Pier Paolo Pasolini
Título Original: Il Vangelo secondo Matteo
País: Italia
Año: 1964
Género: Drama, Histórico
Guión: Pier Paolo Pasolini basado en el Evangelio de San Mateo
Director: Pier Paolo Pasolini
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli
Escenografía: Andrea Fantacci
Música: Luis Enriquez Bacalov y Carlo Rustichelli
Producción: Alfredo Bini
Duración: 137 minutos
Intérpretes: Enrique Irazoqui (Cristo), Margherita Caruso (Maria (joven), Susanna Pasolini (Mary (vieja), Marcello Morante (Jose), Mario Socrate (Juan el Bautista), Settimio Di Porto (Pedro), Alfonso Gatto (Andres), Luigi Barbini (Jaime), Giacomo Morante (Juan), iorgio Agamben (Felipe), Guido Cerretani (Bartolomé), Rosario Migale (Tomas), Ferruccio Nuzzo (Mateo), Marcello Galdini (Jaime hijo de Alphus), Elio Spaziani (Tadeo), Enzo Siciliano (Simon), Otello Sestili (Judas), Rodolfo Wilcock (Caifas), Alessandro Clerici (Poncio Pilato), Amerigo Bevilacqua (Herodes I), Francesco Leonetti (Herodes II), Franca Cupane (Herodiade), Paola Tedesco (Salome), Rossana Di Rocco (Angel del Señor), Renato Terra (Poseído), Eliseo Boschi (José de Arimatea), Natalia Ginzburg (Maria de Betania), Ninetto Davoli (Pastor), Enrico Maria Salerno (Voz de Cristo).

Pier Paolo Pasolini fue un cineasta italiano que también fue poeta, ensayista, marxista y homosexual. Pero en todo fue un intruso. Fue rechazado por la burguesía católica por marxista y homosexual. Los marxistas lo rechazaron por no mantener la línea filosófica. Y sus escritos tanto para cine como teorías literarias a menudo fueron descartados por la intelligentsia por su falta de credenciales académicas y una percibida falta de rigor en su trabajo. es, por lo tanto, en muchas maneras irónico que uno de sus mas exitosas películas fuese una adaptación del Evangelio de San Mateo. Aun la principal fuerza en la vida de Pasolini, a la cual todas las otras se subordinaban, era la pasión. Y en toda la literatura no hay un mayor ejemplo de pasión irracional que la historia de Cristo y su muerte.

La película fue filmada entre las colinas de Basilicata al sur de Italia. La escenografía eran las aldeas de los pobres, y solo amateurs fueron usados como actores. La madre del director hizo el papel de Maria en la época de la crucifixión de Cristo. Pasolini hizo algunos cambios a la versión tradicional del Evangelio, reordenando la secuencia de los eventos, acortando algunas escenas y omitiendo otras, aunque uso el texto palabra por palabra. Sin embargo, usando gente pobre, con sus caras arrugadas y sus humildes alrededores, enfatizó los aspectos de la historia de San Mateo que eran más atractivos a sus propias sensibilidades marxistas. Cuando Cristo le dice a sus discípulos, “es mas fácil para un camello pasar por el ojo de una aguja que para un hombre rico entrar en el reino de Dios”, parado entre la pobreza verdadera y no algún decorado de Hollywood, las palabras cobran vida propia. Pasolini nunca fue desdeñoso en su tratamiento, simplemente permitió que el texto hablara por si mismo.

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Federico Fellini
Título Original: 8½
País: Italia
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi
Director: Federico Fellini
Fotografía: Gianni di Venanzo
Montaje: Leo Cattozzo
Escenografía: Vito Anzalone
Música: Nino Rota
Producción: Angelo Rizzoli
Duración: 140 minutos
Intérpretes: Marcello Mastroianni (Guido Anselmi), Claudia Cardinale (Claudia), Anouk Aimée (Luisa Anselmi), Sandra Milo (Carla), Rossella Falk (Rossella), Barbara Steele (Gloria Morin), Madeleine LeBeau (Madeleine), Caterina Boratto (La señora misteriosa), Eddra Gale (La Saraghina), Guido Alberti (Pace), Mario Conocchia (Conocchia), Bruno Agostini (el secretario de producción), Cesarino Miceli Picardi (Cesarino), Jean Rougeul (Carini), Mario Pisu (Mario Mezzabotta).

El film que merece el calificativo “fellinesco” más que ningún otro sin dudas es 8½. En esta extravagante, auto indulgente, creativamente exuberante fantasía, el amo del cine italiano, Federico Fellini, nos lleva hacia una exploración bizarra de su arte y su vida. El simbolismo freudiano y la imaginería daliesca abundan en un trabajo que es simultáneamente hipnotizante e inconmensurable, una obra maestra surrealista que juega en nuestra conciencia como un sueño familiar que es tanto cómico como inolvidable, dejándonos confundidos.

Es tanto la mas descaradamente abstracta película de Fellini, asi como la película que nos acerca mas a su propia vida. Cuando comenzó a hacerla, estaba (al igual que el personaje principal) experimentando un bloqueo creativo luego del inesperado éxito internacional de su anterior película, La Dolce Vita (1960). Había ganado celebridad, riqueza y era aclamado por los críticos, pero por donde seguir? Si un director en su posición no tiene nada mas que decir, todavía es posible realizar una película? en 8½ estaba la respuesta.

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Goran Paskaljevic
Título Original: Varljivo leto ´68
País: Yugoslavia
Año: 1984
Género: Comedia
Guión: Gordan Mihic
Director: Goran Paskaljevic
Fotografía: Aleksandar Petkovic
Edición: Olga Skrigin
Música: Zoran Hristic
Producción: Centar FRZ
Duración: 91 minutos
Intérpretes: Ivana Mihic (Vladica Cvetkovic), Slavko Stimac (Petar Cvetkovic), Danilo 'Bata' Stojkovic (Veselin Cvetkovic), Mija Aleksic (Deda), Mira Banjac (Petrova majka), Sanja Vejnovic (Ruzenjka Hrabalova), Neda Arneric (Olja Miranovski), Milutin Butkovic (padre de Spasojev), Dara Calenic (Director de la orquesta), Branko Cvejic (Spasoje … panadero), Borivoje Kandic (Djoka), Milos Kandic (Conferencista), Radoslava Marinkovic, Zika Milenkovic (Peluquero), Ratko Miletic, Predrag Milinkovic (chofer de Veselinov), Andrija Mrkaic (Tadija Cvetkovic), Branka Petric (Leposava), Lidija Pletl, Miodrag Radovanovic (Micic…..magistrado), Zoran Ratkovic (hermano de Spasojev), Dragica Ristovic, Vladan Savic, Aleksandra Simic, Jelica Sretenovic (Secretaria), Predrag Tasovac, Dragana Varagic (Jagodinka Simonovic), Eugen Verber, Andrijana Videnovic, Dragan Zaric (Director del Gimnasio), Irena Zmukic, Sanja Zmukic.

Esta hermosa y graciosa película se centra en el hijo mayor, Petar (Slavko Stimac), de una familia manejada por un estricto y autoritario padre, encarnado magníficamente por Danilo Bata Stojkovic. El joven Petar lucha para graduarse de la secundaria principalmente por una razón, esta tan encaprichado con su maestra de Marxismo que no puede pensar en otra cosa mas que en ella durante sus clases. Cuando llega la graduación, le miente a su padre sobre haber aprobado todas las materias mientras en realidad ha fallado en Marxismo.

Por supuesto, la verdad no es fácil de ocultar y cuando eventualmente sale a la luz, su padre se horroriza y decide castigarlo. En este punto se suceden una serie de escenas con la esposa del panadero, y cuanta mujer se le cruce en su camino. Más complicaciones y giros cómicos siguen llegando y llegando y la risa no cesa.  Toda esta situación sucede durante una época muy turbulenta, la revolución estudiantil del verano del 68.

Reminiscencias del tema del comienzo de la adolescencia en anteriores películas como Black Meter de Milos Forman o Closely Watched Trains de Jiri Menzel, el director Goran Paskaljevic comparte la visión cómica de sus compañeros checos mostrando la agonía del primer e inseguro amor. Paskaljevic es un maestro de la comedia social y todos los actores hacen increíbles trabajos, probablemente el mejor trabajo de Slavko Stimac.

Samuel Fuller
Título Original: Shock Corridor
País: Estados Unidos
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Samuel Fuller
Director: Samuel Fuller
Fotografía: Samuel Fuller y Stanley Cortez
Producción: Leon Fromkess
Duración: 101 minutos
Intérpretes: Peter Breck (Johnny Barrett), Constance Towers (Cathy), Gene Evans (Boden), James Best (Stuart), Hari Rhodes (Trent), Larry Tucker (Pagliacci), Paul Dubov (Dr. J.L. Menkin), Chuck Roberson (Wilkes), Neyle Morrow (Psicópata), John Matthews (Dr. L.G. Cristo), Bill Zuckert ('Swanee' Swanson), John Craig (Lloyd), Philip Ahn (Dr. Fong), Frank Gerstle (Tte. Kane), Rachel Romen (nimfómana cantante).

Esta obra precursora de One Flew Over The Cuckoo's Nest (Atrapado sin salida, 1975), escrita, producida y dirigida por Samuel Fuller (The Big Red One), a pesar de los doce años que la separan de la ganadora obra maestra de Milos Forman, personalmente siento que Shock Corridor es una película mas sutil e inquietante.

En este clásico desvalorado Peter Breck nos regala una fenomenal actuación como Johnny Barreto, un reportero de un diario quien se interna en un asilo mental para exponer públicamente el tratamiento que se le da a los internos. Pero pronto se encuentra temiendo por su propia cordura cuando el mismo se encuentra siendo abusado. La situación no lo ayuda cuando comienza a tener inquietantes sueños sobre su novia desnudista (Constante Towers) a quien le esconde una ira secreta por exponerse ante otros hombres. Sin embargo Johnny también se gana la no deseada atención de media docena de atractivas y trastornadas mujeres quienes desean degradarlo y explotarlo sexualmente. Quien dijo que solo las mujeres son victimas? Desafortunadamente parte del sincronismo del audio es horroroso, especialmente en esta escena y como resultado, el potencial poder de esta secuencia disminuye de alguna manera.

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En Mulholland Drive hay dos partes: una parte real y un sueño que ocurre al final de esa parte real, solo que Lynch muestra primero el sueño y luego la parte real. En la parte real, Diane (la rubia, interpretada por Naomi Watts) es una de tantas actrices provenientes de un pueblo pequeño que llegan a Hollywood para convertirse en estrella, pero lamentablemente es una actriz mediocre. En un casting para una película, conoce a una chica llamada Camila (el personaje de Laura Harring), que es la que obtiene el papel principal. A pesar de esto, se hacen amigas, se van a vivir juntas y se enamoran. Camila empieza a tener gran éxito en Hollywood, y a pesar de ayudar a Diane a conseguir papeles pequeños en las películas que ella protagoniza, esta comienza a tener celos de Camila, acentuados cuando empieza a sospechar que sale con el director de una de sus películas (Adam). Finalmente, se terminan peleando, y Diane echa a Camila de casa. Un tiempo mas tarde, Camila la llama, diciéndole que le ha enviado un coche, que la va a llevar a una fiesta en la casa de Adam.

En esa fiesta (que es fundamental para entender la “realidad” de la película), conoce a varias personas, por ejemplo a Coco, la madre de Adam. Diane es humillada por los invitados, y estalla de celos al ver como Camila en un momento besa a una chica de la fiesta (la cara de la chica se le quedará grabada en su subconsciente por la carga emocional del momento). Acto seguido, Camila y Adam anuncian su compromiso, lo cual rompe definitivamente el corazón de Diane. Tras esto, ve por casualidad salir de la fiesta a un invitado con sombrero de cowboy. Es solo un invitado más, sin importancia, pero el subconsciente lo guarda en su archivo particular. Después de la fiesta, Diane contrata en un bar a un asesino para que mate a Camila. Este le dice que cuando terminé su trabajo le hará llegar una llave azul por debajo de su puerta. Cuando está hablando con él, observa que la camarera se llama “Betty” (otro elemento que quedara archivado en su subconsciente).

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Terry Gilliam
Título Original: Brazil
País: Reino Unido
Año: 1985
Género: Ciencia Ficción
Guión: Terry Gilliam, Tom Stoppard, Charles McKeown
Director: Terry Gilliam
Fotografía: Roger Pratt (color)
Música: Michael Kamen
Producción: 20th Century Fox
Duración: 142 minutos
Intérpretes: Jonathan Price (Sam), Robert de Niro (Tuttle), Kim Greist (Jill), Katherine Helmond

Brazil evoca la melancolía, la calidad de ensueño de su música, una traducción de un tema brasilero de 1939 llamado “Aquarela do Brasil”. En esta película escapista, Brazil esta representada como un romántico y fantasioso lugar que es el opuesto de los países sombríos del norte. William se inspiró por esta canción para crear el gobierno totalitario y el humor distónico del filme.

La película se centra en Sam Lowry, un joven hombre tratando de encontrar una mujer que aparece en sus sueños mientras trabaja en un trabajo que le adormece la mente y vive su vida en un pequeño departamento, en un distónico mundo en el cual se depende de unas pobres poco mantenidas maquinas. El gobierno burocrático y totalitario es una reminiscencia del gobierno Británico representado en la novela 1984 de George Orwell.

Jack Mathews, un critico de cine y autor del libro La batalla de Brazil (1987), caracteriza a la película como “una sátira del disfuncional y burocrático mundo industrial que ha vuelvo loco a Gilliam toda su vida”. Mientras que la película fue un fracaso en la época de su lanzamiento, se ha convertido en un clásico.

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Luis Buñuel
Título Original: Viridiana
País: España
Año: 1961
Género: Drama psicológico
Guión: Luis Buñuel y Luis Alejandro
Director: Luis Buñuel
Fotografía: José F. Aguayo (BN)
Música: fragmentos del Messia de Haendel y del Requiem de Mozart.1
Producción: Gustavo Alatriste (Unici y Films 59, Madrid)
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Silvia Pinal (Viridiana), Fernando Rey (don Jaime), Francisco Rabal (Jorge), Margarita Lozano (Ramona), Victoria Zinny (Lucia), Teresa Rabal (Rita), José Calvo, Joaquín Roa, José Manuel Martín.

Después de un largo exilio, en 1961 Luis Buñuel regresa a España para filmar Viridiana. Basada en una novela de Galdos, la película explora que pasa cuando un grupo de renegados se vuelven en contra de su protector, la epónima heroína de la película. La película se ocupa de temas tabúes como el incesto y muestra la caridad cristiana como fútil. Todo culmina con una reproducción blasfema del cuadro de Leonardo Da Vinci “La ultima cena”, completado con el Messiah de Haendel. La película produjo la indignación del ala derecha del gobierno de Franco, especialmente cuando ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Viridiana completa su transformación de una novata a una hermosa y disponible mujer en 90 minutos de la mano de Buñuel. No hay un malvado tío y corrupción: hay una suntuosa selección de seres humanos llevando su vida diaria en la España de Franco de finales de los años 50.

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Jean Cocteau
Título Original: La Belle et la Bête
País: Francia
Año: 1946
Género: Romance, Drama
Guión: Jean Cocteau, a partir de un cuento de Mme. Leprince de Beaumont.
Director: Jean Cocteau
Diálogos: Jean Cocteau
Dirección Artística: Christian Bérard
Fotografía: Henri Alekan (BN)
Música: Georges Auric
Producción: André Paulvé
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Jean Marais (la Bestia, Avenant, el Príncipe), Josette Day (la Bella), Marcel André (su padre), Mila Parély, Nane Germon (las hermanas), Michel Auclair (Ludovic).

La Bella y la Bestia no necesita los efectos especiales digitales de hoy; todavía funciona perfectamente con sus maravillas de baja tecnología pero profundamente resonantes. Cocteau crea simples pero magníficos e inolvidables cuadros, desde un corredor con brazos sin cuerpo sujetando candelabros que explotan en llamas mientras pasas, a las lagrimas que ella derrama mientras llora sobre el destino de la Bestia para luego convertirse en diamantes, a la ascensión final de la Bella y el Príncipe Ardent. Que pude superar el poder de ensueño de la Bella deslizándose en cámara lenta, a través del castillo encantado, o la sombra desproporcionadamente grande de su padre empujando las puertas del castillo. Esta la magia indefinible de la escena en la casa solariega con grandes sabanas blancas secándose al sol, creando siluetas de un poder llamativo. (El equipo se paso semanas buscando por todos lados por sabanas sin parches, un lujo insólito para la Francia de posguerra).

Cocteau sabia que para que su película resonara por completo necesitaba alejarse de su fantasía poética, así que la salpica con varios momentos hilarantes. Tomen la escena donde las dos hermanas malvadas de la Bella, las que proveen muchos de los momentos cómicos de la película, están oliendo cebolla para que puedan pretender que están llorando desesperadamente por el regreso de la Bella con la Bestia (todo el tiempo complotando su venganza). Otro de los momentos cómicos es cuando las hermanas buscan en el espejo mágico y una se ve como una vieja bruja marchita, mientras que la otra se ve como un mono.

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Robert Bresson
Título Original: Les dames du Bois de Boulogne
País: Francia
Año: 1945
Género: Drama
Guión: Robert Bresson, a partir de un pasaje de Santiago el Fatalista de Diderot.
Director: Robert Bresson
Diálogos: Jean Cocteau
Fotografía: Philippe Agostini (BN)
Música: Jean-Jacques Grunenwald
Producción: Raoul Ploquin
Duración: 84 minutos.
Intérpretes: María Casares (Hélène), Paul Bernard (Jean), Élina Labourdette (Agnès), Lucienne Bogaert (Mme. D.), Jean Marchat (Jacques), Giles Quéant.

Esta única historia de amor, basada en una novela de Denis Diderot, con diálogos escritos por Jean Cocteau, sigue las maniobras de una dama de sociedad mientras conspira para iniciar una aventura amorosa escandalosa entre su ex amante aristocrático y una prostituta. Con su segunda película, el director Robert Bresson ya había forjado su técnica de rodaje brillantemente singular mientras creaba un estudio sobre el poder de la venganza y la fuerza del verdadero amor.

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Milos Forman
Título Original: Horí, má panenko
País: Checoslovaquia
Año: 1967
Género: Comedia
Guión: Milos Forman, Ivan Passer, Jaroslav Papousek
Director: Milos Forman
Fotografía: Miroslav Ondricek
Música: Karel Mares
Coproducción: Checoslovaquia, Italia.
Duración: 74 minutos.
Intérpretes: Jan Vostrcil (Jefe del Comité), Josef Sebanek (Miembro del Comité #2), Josef Valnoha (Miembro del Comité), Frantisek Debelka (Miembro del Comité #1), Josef Kolb (Josef), Jan Stöckl (Jefe de Bomberos retirado), Vratislav Cermák (Miembro del Comité), Josef Rehorek (Miembro del Comité #4), Václav Novotný (Miembro del Comité), Frantisek Reinstein (Miembro del Comité), Frantisek Paska (Miembro del Comité), Stanislav Holubec (Karel), Josef Kutálek (Ludva), Frantisek Svet (hombre viejo), Ladislav Adam (Miembro del Comité).

Milos Forman puede ser no tan fácilmente reconocido como alguno de sus contemporáneos europeos, pero no se puede decir lo mismo de su trabajo. Su producción de 1975 para Hollywood, Atrapado sin salida (One Flew Over The Cuckoo´s Nest), barrio con los premios de la Academia con 5 trofeos, incluyendo el de Mejor Director para Forman y el de Mejor Actor para Jack Nicholson. Lujosas producciones siguieron en su carrera con Hair y Ragtime. Amadeus de 1984 se llevó 8 Oscars, incluyendo la de Mejor Director y Película, Larry Flint aseguró la tercera nominación de Forman para el rubro Mejor Director. Nacido en Checoslovaquia, fue criado en orfanatos después que sus padres fueron ejecutados en Auschwitz. Estudió en la Escuela de Cine de Praga, cuyos alumnos incluían a Jiri Menzel, Jan Nemec e Ivan Passer, un frecuente colaborador en sus películas. Se volvió una fuerza dominante en la Nueva Ola checoslovaca cuando fue nominado para el Oscar a la Mejor Película Extranjera por su película de 1965, Amores de una Rubia (Lásky jedné plavovlásky). Lanzada en el clima político tenso de la Primavera de Praga del año 1967, su sucesor, El Baile de los Bomberos, se transformo en un momento decisivo de su carrera.

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