Que Quentin Trantino con sus collages cinematográficos ha inspirado a otros tantos realizadores contemporáneos es una realidad, que con su maestría díptica en Kill Bill puso el cine de asiático en el punto de mira de productores, cinéfilos y público mainstream, es un hecho, aunque no es menos cierto que también puso en boga a ciertos repelentes intelectuales que en realidad odian el séptimo arte. Otro tipo de producciones más o menos inspiradas y con un uso megalómano de lo esteticista también han sabido incorporar (con mejor o peor fortuna) en sus relatos, o en su desarrollo visual, parte de los clichés que integran algunos géneros autóctonos de algunas cinematografías asiáticas.

Tal es el caso de El Camino del Guerrero (Sngmoo Lee, 2010), que como su predecible título indica, busca presentar la filosofía que emana del “bushidô” a través de un guerrero solitario (Jang Dong-gun), quien ha huido de un clan de asesinos milenarios del que forma parte junto con un bebé que resulta ser la última estirpe de un grupo rival, refugiándose en un poblado del medio oeste norteamericano asediado constantemente por unos bandidos que trafican con esclavos. Obviamente será perseguido de forma vengativa por su “si fu” (interpretado por el veterano actor hongkonés Ti Lung, mítico rostro de la Shaw Brothers), es decir, su maestro, por desertar.
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Federico Fellini está deprimido, una sensación que desconoce por completo, pero estos síntomas son inequívocos: una caída libre en lo oscuro, un vaciamiento, una bruma que ensombrece su humor y anula su voluntad. Nunca antes le ha pasado, nunca se ha tomado nada demasiado en serio en su vida, porque hasta ahora todo pasaba, y el buen humor y las ganas de vivir retornaban enseguida, pero esta vez la cosa viene en serio. El año es 1955, acaba de estrenar La strada, en el extranjero lo celebran, pero en Italia lo despellejan de la derecha a la izquierda. Natalia Ginzburg le recomienda el psicoanalista que la sacó a ella del pozo unos años antes. Es un judío austríaco, junguiano, llamado Ernst Bernhard. La Ginzburg, igual de remisa que Fellini a la exploración de la psique, le cuenta que ese hombre la devolvió a la vida cuando los nazis mataron a su marido Leone y ella quedó viuda, sin trabajo y con dos hijos pequeños al fin de la guerra (“Yo llegaba a su consulta y me esperaba un vaso de agua y una rodaja de limón en una bandejita junto al diván. Me acostaba y sentía la brisa que entraba por la ventana y miraba el vaso y la primorosa rodaja de limón y escuchaba la voz de Bernhard. Sólo puedo decirte que, cuando me hablo a mí misma hoy, en la noche oscura, me descubro una leve y reconfortante pronunciación austríaca”). Fellini va a la consulta de Bernhard, pero se sofoca en el diván, no puede, el médico abre la ventana para que entre aire, Fellini ve que afuera está por caer uno de esos gloriosos chaparrones de verano que hay en Roma, inventa una precipitada excusa y sale corriendo, se adentra en una plaza dejando que el agua lo empape; cuando se queda sin fuerzas, se queda con los ojos cerrados y los brazos caídos, perdido en la lluvia, hasta que de golpe se materializa un paraguas sobre su cabeza y una voz femenina le dice: “¿Quiere protegerse?”. Esperaron juntos el fin del chaparrón, se besaron, ella le dio su número de teléfono y le dijo que tenía que irse. Fellini tardó una semana en atreverse a llamar. Cuando lo hizo, atendió el teléfono una voz con acento austríaco: había llamado al doctor Bernhard. Read more »

La irrupción del cine soviético en España llegó a través de una cinta inesperada: ‘El Quijote‘ del director ucraniano Grigori Kózintsev. Los cines Palafox de Madrid acogieron en junio de 1966 el primer estreno autorizado de una producción de origen soviético tras la Guerra Civil. En las postrimerías del franquismo se abrió la brecha a proyecciones no comerciales. Esta producción mostraría, a través de la figura del famoso hidalgo, una radiografía de los últimos años de Stalin en la Unión Soviética.

“Las relaciones entre España y la URSS tuvieron unas fronteras ideológicas muy rígidas durante toda la dictadura franquista. Y El Quijote de Kózintsev sirvió como puente cultural para abrir las puertas al cine ruso”, señala Jorge Latorre, uno de los autores del estudio Recepción del cine soviético en España.

Corría el año 1966. El cine de autor crecía de manera efervescente tras la aprobación de la Ley de Prensa. En la última etapa de la dictadura, la autorización para las exhibiciones cinematográficas fue mucho más amplia. El ministro Manuel Fraga permitió a partir de diciembre de 1965 la importación de películas procedentes del bloque soviético.

Sus espectadores eran personas interesadas en el cine de arte y ensayo procedentes de la Escuela de Cinematografía de Madrid. Intelectuales universitarios contrarios al régimen político que se reunían en torno a cineclubes, donde abundaban los títulos extranjeros que eludían a la censura. El cine soviético podía llegar a estos pequeños círculos y este fue el contexto de la llegada de El Quijote de Kózintsev.
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Basada en el libro de 1997 del mismo Burton titulado “The melancholy death of Oyster Boy & other stories”, la serie se realizó en 2000 y en principio estaban planeados 26 capítulos. Burton volvió a utilizar el personaje en otras oportunidades, como cuando en 2010 realizó con la ayuda de Twitter este Cadáver Exquisito.

Episodio 1 “Stare Girl”

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Mario Casas y María Valverde hablan de un proyecto con un resultado notable que ha tardado cuatro años en estrenarse y que llega a los cines con un director llamado «Anónimo»

Dicen los actores de «La mula» -y no sabemos si lo dicen en broma o en serio-, que han escuchado el rumor de que el rodaje de la película acabará inspirando el argumento de otra. Y no sería de extrañar… si tenemos en cuenta los avatares que ha atravesado uno de los proyectos más convulsos de nuestro cine reciente. Es la primera cinta en años que cuenta la Guerra Civil desde las filas del bando nacional, la historia está sustentada por una novela de éxito de Eslava Galán, cuenta con algunas de las caras más conocidas por el gran público -como la de Mario Casas- y se ha visto envuelta en varios litigios judiciales que han retrasado su estreno durante años. No le falta ni un detalle, es la tormenta perfecta. Read more »

Hasta un subgénero del cine español hace referencia a él. El “Landismo”, que tuvo su apogeo en las décadas del 60 y del 70, fue un producto derivado de las actuaciones suyas: Alfredo Landa, un actor ibérico fundamental, falleció ayer a los 80 años.

Había nacido en 1933 en Pamplona y su familia se trasladó a San Sebastián cuando era chico. En el Teatro Español Universitario descubrió su pasión por la actuación. “Recuerdo un día, volviendo de noche a casa después del ensayo, que empecé a repetirme sin parar: ‘Yo tengo que ser cómico, tengo que ser cómico“, contó alguna vez, según publicó el diario El País. Read more »

Vuelve David Lynch a darse una vuelta. ¿Quien no conoce a David Lynch? ¿Acaso ha vivido bajo una roca durante los últimos cuarenta años? El Sr. Lynch es responsable de verdaderos íconos de la cultura pop como la clásica y siempre referenciada serie de televisión Twin Peaks o la película que a todos los voló la cabeza Eraserhead. ¿Nada aún? Lynch fue el responsable finalmente llevar a la pantalla grande la obra de Frank Herbert, Dune, luego que el gran vendehumos Alejandro Jodorowsky no pudiera concretar el proyecto. ¿Todavía nada? Bueno, entonces lea la siguiente entrada y conozco un poco más a este reputado director y luego vaya a ver alguna de sus películas.

De esta forma seguimos con esto que conocemos como Dichos del Director en el que Lynch habla sobre las obsesiones personales y cómo debemos afrontarlas. Read more »

A pesar de que el olor del cine de autor ronda siempre la croisette, podemos asegurar por Cannes no solo han pasado películas para finísimos paladares. A punto de arrancar una nueva edición del festival de cine francés, empieza el 15 de mayo, te proponemos diez películas que estuvieron allí y que puedes ver en pijama y con cantidades industriales de palomitas.

1. ‘Pulp Fiction’

Quentin Tarantino dio la sorpresa en Cannes y se llevó la Palma de Oro con ‘Pulp Fiction‘. Protagonizada por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson y Uma Thurman, la cinta nos ha dejado escenas míticas como el baile de Vincent Vega y Mia, el pasaje bíblico de Jules, la hamburguesa de L.Jackson, la violación a Marsellus Wallace o el robo de la cafetería.

Esta película ya forma parte de la historia del cine y si quieres alguna razón más para verla te diremos que Daniel Day-Lewis, Liam Neeson y Mel Gibson fueron considerados para el papel antes de que Travolta fuera escogido para el rol. Read more »

La filmografía de un cineasta como Emir Kusturica es casi tan peculiar como su propia trayectoria vital. Futbolista antes que cineasta, posteriormente también se prodigaría a través de la interpretación y la música, alternando en su filmografía el cine de ficción con las propuestas documentales. No demasiado prolífico, aunque constante, estrena una media de tres películas por década y si Prométeme (Zavet, 2007), fue la última, ya era tiempo de que anunciara la sigueinte: El amor y la guerra  (Ljubav i rat).

Pocos detalles se conocen de este proyecto, salvo que estará protagonizado por Monica Bellucci y el propio cineasta, cuyo rodaje debe estar a punto de comenzar en la ciudad de Trebinje (Bosnia-Herzegovina), y se extendiera a lo largo de junio. Invitada para la sexta edición del Festival Internacional de Cine Kustendorf, que se celebra en Drvengrad, un poblado folklórico diseñado por el propio Kusturica, situado al oeste de Serbia, la actriz italiana estaba encantada ante la posibilidad de rodar en los Balcanes, deseosa de conocer tanto la gente como la zona. Read more »

Martin Scorsese
Título Original: Raging bull
País: Estados Unidos
Año: 1980
Género: Drama
Guión: Jake LaMotta, Paul Schrader, Mardik Martin
Director: Martin Scorsese
Fotografía: Michael Chapman
Montaje: Thelma Schoonmaker
Música: Jim Henrikson, Orchestra del Teatro Comunale di Bologna
Producción: Robert Chartoff, Hal W. Polaire, Peter Savage, Irwin Winkler
Duración: 129 minutos
Intérpretes: Robert De Niro (Jake La Motta), Cathy Moriarty (Vickie La Motta), Joe Pesci (Joey), Frank Vincent (Salvy), Nicholas Colasanto (Tommy Como), Theresa Saldana (Lenore), Mario Gallo (Mario), Frank Adonis (Patsy), Joseph Bono (Guido), Frank Topham (Toppy), Lori Anne Flax (Irma)

Pocos cineastas estadounidenses son tan conocidos como Martin Scorsese (NY, 1942), lo que hace innecesaria cualquier presentación. Con una carrera que cubre 45 años, una veintena de largometrajes, casi otros tantos documentales y mediometrajes, se ha convertido en el representante de un cine de autor a la americana por excelencia y en el mejor de ese grupo de cineastas que relanzó el cine de su país en los años 70. Algo más: por su fidelidad a la cinefilia –que lo ha llevado a crear una fundación para la restauración de cintas de valor histórico de muy diversas cinematografías– se ha convertido en un ícono para los aficionados al cine. Read more »