Stanley Kubrick
Título Original: A clockwork orange
País: Gran Bretaña
Año: 1971
Género: Drama, Thriller, Ciencia Ficción
Guión: Anthony Burgess, Stanley Kubrick
Director: Stanley Kubrick
Fotografía: John Alcott
Edición: Bill Butler
Música: Wendy Carlos
Producción: Stanley Kubrick
Duración: 136 minutos
Intérpretes: Malcolm McDowell (Alex), Patrick Magee (Sr. Alexander), Michael Bates (Jefe de Guardias), Warren Clarke (Dim), John Clive (Actor), Adrienne Corri (Sra. Alexander), Carl Duering (Dr. Brodsky), Paul Farrell (Tramp), Clive Francis (Lodger), Michael Gover (Alcalde de la prisión), Miriam Karlin (Catlady), James Marcus (Georgie), Aubrey Morris (Deltoid), Godfrey Quigley (Capellán de la prisión), Sheila Raynor (Mamá), Madge Ryan (Dra. Branom), John Savident (Conspirador), Anthony Sharp (Ministro), Philip Stone (Papá).

Consistente con el sexo y la brutalidad, teutónico en su humor, La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick puede ser el trabajo de un estricto y minucioso profesor alemán quien se propone realizar una comedia porno violenta de ciencia ficción. Hay algo mas sádico –y al final mas repelente- que un pornógrafo con pensamientos limpios? Las numerosas violacio0nes y golpizas no tienen ferocidad ni sensualidad; carecen de sentimiento, pedantemente calculadas, y porque no hay emoción motivante, el espectador puede experimentarlas como indignas y desear marcharse. La película se basa en la novela de Anthony Burgess tan estrechamente que el libro podría haber servido como el guión.

La novela de Burgess de 1962 se ubica en una futura Inglaterra socialista (aproximadamente finales de la década de 1970 o comienzos de 1980) –una aburrida, rutinaria Inglaterra que errantes bandas de adolescentes aterrorizan por las noches. En observación del potencial amoral y destructivo de estas bandas de adolescentes, la fábula irónica de Burgess difiere de la novela 1984 de Orwell de una manera que parece proféticamente certera. La novela es narrada por el líder de una de estas bandas –Alex, un estudiante sádico falto de conciencia- y, narrada en su propia jerga (Nadsat, el dialecto especial de los adolescentes). El libro es de fácil lectura; Burgess, un compositor convertido en novelista, tiene un brillante sentido del lenguaje musical, y puedes captar los significados de las extrañas palabras mientras que los ritmos de la prosa se aceleran. Alex disfruta robar, violar, y destruir hasta que mata a una mujer y es enviado a prisión por catorce años. Luego de servir dos, se las arregla para salir con la condición de formar parte de un experimento, y es transformado en un robot moral que se enferma cuando piensa en sexo y violencia.

Puesto en libertad cuando es inofensivo, cae presa de sus antiguas victimas, quienes lo golpean y atormentan hasta que intenta suicidarse. Esto llega a la critica del gobierno que lo robotizó –transformado en una naranja mecánica- y es decondicionado, volviéndose nuevamente un matón, y ahora suelto y triunfante. Las ironías son diversas, pero Burgess es claramente un humanista; su punto de vista es la de un cristiano horrorizado por la posibilidad de una sociedad transformada en una naranja mecánica, en la cual la vida es tan mecanizada que los hombres pierden su capacidad de elección moral. Parece no haber otra forma en esta aburrida, y deshumanizada sociedad para los muchachos que soltar sus energías en el vandalismo y el crimen; hacen lo que hacen como algo habitual. Alex el sadista esta mecanizado tanto como el Alex bueno.

El Alex (Malcolm McDowell) de Stanley Kubrick no es mas que la expresión de cómo esta sociedad ha perdido su alma mientras que el es forzado a oponerse a la sociedad, y haciendo que las victimas de los matones sean mas repulsivas y despreciables que los matones, Kubrick ha aprendido a amar el sadismo punk. El final no es el irónico triunfo del matón mecanizado sino un triunfo real. Alex es la única persona agradable que vemos –su sádica bravuconería lo sugiere claramente- más vivo que cualquier otra persona en la película, y más joven y más atractivo, y McDowell hace el papel exuberantemente, con el poder y astucia de un joven Cagney. A pesar de lo que Alex hace al comienzo, McDowell es torturado, golpeado y humillado, pero cuando su descarada, agresiva naturaleza es restaurada es una victoria que compartimos. La mirada de Alex al final nos cuenta que no es solo un mecanizado sadista sin elección, sino que prefiere el sadismo y sabe que puede obtenerlo. Lejos de ser una pequeña parábola sobre los peligros de la falta de cualidades humanas y los horrores de la fuerza, ya sea empleado por individuos unos contra otros o por la sociedad en “condicionamiento”, la película se vuelve una vindicación de Alex, diciendo que el joven era un ser humano libre y solo el Alex bueno era un robot.

El truco de hacer al atacado menos humano que a los atacantes, por lo que usted no siente ninguna simpatía por ellos es, a mi entender, un síntoma de una nueva actitud en las películas. Esta actitud dice que no hay diferencia moral. Stanley Kubrick asumió su deforme y presumida perspectiva de un joven vicioso que dice: “Todo esta podrido. Porque no puedo hacer lo que quiero? Son peores de lo que soy yo”. En este nuevo humor (talvez las películas en sus efectos acumulativos son parcialmente responsables de ello), la gente quiere creer en la degradación de las victimas.

Esta película juega con la violencia en una manera seductivamente intelectual. Y aunque no tiene profundidad, esta hecho en un estilo tan lento y pesado que aquellos preparados pueden tratar sus aspectos intrincados como oraculares. Puede ser fácilmente interpretada como una ambigua obra de misterio, una visionaria advertencia contra el “Sistema”. Hay un millón de maneras de justificar la identificación con Alex: Alex esta luchando contra la represión; esta solo contra el sistema. Lo que el hace no es ni cercanamente tan malo como lo que hace el gobierno. Porque no debería ser violento? Eso es todo lo que el Sistema le enseñó (y a nosotros) a ser. El punto del libro es que nosotros como hombres debemos ser capaces de responsabilizarnos por lo que somos. Kubrick removió muchos de los obstáculos para que nos sintiésemos identificados con Alex: el Alex del libro tenía sus hábitos personales un poco mas ordenados –su afición a aplastar pequeños animales bajo sus ruedas, su gusto por niñas de diez años, sus golpizas hacia otros prisioneros, y así con muchas cosas mas. Y Kubrick ayuda a la identificación con Alex con elecciones directorales. El escritor al cual Alex deja paralítico (Patrick Magee) y la mujer a la que mata son caricaturas desagradables con acento de clase alta. Burgess nos mostró a la sociedad a través de los ojos de Alex, la visión estaba deformada, y Kubrick, trayendo la visión adolescente de las hipócritas y sexualmente sucias autoridades y extendiéndola hacia todos los adultos de Dr. Strangelove, le agregó un capa más de deformidad. La gente “recta” esta mas torcida que Alex; parecen inhumanos e incapaces de sufrir. El sufre solo. Y como sufre! Lo que le hacen a Alex es mucho peor de lo que Alex ha hecho, así que la misma sociedad justifica la violencia de Alex.

Constantin Costa-Gavras
Título Original: État de siège
País: Francia
Año: 1972
Género: Drama
Guión: Constantin Costa-Gavras, Franco Solinas
Director: Constantin Costa-Gavras
Fotografía: Pierre-William Glenn
Edición: Françoise Bonnot
Música: Mikis Theodorakis
Producción: Jacques Henri Barratier, León Sanz, Jacques Perrin
Duración: 120 minutos
Intérpretes: Yves Montand (Philip Michael Santore), Renato Salvatori (Capitan Lopez), O.E. Hasse (Carlos Ducas), Jacques Weber (Hugo),Jean-Luc Bideau (Este), Maurice Teynac (Ministro de Seguridad Interna), Yvette Etiévant (Senadora), Evangeline Peterson (Mrs. Santore), Harald Wolff (Ministro de Relaciones Exteriores), Nemesio Antúnez (Presidente de la República), Mario Montilles (Asistente de Comisionado Fontant), André Falcon (Oficial Fabbri), Jerry Brouer (Anthony Lee), Roberto Navarrete (Comisionado Romero), Douglas Harris (Director A.I.D.).

En Uruguay, un oficial norteamericano, Michael Santote, es secuestrado por la guerrilla de izquierda Tupamaros. Sus captores lo acusan de ser un agente de la CIA, responsable del entrenamiento de la policía local en técnicas de tortura y anti sedición. Mientras que la guerrilla trata de extraerle una confesión a Santote, las autoridades, encabezadas por el gobierno de extrema derecha, se esta acercando.

Con una veta similar a las previas películas de Costa-Gavras, Z y La Confesión, Estado de Sitio es un elegante thriller político que hace una audaz declaración sobre el abuso de poder por los gobiernos en un país políticamente reprimido. Aunque no es nombrado como tal en la película, el blanco de Costa-Gavras es Uruguay (aunque la película fue filmada en Chile), y la historia esta basada en el caso de la vida real de un oficial norteamericano, Daniel Mitrione. Como es lógico la película fue cruelmente condenada en Estados Unidos por su contenido anti norteamericano y por su aparente glorificación del asesinato.

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Luis Buñuel
Título Original: Tristana
País: España
Año: 1970
Género: Drama
Guión: Luis Buñuel y Julio Alejandro basado en la novela Tristana de Benito Pérez Galdós
Director: Luis Buñuel
Fotografía: José F. Aguayo
Edición: Pedro del Rey
Escenografía: Enrique Alarcón
Música: Frédéric Chopin
Producción: Juan Estelrich, Joaquín Gurruchaga, Eduardo Ducay
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Catherine Deneuve (Tristana), Fernando Rey (Don Lope), Franco Nero (Horacio), Lola Gaos (Saturna), Antonio Casas (Don Cosme), Jesús Fernández (Saturno), Vicente Soler (Don Ambrosio), José Calvo (Bellringer), Fernando Cebrián (Dr. Miquis), Antonio Ferrandis, José María Caffarel, Cándida Losada (Ciudadano), Joaquín Pamplona, Mary Paz Pondal (Muchacha), Juanjo Menéndez (Don Cándido), José Blanch, Sergio Mendizábal (Director), Luis Aller, Luis Rico, Saturno Cerra, Jesús Combarro, Leonardo Scavino (como Leo Lenoir), Vicente Roca, Ximénez Carillo, Adriano Domínguez, José Riesgo, Rosa Luisa Goróstegui (como Rosa Gorostagui), Antonio Cintado, Pilar Vela, Lorenzo Rodríguez.

Tristana de Luis Buñuel es una crítica surrealista al catolicismo y al mundo moderno, contada a través de la historia del personaje del titulo de la película, quien es interpretada por Catherine Deneuve. Tristana es una joven española dejada al cuidado de Don Lope (Fernando Rey), un protector pero empobrecido aristócrata. Don Lope vende sus posesiones para evitar el trabajo manual y defiende las causas de los desposeídos y los oprimidos de la sociedad.

En este simple cuento, Buñuel ha hecho una maravillosamente compleja, divertida y vigorosa película que también cuenta con, a mi entender, el mejor elenco. Fernando Rey (Don Jaime en Viridiana) es esplendido –vanidoso, inteligente, orgulloso, imprudente. Catherine Deneuve es hermosa, por supuesto, pero nunca antes su belleza había sido mas precisa y enigmática, al comienzo, solo existe una pequeña insinuación de la mujer erótica dentro de la colegiala, y al final, una conciencia de la santa que alguna vez vivió dentro de esta majestuosamente deforme mujer.

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Pier Paolo Pasolini
Título Original: Il Vangelo secondo Matteo
País: Italia
Año: 1964
Género: Drama, Histórico
Guión: Pier Paolo Pasolini basado en el Evangelio de San Mateo
Director: Pier Paolo Pasolini
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli
Escenografía: Andrea Fantacci
Música: Luis Enriquez Bacalov y Carlo Rustichelli
Producción: Alfredo Bini
Duración: 137 minutos
Intérpretes: Enrique Irazoqui (Cristo), Margherita Caruso (Maria (joven), Susanna Pasolini (Mary (vieja), Marcello Morante (Jose), Mario Socrate (Juan el Bautista), Settimio Di Porto (Pedro), Alfonso Gatto (Andres), Luigi Barbini (Jaime), Giacomo Morante (Juan), iorgio Agamben (Felipe), Guido Cerretani (Bartolomé), Rosario Migale (Tomas), Ferruccio Nuzzo (Mateo), Marcello Galdini (Jaime hijo de Alphus), Elio Spaziani (Tadeo), Enzo Siciliano (Simon), Otello Sestili (Judas), Rodolfo Wilcock (Caifas), Alessandro Clerici (Poncio Pilato), Amerigo Bevilacqua (Herodes I), Francesco Leonetti (Herodes II), Franca Cupane (Herodiade), Paola Tedesco (Salome), Rossana Di Rocco (Angel del Señor), Renato Terra (Poseído), Eliseo Boschi (José de Arimatea), Natalia Ginzburg (Maria de Betania), Ninetto Davoli (Pastor), Enrico Maria Salerno (Voz de Cristo).

Pier Paolo Pasolini fue un cineasta italiano que también fue poeta, ensayista, marxista y homosexual. Pero en todo fue un intruso. Fue rechazado por la burguesía católica por marxista y homosexual. Los marxistas lo rechazaron por no mantener la línea filosófica. Y sus escritos tanto para cine como teorías literarias a menudo fueron descartados por la intelligentsia por su falta de credenciales académicas y una percibida falta de rigor en su trabajo. es, por lo tanto, en muchas maneras irónico que uno de sus mas exitosas películas fuese una adaptación del Evangelio de San Mateo. Aun la principal fuerza en la vida de Pasolini, a la cual todas las otras se subordinaban, era la pasión. Y en toda la literatura no hay un mayor ejemplo de pasión irracional que la historia de Cristo y su muerte.

La película fue filmada entre las colinas de Basilicata al sur de Italia. La escenografía eran las aldeas de los pobres, y solo amateurs fueron usados como actores. La madre del director hizo el papel de Maria en la época de la crucifixión de Cristo. Pasolini hizo algunos cambios a la versión tradicional del Evangelio, reordenando la secuencia de los eventos, acortando algunas escenas y omitiendo otras, aunque uso el texto palabra por palabra. Sin embargo, usando gente pobre, con sus caras arrugadas y sus humildes alrededores, enfatizó los aspectos de la historia de San Mateo que eran más atractivos a sus propias sensibilidades marxistas. Cuando Cristo le dice a sus discípulos, “es mas fácil para un camello pasar por el ojo de una aguja que para un hombre rico entrar en el reino de Dios”, parado entre la pobreza verdadera y no algún decorado de Hollywood, las palabras cobran vida propia. Pasolini nunca fue desdeñoso en su tratamiento, simplemente permitió que el texto hablara por si mismo.

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Federico Fellini
Título Original: 8½
País: Italia
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi
Director: Federico Fellini
Fotografía: Gianni di Venanzo
Montaje: Leo Cattozzo
Escenografía: Vito Anzalone
Música: Nino Rota
Producción: Angelo Rizzoli
Duración: 140 minutos
Intérpretes: Marcello Mastroianni (Guido Anselmi), Claudia Cardinale (Claudia), Anouk Aimée (Luisa Anselmi), Sandra Milo (Carla), Rossella Falk (Rossella), Barbara Steele (Gloria Morin), Madeleine LeBeau (Madeleine), Caterina Boratto (La señora misteriosa), Eddra Gale (La Saraghina), Guido Alberti (Pace), Mario Conocchia (Conocchia), Bruno Agostini (el secretario de producción), Cesarino Miceli Picardi (Cesarino), Jean Rougeul (Carini), Mario Pisu (Mario Mezzabotta).

El film que merece el calificativo “fellinesco” más que ningún otro sin dudas es 8½. En esta extravagante, auto indulgente, creativamente exuberante fantasía, el amo del cine italiano, Federico Fellini, nos lleva hacia una exploración bizarra de su arte y su vida. El simbolismo freudiano y la imaginería daliesca abundan en un trabajo que es simultáneamente hipnotizante e inconmensurable, una obra maestra surrealista que juega en nuestra conciencia como un sueño familiar que es tanto cómico como inolvidable, dejándonos confundidos.

Es tanto la mas descaradamente abstracta película de Fellini, asi como la película que nos acerca mas a su propia vida. Cuando comenzó a hacerla, estaba (al igual que el personaje principal) experimentando un bloqueo creativo luego del inesperado éxito internacional de su anterior película, La Dolce Vita (1960). Había ganado celebridad, riqueza y era aclamado por los críticos, pero por donde seguir? Si un director en su posición no tiene nada mas que decir, todavía es posible realizar una película? en 8½ estaba la respuesta.

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Goran Paskaljevic
Título Original: Varljivo leto ´68
País: Yugoslavia
Año: 1984
Género: Comedia
Guión: Gordan Mihic
Director: Goran Paskaljevic
Fotografía: Aleksandar Petkovic
Edición: Olga Skrigin
Música: Zoran Hristic
Producción: Centar FRZ
Duración: 91 minutos
Intérpretes: Ivana Mihic (Vladica Cvetkovic), Slavko Stimac (Petar Cvetkovic), Danilo 'Bata' Stojkovic (Veselin Cvetkovic), Mija Aleksic (Deda), Mira Banjac (Petrova majka), Sanja Vejnovic (Ruzenjka Hrabalova), Neda Arneric (Olja Miranovski), Milutin Butkovic (padre de Spasojev), Dara Calenic (Director de la orquesta), Branko Cvejic (Spasoje … panadero), Borivoje Kandic (Djoka), Milos Kandic (Conferencista), Radoslava Marinkovic, Zika Milenkovic (Peluquero), Ratko Miletic, Predrag Milinkovic (chofer de Veselinov), Andrija Mrkaic (Tadija Cvetkovic), Branka Petric (Leposava), Lidija Pletl, Miodrag Radovanovic (Micic…..magistrado), Zoran Ratkovic (hermano de Spasojev), Dragica Ristovic, Vladan Savic, Aleksandra Simic, Jelica Sretenovic (Secretaria), Predrag Tasovac, Dragana Varagic (Jagodinka Simonovic), Eugen Verber, Andrijana Videnovic, Dragan Zaric (Director del Gimnasio), Irena Zmukic, Sanja Zmukic.

Esta hermosa y graciosa película se centra en el hijo mayor, Petar (Slavko Stimac), de una familia manejada por un estricto y autoritario padre, encarnado magníficamente por Danilo Bata Stojkovic. El joven Petar lucha para graduarse de la secundaria principalmente por una razón, esta tan encaprichado con su maestra de Marxismo que no puede pensar en otra cosa mas que en ella durante sus clases. Cuando llega la graduación, le miente a su padre sobre haber aprobado todas las materias mientras en realidad ha fallado en Marxismo.

Por supuesto, la verdad no es fácil de ocultar y cuando eventualmente sale a la luz, su padre se horroriza y decide castigarlo. En este punto se suceden una serie de escenas con la esposa del panadero, y cuanta mujer se le cruce en su camino. Más complicaciones y giros cómicos siguen llegando y llegando y la risa no cesa.  Toda esta situación sucede durante una época muy turbulenta, la revolución estudiantil del verano del 68.

Reminiscencias del tema del comienzo de la adolescencia en anteriores películas como Black Meter de Milos Forman o Closely Watched Trains de Jiri Menzel, el director Goran Paskaljevic comparte la visión cómica de sus compañeros checos mostrando la agonía del primer e inseguro amor. Paskaljevic es un maestro de la comedia social y todos los actores hacen increíbles trabajos, probablemente el mejor trabajo de Slavko Stimac.

Samuel Fuller
Título Original: Shock Corridor
País: Estados Unidos
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Samuel Fuller
Director: Samuel Fuller
Fotografía: Samuel Fuller y Stanley Cortez
Producción: Leon Fromkess
Duración: 101 minutos
Intérpretes: Peter Breck (Johnny Barrett), Constance Towers (Cathy), Gene Evans (Boden), James Best (Stuart), Hari Rhodes (Trent), Larry Tucker (Pagliacci), Paul Dubov (Dr. J.L. Menkin), Chuck Roberson (Wilkes), Neyle Morrow (Psicópata), John Matthews (Dr. L.G. Cristo), Bill Zuckert ('Swanee' Swanson), John Craig (Lloyd), Philip Ahn (Dr. Fong), Frank Gerstle (Tte. Kane), Rachel Romen (nimfómana cantante).

Esta obra precursora de One Flew Over The Cuckoo's Nest (Atrapado sin salida, 1975), escrita, producida y dirigida por Samuel Fuller (The Big Red One), a pesar de los doce años que la separan de la ganadora obra maestra de Milos Forman, personalmente siento que Shock Corridor es una película mas sutil e inquietante.

En este clásico desvalorado Peter Breck nos regala una fenomenal actuación como Johnny Barreto, un reportero de un diario quien se interna en un asilo mental para exponer públicamente el tratamiento que se le da a los internos. Pero pronto se encuentra temiendo por su propia cordura cuando el mismo se encuentra siendo abusado. La situación no lo ayuda cuando comienza a tener inquietantes sueños sobre su novia desnudista (Constante Towers) a quien le esconde una ira secreta por exponerse ante otros hombres. Sin embargo Johnny también se gana la no deseada atención de media docena de atractivas y trastornadas mujeres quienes desean degradarlo y explotarlo sexualmente. Quien dijo que solo las mujeres son victimas? Desafortunadamente parte del sincronismo del audio es horroroso, especialmente en esta escena y como resultado, el potencial poder de esta secuencia disminuye de alguna manera.

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En Mulholland Drive hay dos partes: una parte real y un sueño que ocurre al final de esa parte real, solo que Lynch muestra primero el sueño y luego la parte real. En la parte real, Diane (la rubia, interpretada por Naomi Watts) es una de tantas actrices provenientes de un pueblo pequeño que llegan a Hollywood para convertirse en estrella, pero lamentablemente es una actriz mediocre. En un casting para una película, conoce a una chica llamada Camila (el personaje de Laura Harring), que es la que obtiene el papel principal. A pesar de esto, se hacen amigas, se van a vivir juntas y se enamoran. Camila empieza a tener gran éxito en Hollywood, y a pesar de ayudar a Diane a conseguir papeles pequeños en las películas que ella protagoniza, esta comienza a tener celos de Camila, acentuados cuando empieza a sospechar que sale con el director de una de sus películas (Adam). Finalmente, se terminan peleando, y Diane echa a Camila de casa. Un tiempo mas tarde, Camila la llama, diciéndole que le ha enviado un coche, que la va a llevar a una fiesta en la casa de Adam.

En esa fiesta (que es fundamental para entender la “realidad” de la película), conoce a varias personas, por ejemplo a Coco, la madre de Adam. Diane es humillada por los invitados, y estalla de celos al ver como Camila en un momento besa a una chica de la fiesta (la cara de la chica se le quedará grabada en su subconsciente por la carga emocional del momento). Acto seguido, Camila y Adam anuncian su compromiso, lo cual rompe definitivamente el corazón de Diane. Tras esto, ve por casualidad salir de la fiesta a un invitado con sombrero de cowboy. Es solo un invitado más, sin importancia, pero el subconsciente lo guarda en su archivo particular. Después de la fiesta, Diane contrata en un bar a un asesino para que mate a Camila. Este le dice que cuando terminé su trabajo le hará llegar una llave azul por debajo de su puerta. Cuando está hablando con él, observa que la camarera se llama “Betty” (otro elemento que quedara archivado en su subconsciente).

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Terry Gilliam
Título Original: Brazil
País: Reino Unido
Año: 1985
Género: Ciencia Ficción
Guión: Terry Gilliam, Tom Stoppard, Charles McKeown
Director: Terry Gilliam
Fotografía: Roger Pratt (color)
Música: Michael Kamen
Producción: 20th Century Fox
Duración: 142 minutos
Intérpretes: Jonathan Price (Sam), Robert de Niro (Tuttle), Kim Greist (Jill), Katherine Helmond

Brazil evoca la melancolía, la calidad de ensueño de su música, una traducción de un tema brasilero de 1939 llamado “Aquarela do Brasil”. En esta película escapista, Brazil esta representada como un romántico y fantasioso lugar que es el opuesto de los países sombríos del norte. William se inspiró por esta canción para crear el gobierno totalitario y el humor distónico del filme.

La película se centra en Sam Lowry, un joven hombre tratando de encontrar una mujer que aparece en sus sueños mientras trabaja en un trabajo que le adormece la mente y vive su vida en un pequeño departamento, en un distónico mundo en el cual se depende de unas pobres poco mantenidas maquinas. El gobierno burocrático y totalitario es una reminiscencia del gobierno Británico representado en la novela 1984 de George Orwell.

Jack Mathews, un critico de cine y autor del libro La batalla de Brazil (1987), caracteriza a la película como “una sátira del disfuncional y burocrático mundo industrial que ha vuelvo loco a Gilliam toda su vida”. Mientras que la película fue un fracaso en la época de su lanzamiento, se ha convertido en un clásico.

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Luis Buñuel
Título Original: Viridiana
País: España
Año: 1961
Género: Drama psicológico
Guión: Luis Buñuel y Luis Alejandro
Director: Luis Buñuel
Fotografía: José F. Aguayo (BN)
Música: fragmentos del Messia de Haendel y del Requiem de Mozart.1
Producción: Gustavo Alatriste (Unici y Films 59, Madrid)
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Silvia Pinal (Viridiana), Fernando Rey (don Jaime), Francisco Rabal (Jorge), Margarita Lozano (Ramona), Victoria Zinny (Lucia), Teresa Rabal (Rita), José Calvo, Joaquín Roa, José Manuel Martín.

Después de un largo exilio, en 1961 Luis Buñuel regresa a España para filmar Viridiana. Basada en una novela de Galdos, la película explora que pasa cuando un grupo de renegados se vuelven en contra de su protector, la epónima heroína de la película. La película se ocupa de temas tabúes como el incesto y muestra la caridad cristiana como fútil. Todo culmina con una reproducción blasfema del cuadro de Leonardo Da Vinci “La ultima cena”, completado con el Messiah de Haendel. La película produjo la indignación del ala derecha del gobierno de Franco, especialmente cuando ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Viridiana completa su transformación de una novata a una hermosa y disponible mujer en 90 minutos de la mano de Buñuel. No hay un malvado tío y corrupción: hay una suntuosa selección de seres humanos llevando su vida diaria en la España de Franco de finales de los años 50.

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