aflige y las diferentes maneras que tienen de sobrellevar su sufrimiento.

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