Pier Paolo Pasolini
Título Original: I racconti di Canterbury
País: Italia
Año: 1972
Género: Drama, Comedia
Guión: Pier Paolo Pasolini basado en la obra de Goffrey Chaucer
Director: Pier Paolo Pasolini
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli
Música: Ennio Morricone
Producción: Alberto Grimaldi
Duración: 112 minutos
Intérpretes: Hugh Griffith (Sir Enero), Laura Betti (su esposa de Bath), Ninetto Davoli (Perkin), Franco Citti (el Diablo), Josephine Chaplin (Mayo), Alan Webb (hombre viejo), Pier Paolo Pasolini (Geoffrey Chaucer), J.P. Van Dyne (el cocinero), Vernon Dobtcheff (Franklin), Adrian Street (luchador), O.T. (jefe caza brujas), Derek Deadman (el Perdonador), Nicholas Smith (Friar), George Bethell Datch (Anfitrión de Tabard), Dan Thomas (Nicholas), Michael Balfour (John el carpintero), Jenny Runacre (Alison), Peter Cain (Absalom), Daniele Buckler (Cazabrujas), John Francis Lane (Greedy friar), Settimo Castagna (Angel), Athol Coats (homosexual rico), Judy Stewart-Murray (Alice), Tom Baker (Jenkin), Oscar Fochetti (Damian), Willoughby Goddard (Placebo), Peter Stephens (Justinus), Giuseppe Arrigio (Pluto), Elisabetta Genovese (Prosperine), Gordon King (canciller), Patrick Duffett (Alan), Eamann Howell (John Tiziano Longo), Eileen King (esposa de Simkin), Heather Johnson (Molly), Robin Askwith (Rufus), Martin Whelar (Jack la justicia), John McLaren (Johnny la gracia), Edward Monteith (Dick el gorrión), Franca Sciutto, Vittorio Fanfoni.

Esta adaptación de la renombrada colección de historias de Chaucer fue la segunda película de la cual Pier Paolo Pasolini paso a llamar la “Trilogía de la vida”, un tríptico cinemático el cual había comenzado un año antes con El Decamerón (1970), una interpretación sexualmente explicita y visualmente suntuosa de la igualmente famosa colección de historias cortas de Boccaccio, la cual terminaría años mas tarde con Il fiore di mille e una notte (1974), una hipnotizante adaptación similar de historias de Las mil y una noches.

Dado lo dificultoso y provocativo de las películas que Pasolini había inyectado dentro de la altamente cargada atmósfera política de finales de la década de 1960 en Italia –ideológicamente- confrontando con ensayos cinematográficos como Teorema (1968), y Porcile (1969) –esta trilogía de películas coloridas y altamente agradables fueron interpretadas por muchos como señalizando el abandono de Pasolini de su autoproclamado rol como un tábano intelectual y un agente provocateur de la burguesía italiana, un rechazo que fue ampliamente confirmado por el final de Cuentos de Canterbury donde el mismo Pasolini, bajo la apariencia de Geoffrey Chaucer, escribe en la pantalla: “Aquí acaban los Cuentos de Canterbury, contados por el solo placer de contar. Amén”. Mas tarde, sin embargo, paradójico como siempre, Pasolini vigorosamente lo mantendría, las películas de la Trilogía, de cierta manera, lo más ideológico de su carrera. Por el principio guiador de la Trilogía, afirmó, fue una celebración de la vida en toda su fisicalidad y carnalidad, una exaltación la cual la película llevó a cabo a través de una especie de carnaval de lo primitivo, deseando los cuerpos humanos como si instintivamente luchara y alegremente transgrediera los límites represivos instaurados por la moralidad religiosa y burguesa. Pasolini de este modo volteó la excesiva previsible carga de haber jugado demasiado con los elementos sexuales en las historias originales en una defensa. Como repetidamente trato de explicar en entrevistas, el sexo y los cuerpos desnudos eran precisamente la cuestión de sus películas; y han sido los críticos los que se lo han perdido! Habiendo luchado tan intensamente para eliminar el sexo de sus películas, dijo, muchos críticos las han encontrado vacías de contenido, completamente perdiendo de vista del hecho de que el contenido de las películas estaba ahí, en la pantalla, en ese inmenso agujero sobre sus cabezas el cual trataron tan fuertemente de no entender.

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Ingmar Bergman
Título Original: Fängelse
País: Suecia
Año: 1949
Género: Drama
Guión: Ingmar Bergman
Director: Ingmar Bergman
Fotografía: Göran Strindberg (BN)
Edición: Lennart Wallén
Música: Erland von Koch
Producción: Lorens Marmstedt
Duración: 98 metros
Intérpretes: Doris Svedlund (Birgitta Carolina Soederberg), Birger Malmsten (Thomas), Eva Henning (Sofi), Hasse Ekman (Martin Grande), Stig Olin (Peter), Irma Christenson (Linnea), Anders Henrikson (Paul), Marianne Löfgren (Mrs. Bohlin), Bibi Lindqvist (Anna), Curt Masreliez (Alf).

Incluso con algunas familiaridades de los austeros psicodramas y reflexiones en un universo sin dios que generó muchas de las posteriores películas de Ingmar Bergman, el tema principal de El demonio nos gobierna, hecha en 1949, todavía produce sacudidas. Las primeras películas de Ingmar Bergman en la década de 1940 ciertamente han tenido oscuros elementos, los cuales eran evidentes hasta cierto punto en sus películas inmediatamente anteriores a El demonio nos gobierna, Eva y la neorrealista Port of Call, pero por lejos fueron mas melodramas sociales, adaptados de la literatura popular para una audiencia comercial. El demonio nos gobierna fue sin embargo la primera película de Ingmar Bergman donde tuvo un control completo sobre todo, desde el guión hasta la dirección, y el tono es perceptiblemente mas oscuro. Dándose cuenta que esta no era la clase de película que la Svensk Filmindustri podría financiar, Ingmar Bergman le entregó el guión a Lorena Marmstadt y su estudio independiente Terrafilm, para el cual Bergman previamente había hecho Noche eterna. Por necesidad, ya que no iba a ser una película comercial, El demonio nos gobierna debía tener un presupuesto y un tiempo de realización muy limitados, pero la película resultante es mas consecuentemente tensa, lóbrega, dramática y cercana al puro Bergman que las otras películas de la década de 1940.

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Tanto en la vida diaria como en el arte, existen seres humanos a los que les gusta nadar contra corriente. Y el mundo del cine no es la excepción a esta regla. En estos tiempos de superproducciones, hay una categoría que es poco a poco arrinconada, pero que se resiste a morir.

Es el cine de autor, que el director Jean-Luc Godard definió como “aquel que puede demostrar que hace una buena película”. En este concepto se ubica el director norteamericano David Lynch, un realizador que, parafraseando a Francis Ford Coppola, hace un cine tipo guerrilla. Cine que logra incomodar o gustar, pero que no deja nunca indiferente.

Pero ¿quién es David Lynch? Nació en Montana el 20 de enero de 1946, hijo de una familia clase media norteamericana. En su juventud realizó estudios de arte en la Pennsylvania Academy of Fine Arts.

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 "Hola, soy Terry Gilliam y tengo una confesión que hacer. A muchos de ustedes no les va a gustar esta película. Muchos de ustedes la van a amar y por otro lado, habrá muchos de ustedes que no sabrán qué pensar cuando termine… pero con suerte, estarán pensando. Esta película supone ser los ojos de un niño. Si es chocante es porque es inocente. Les sugiero que traten de olvidar todo lo que han aprendido como adultos, aquellas cosas que limitan su mirada del mundo, sus prejuicios, sus preconceptos, traten de redescubrir lo que era ser un niño. La sensación de asombro e inocencia… y no olviden reír. Recuerden: los niños son fuertes, resistentes, están diseñados para sobrevivir; cuando se los deja caer rebotan. Yo tenía 64 años cuando rodé esta película y creo que finalmente descubrí el niño en mí. Resultó una niña pequeña. Gracias, gracias, gracias…"

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Escultor y cineasta, el lituano Deimantas Narkevicius (Utena, 1964) parece atrapado en un bucle temporal. O, al menos, sus películas. La memoria y el pasado pos-soviético de su país asoman de forma ambigua, entre el documento y la ficción, en la primera retrospectiva que se hace de su obra en el Museo Reina Sofía, de Madrid.

PREGUNTA. Películas en museos. ¿Por qué son los museos sitios más adecuados para ver películas como las suyas?

RESPUESTA. Los museos no son sitios mejores ni peores que los cines para ver películas. Son lugares diferentes. Todo lo que se expone en un museo tiene más relación con la historia de las artes visuales que con la historia del cine, que sólo tiene poco más de cien años de antigüedad. Debido a la comercialización del cine convencional, las artes visuales han seguido siendo más innovadoras y experimentales que el cine. No es casualidad que, allá por los años setenta, Jean-Luc Godard empezase a mostrar sus obras videográficas en una galería. Las artes visuales siguen siendo menos una industria que el cine. Incluso cuando la gente va al cine no suele relacionar una película con una forma de arte. Lo que busca es diversión. Cuando la gente entra en un museo sigue buscando algo que sea arte. Me gusta bastante esta antigua división entre ambas instituciones y espero que dure.

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El cineasta Terry Gilliam está dispuesto a resucitar uno de sus viejos sueños, 'The man who killed Don Quixote' ('El hombre que mató a Don Quijote') un accidentado proyecto sobre el personaje de Miguel de Cervantes cuyo rodaje se puso en marcha en el año 2000. Una cinta que nunca vio la luz ya que la filmación tuvo que ser paralizada a los seis días después de que una inundación arrasara con todos los decorados y el equipo. Luego, para terminar de hundir la producción, uno de sus actores principales, Jean Rochefort, cayó enfermo. Todavía no hay fecha para comenzar la filmación ya que, según confirmó el propio director, están a la espera de cuadrarlo con la apretada agenda de Johnny Depp, que interpreta a Sancho Panza.

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El director alemán Wim Wenders considera que sólo en Alemania se ve con malos ojos el concepto de "cine de autor".

El cineasta alemán Wim Wenders está convencido de que el término "cine de autor" es sólo negativo en Alemania, según dijo en una entrevista que hoy publica el diario alemán Neue Osnabrücker Zeitung.

 "En todos los demás sitios, incluso en Estados Unidos, es justo al contrario. Para los jóvenes estadounidenses, el cine europeo es el ídolo, la medida de todas las cosas", agregó el realizador.

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Stanley Kubrick
Título Original: A clockwork orange
País: Gran Bretaña
Año: 1971
Género: Drama, Thriller, Ciencia Ficción
Guión: Anthony Burgess, Stanley Kubrick
Director: Stanley Kubrick
Fotografía: John Alcott
Edición: Bill Butler
Música: Wendy Carlos
Producción: Stanley Kubrick
Duración: 136 minutos
Intérpretes: Malcolm McDowell (Alex), Patrick Magee (Sr. Alexander), Michael Bates (Jefe de Guardias), Warren Clarke (Dim), John Clive (Actor), Adrienne Corri (Sra. Alexander), Carl Duering (Dr. Brodsky), Paul Farrell (Tramp), Clive Francis (Lodger), Michael Gover (Alcalde de la prisión), Miriam Karlin (Catlady), James Marcus (Georgie), Aubrey Morris (Deltoid), Godfrey Quigley (Capellán de la prisión), Sheila Raynor (Mamá), Madge Ryan (Dra. Branom), John Savident (Conspirador), Anthony Sharp (Ministro), Philip Stone (Papá).

Consistente con el sexo y la brutalidad, teutónico en su humor, La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick puede ser el trabajo de un estricto y minucioso profesor alemán quien se propone realizar una comedia porno violenta de ciencia ficción. Hay algo mas sádico –y al final mas repelente- que un pornógrafo con pensamientos limpios? Las numerosas violacio0nes y golpizas no tienen ferocidad ni sensualidad; carecen de sentimiento, pedantemente calculadas, y porque no hay emoción motivante, el espectador puede experimentarlas como indignas y desear marcharse. La película se basa en la novela de Anthony Burgess tan estrechamente que el libro podría haber servido como el guión.

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Constantin Costa-Gavras
Título Original: État de siège
País: Francia
Año: 1972
Género: Drama
Guión: Constantin Costa-Gavras, Franco Solinas
Director: Constantin Costa-Gavras
Fotografía: Pierre-William Glenn
Edición: Françoise Bonnot
Música: Mikis Theodorakis
Producción: Jacques Henri Barratier, León Sanz, Jacques Perrin
Duración: 120 minutos
Intérpretes: Yves Montand (Philip Michael Santore), Renato Salvatori (Capitan Lopez), O.E. Hasse (Carlos Ducas), Jacques Weber (Hugo),Jean-Luc Bideau (Este), Maurice Teynac (Ministro de Seguridad Interna), Yvette Etiévant (Senadora), Evangeline Peterson (Mrs. Santore), Harald Wolff (Ministro de Relaciones Exteriores), Nemesio Antúnez (Presidente de la República), Mario Montilles (Asistente de Comisionado Fontant), André Falcon (Oficial Fabbri), Jerry Brouer (Anthony Lee), Roberto Navarrete (Comisionado Romero), Douglas Harris (Director A.I.D.).

En Uruguay, un oficial norteamericano, Michael Santote, es secuestrado por la guerrilla de izquierda Tupamaros. Sus captores lo acusan de ser un agente de la CIA, responsable del entrenamiento de la policía local en técnicas de tortura y anti sedición. Mientras que la guerrilla trata de extraerle una confesión a Santote, las autoridades, encabezadas por el gobierno de extrema derecha, se esta acercando.

Con una veta similar a las previas películas de Costa-Gavras, Z y La Confesión, Estado de Sitio es un elegante thriller político que hace una audaz declaración sobre el abuso de poder por los gobiernos en un país políticamente reprimido. Aunque no es nombrado como tal en la película, el blanco de Costa-Gavras es Uruguay (aunque la película fue filmada en Chile), y la historia esta basada en el caso de la vida real de un oficial norteamericano, Daniel Mitrione. Como es lógico la película fue cruelmente condenada en Estados Unidos por su contenido anti norteamericano y por su aparente glorificación del asesinato.

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Luis Buñuel
Título Original: Tristana
País: España
Año: 1970
Género: Drama
Guión: Luis Buñuel y Julio Alejandro basado en la novela Tristana de Benito Pérez Galdós
Director: Luis Buñuel
Fotografía: José F. Aguayo
Edición: Pedro del Rey
Escenografía: Enrique Alarcón
Música: Frédéric Chopin
Producción: Juan Estelrich, Joaquín Gurruchaga, Eduardo Ducay
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Catherine Deneuve (Tristana), Fernando Rey (Don Lope), Franco Nero (Horacio), Lola Gaos (Saturna), Antonio Casas (Don Cosme), Jesús Fernández (Saturno), Vicente Soler (Don Ambrosio), José Calvo (Bellringer), Fernando Cebrián (Dr. Miquis), Antonio Ferrandis, José María Caffarel, Cándida Losada (Ciudadano), Joaquín Pamplona, Mary Paz Pondal (Muchacha), Juanjo Menéndez (Don Cándido), José Blanch, Sergio Mendizábal (Director), Luis Aller, Luis Rico, Saturno Cerra, Jesús Combarro, Leonardo Scavino (como Leo Lenoir), Vicente Roca, Ximénez Carillo, Adriano Domínguez, José Riesgo, Rosa Luisa Goróstegui (como Rosa Gorostagui), Antonio Cintado, Pilar Vela, Lorenzo Rodríguez.

Tristana de Luis Buñuel es una crítica surrealista al catolicismo y al mundo moderno, contada a través de la historia del personaje del titulo de la película, quien es interpretada por Catherine Deneuve. Tristana es una joven española dejada al cuidado de Don Lope (Fernando Rey), un protector pero empobrecido aristócrata. Don Lope vende sus posesiones para evitar el trabajo manual y defiende las causas de los desposeídos y los oprimidos de la sociedad.

En este simple cuento, Buñuel ha hecho una maravillosamente compleja, divertida y vigorosa película que también cuenta con, a mi entender, el mejor elenco. Fernando Rey (Don Jaime en Viridiana) es esplendido –vanidoso, inteligente, orgulloso, imprudente. Catherine Deneuve es hermosa, por supuesto, pero nunca antes su belleza había sido mas precisa y enigmática, al comienzo, solo existe una pequeña insinuación de la mujer erótica dentro de la colegiala, y al final, una conciencia de la santa que alguna vez vivió dentro de esta majestuosamente deforme mujer.

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