F. W. Murnau
Título Original: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
País: Alemania
Año: 1922
Género: Terror
Guión: Henrik Galeen, Bram Stoker
Director: Friedrich Wilhelm Murnau
Fotografía: Fritz Arno Wagner, Günther Krampf
Producción: Enrico Dieckmann, Albin Grau
Duración: 94 minutos
Intérpretes: Max Schreck (Graf Orlok), Gustav von Wangenheim (Hutter), Greta Schröder (Ellen Hutter, seine Frau), Alexander Granach (Knock), Georg H. Schnell (Westenra), Ruth Landshoff (Lucy), John Gottowt (Profesor Bulwer), Gustav Botz (Profesor Sievers), Max Nemetz (Capitán del Demeter), Wolfgang Heinz (Marinero 1), Albert Venohr (Marinero 2).

Nosferatu: Una Sinfonía de Horror es una película de Expresionismo Alemán de F. W. Murnau, protagonizada por Max Schreck como el vampiro Conde Orlok. La película, filmada en 1921 y lanzada en 1922, fue en esencia una adaptación no autorizada de la obra Drácula de Bram Stoker, con nombres y otros detalles cambiados debido a que el estudio no obtuvo los derechos de la novela (por ejemplo, vampiro se convirtió en “Nosferatu”, y Conde Drácula se convirtió en Conde Orlok).

La historia de Nosferatu es similar a la de Drácula y conserva los personajes esenciales –Jonathan y Mina Harper, el Conde, etc.- pero omite muchos de los personajes secundarios, como Lucy o Van Helsing. Todos los nombres fueron cambiados también (aunque en algunos recientes lanzamientos de la película por compañías beneficiándose del dominio público de la película original, las pantallas con los diálogos escritos fueron cambiadas para usar los nombres de la versión Drácula).

En contraste con Drácula, Orlok no crea otros vampiros, solo mata a sus victimas, provocando que la gente del pueblo culpe a la plaga que devasta la ciudad. Además, Orlok debe dormir durante el día, el solo podría matarlo. El final también es sustancialmente diferente del de Drácula. El Conde es finalmente destruido al amanecer cuando el personaje de Mina se sacrifica a el.

Partes de la película que representan a Transilvania fueron de hecho filmadas en Eslovaquia. El Castillo de Nosferatu, por ejemplo, es el Castillo Orava en el norte de Eslovaquia, y otros escenarios están en las Altas Tatras y en el Río Váh cerca del Castillo Strečno.

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Werner Herzog
Título Original: Fitzcarraldo
País: Alemania
Año: 1982
Género: Drama, Aventura
Guión: Werner Herzog
Director: Werner Herzog
Fotografía: Tomas Mauch
Música: Popol Vuh
Producción: Werner Herzog, Renzo Rossellini, Walter Saxer, Willi Segler, Lucki Stipetic
Duración: 158 minutos
Intérpretes: Klaus Kinski (Brian Sweeney Fitzgerald - 'Fitzcarraldo'), José Lewgoy (Don Aquilino), Miguel Ángel Fuentes (Cholo), Paul Hittscher (Capitan (Orinoco Paul), Huerequeque Enrique Bohorquez (Huerequeque (El Cocinero) (como Huerequeque Enrique Bohórquez), Grande Otelo (Jefe de Estacion (como Grande Othelo), Peter Berling (Manager de Opera), David Pérez Espinosa (Jefe de los Indios Campa), Milton Nascimento (Negro en la Opera), Ruy Polanah (Baron del caucho), Salvador Godínez (viejo misionero), Dieter Milz (joven misionero), William L. Rose (Notary (como Bill Rose), Leoncio Bueno, Claudia Cardinale (Molly).

Fitzcarraldo es una película de 1982 escrita y dirigida por Werner Herzog y protagonizada por Klaus Kinski como el personaje principal. Retrata al Barón del caucho Brian Sweeney Fitzgerald, un irlandés llamado Fitzcarraldo en Perú, quien tiene que tirar de un barco de vapor por una empinada colina en orden de acceder a un territorio rico en caucho. La película se basa en una historia de la vida real del barón del caucho Fermín Fitzcarrald.

Brian “Fitzcarraldo” Fitzgerald, un europeo viviendo en una pequeña ciudad de Perú a comienzos del siglo XX, tiene un gran amor por la opera y un espíritu indomable. Es un gran admirador del famoso tenor Enrico Caruso y sueña con construir una Opera en la ciudad de Iquitos. Esto requiere mucho dinero, y la industria mas redituable en Perú en ese momento es el caucho. Las áreas conocidas que contienen árboles de caucho han sido parceladas por el gobierno peruano y pueden ser rentadas para su explotación.

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Paul Wegener
Título Original: Der Golem, wie er in die Welt kam
País: Alemania
Año: 1920
Género: Fantasía, Horror
Guión: Henrik Galeen, Gustav Meyrink, Paul Wegener
Director: Paul Wegener
Fotografía: Karl Freund
Producción: Paul Davidson
Duración: 85 minutos
Intérpretes: Paul Wegener (El Golem), Albert Steinrück (Rabino Loew), Lyda Salmonova (Miriam), Ernst Deutsch (Rabino Famulus), Hans Stürm (Rabino Jehuda), Max Kronert (Sirviente del Templo), Otto Gebühr (Emperador Luhois), Dore Paetzold, Lothar Müthel (Caballero Florian), Greta Schröder (Pequeña niña con rosa), Loni Nest (Pequeña niña)

El Golem: Como vino a este mundo (titulo original en alemán: Der Golem, wie er in die Welt kam, es una película muda de horror de 1920 de Paul Wegener. Fue dirigida por Carl Boese y Paul Wegener, escrita por Wegener y Henrik Galeen y protagonizada por Wegener como el Golem. La película fue la tercera de tres películas que Wegener realizo sobre el golem, las otras dos fueron El Golem (1915) y El Golem y la Bailarina (1917). Es una precuela de El Golem y hoy la mas ampliamente conocida de la serie.

El Golem es una película de gran poder, tan hipnótica como la visión del Expresionismo Alemán sobre la vida como un sueño despierto. La tenue luz y las sombras amenazantes fueron fotografiadas por Kart Freund, quien también tomo parte en dos obras maestras del Expresionismo Alemán: Metrópolis de Fritz Lang y La última risa de F. W. Murnau. Freund mas tarde emigró a los Estados Unidos y eventualmente se convirtió en el jefe de cámaras de la serie Yo Amo a Lucy.

Sin embargo, El Golem no es realmente una historia del Expresionismo Alemán: es más una combinación de mitología judía y un cuento de hadas. Wegener retrata los elementos sobrenaturales de la historia sin ironía ni explicaciones psicológicas, como si realmente estuviésemos en la Praga medieval, donde la gente podría haber creído que un amuleto y un encantamiento podría traer a la vida a una figura de arcilla.

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El Expresionismo Alemán (también llamado Expresionismo en el cine) se desarrolló en Alemania, especialmente en Berlín, durante la década de 1920. El Movimiento Expresionista comenzó más temprano, alrededor de 1905, con el grupo Die Brücke (El Puente), pero surgió en la industria cinematográfica después. Durante el periodo de recuperación seguido a la Primera Guerra Mundial, la industria cinematográfica alemana estaba en auge, pero debido a los difíciles tiempos económicos los cineastas encontraron muy difícil crear películas que pudieran compararse con las exuberantes, extravagantes películas realizadas en Hollywood. Los cineastas del estudio alemán UFA desarrollaron su propio estilo usando el simbolismo y mise-en-scène para agregarle un mas profundo sentido a una película.

Décadas de 1920 y 1930

Las primeras películas expresionistas, El Golem, El Gabinete del Dr. Caligari (1920), Destino (1921), Nosferatu (1922), Fantasma (1922), Schatten (1923), y La Ultima Risa (1924), eran unos retratos altamente simbólicos y deliberadamente surrealistas de historias filmadas.

Uno de los mejores actores expresionistas fue Fritz Kortner, quien actuaba en películas vienesas y berlinesas. El movimiento DADA estaba cambiando radicalmente al mundo artístico en los primeros años de la década de 1920, y varias culturas europeas de la época habían abrazado una ética de cambio, y un deseo de mirar hacia el futuro experimentando con ideas nuevas, osadas y con estilos artísticos.

La primera película expresionista fue hecha, a falta de presupuestos lujosos, usando escenarios diseñados con decorados geométricamente absurdos, y con diseños pintados en paredes y pisos para representar luces, sombras y objetos. Los guiones y las historias de las películas expresionistas a menudo trabajan con la locura, la demencia, traición, y otros tópicos “intelectuales” (oponiéndose a las películas estándar de romance, acción y aventura); el nombre alemán para este tipo de guiones es Kammerspielfilm (películas de cámara, en alusión a la música de cámara). Películas posteriores fueron catalogadas como parte de la breve historia del Expresionismo Alemán, incluyendo Metrópolis (1927) y M (1931), ambas dirigidas por Fritz Lang.

El radical no realismo del Expresionismo duro poco, y se apago (junto con el Dadaísmo) después de solo unos pocos años. Sin embargo, los temas del Expresionismo fueron integrados en películas posteriores a las décadas de 1920 y 1930, resultando en un control artístico sobre la ubicación y el escenario, luces, y sombras, para mejorar el estilo de una película. Esta oscura, caprichosa escuela de cineastas fue llevada a Norteamérica cuando los Nazis llegaron al poder y un numero de cineastas alemanes emigraron a Hollywood. Ellos encontraron muchos estudios dispuestos a recibirlos, y muchos directores y cameraman alemanes prosperaron ahí, produciendo un repertorio de películas de Hollywood que tuvieron un profundo efecto en el medio cinematográfico todo.

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Robert Wiene
Título Original: Das Kabinett des Doktor Caligari
País: Alemania
Año: 1919
Género: Terror
Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz, según una idea de Fritz Lang
Director: Robert Wiene
Fotografía: Willy Hameister (BN)
Música: Giuseppe Becce
Decorados: Hermann Warm, Walter Reimann, Walter Röhrig
Vestuario: Walter Reimann
Producción: Decla (Erich Pommer y Rudolf Meinert)
Duración: 78 minutos
Intérpretes: Werner Krauss (Dr. Caligari), Conrad Veidt (Cesare), Lil Dagover (Jane), Friedrich Feher (Franz), Hans Heinz von Twardowski, Rudolf Lettinger (Dr. Olson).

Los escritores Hans Janowitz y Carl Mayer se conocen en Berlín después de la Primera Guerra Mundial. Los dos ven al cine como un medio revolucionario de expresión artística, una historia visual que necesita la colaboración entre escritores, pintores, cameraman, acrotes y directores.  Sienten que el cine es el medio ideal para poder llamar la atención en el emergente pacifismo de la Alemania de posguerra y como una forma radical de exhibición de arte anti-burguesa.

Aunque ninguno tiene conexiones con ninguna compañía de películas de Berlín, deciden preparar un escenario. Como dos entusiastas sobre el trabajo de Paul Wegener, eligen escribir una película de terror. El dúo escribe sobre experiencias pasadas – Janowitz tiene memorias inquietantes de una noche en 1913, en Hamburgo: después de abandonar una feria caminó por un parque bordeando el Holstenwall y vislumbró un extraño que desaparecía entre las sombras después de haber aparecido misteriosamente de entre los arbustos. A la mañana siguiente, el cuerpo devastado de una joven mujer fue encontrado. Mayer todavía estaba resentido sobre sus sesiones durante la guerra con un autócrata psiquiatra militar.

Durante las noches, Janowitz y Mayer solían ir a una feria cercana. Una tarde, vieron un show titulado “Hombre y Maquina”, en la cual un hombre realizaba hazañas de fuerza y adivinaba el futuro mientras supuestamente se encontraba en estado hipnótico. Inspirados por esto, Janowitz y Mayer divisaron su historia aquella noche y escribieron por las siguientes seis semanas. El nombre “Caligari” vino de un libro que Mayer había leído, en la cual un oficial llamado Caligari es mencionado.

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Emir Kusturica
Título Original: Underground
País: Yugoslavia, Francia, Alemania, Hungría
Año: 1995
Género: Drama
Guión: Dusan Kovacevic y Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac
Música: Goran Bregovic
Producción: Pierre Spengler
Duración: 167 minutos
Intérpretes: Miki Manojlovic (Marko), Lazar Ristovski (Crni o Blaky), Mirjana Jokovic (Natalija), Slavko Stimac (Ivan), Ernst Stotzner (Franz), Srdan Todorovic (Jovan), Mirjan Karanovic (Vera), Milena Pavlovic (Jelena).

No hay necesidad de una adaptación para cine de la novela de Gabriel García Márquez Cien años de soledad. Ya se ha hecho. La tragicomedia de Emir Kusturica Underground puede ser la película mas importante de los últimos 25 años, este opresivo, moralmente inquisidor trabajo de ficción narrativa política que lamenta nuestra propensión a la auto destrucción. En una época donde el supuesto serio periodismo falla en mostrar los horrores del mundo, las películas como Underground existen para remendar esa situación. “Había una vez un país…”. Así comienza Kusturica una parábola de auto aniquilación, una metáfora delirante, emocionalmente desgarradora y desvastadamente graciosa de la crónica de una muerte anunciada.

Poseída por el ritmo cultural de su país, Kusturica estructura la primera parte de Underground como una fiesta apocalíptica. Desde el comienzo, la película es un testamento a la perseverancia humana. Blacky (Lazar Ristovski) y Marko (Miki Manojlovic) regresan a sus hogares al borde de la invasión alemana a Yugoslavia. Marko le hace el amor tranquilamente a una prostituta local, mientras que las bombas caen cerca. Un egocéntrico Blacky come su comida a pesar de los gritos de su embarazada mujer. “Cómo puedes tu, con todas estas bombas?” le suplica. Aparece un elefante con un zapato en la trompa. Tick Tock Tick Tock. Es el sonido del cronometro del perpetuo balanceo del hombre. Esta ahí para hacernos recordar: es solo una cuestión de tiempo.

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Werner Herzog
Título Original: Aguirre, Der Zorn Gottes
País: Alemania
Año: 1972
Género: Aventuras
Guión: Werner Herzog
Director: Werner Herzog
Producción: Werner Herzog
Fotografía: Thomas Mauch (color)
Música: Popol Vuh
Duración: 93 minutos
Intérpretes: Klaus Kinski (Don Lope de Aguirre), Helena Rojo (Inés de Atienza), Del Negro (Gaspar de Carvajal), Ruy Guerra (Don Pedro de Ursúa), Peter Berling (Don Fernando de Guzmán), Cecilia Rivera (Flores), Dany Ades, Armando Polanah y los indígenas de la cooperativa de Lauramarca.

La fascinante historia de Lope de Aguirre, el desquiciado conquistador español del siglo XVI, quien luego de separarse de la expedición de Gonzalo Pizarro, intentó descubrir la mítica ciudad de El Dorado, perdida en la inmensidad del Amazonas. A medida que el explorador lleva a sus hombres a una muerte segura, el film enfrenta al espectador a perturbadores temas como el imperialismo y el fanatismo religioso… Este film, junto a "El enigma de Kaspar Hauser", marcó la consagración internacional de Herzog y ayudó a consolidar el éxito de lo que se dio en llamar "el nuevo cine alemán". Joya de excepcional belleza y fuerza cinematográfica.

Herzog imaginó este film tomando como punto de partida el diario de Fray Ginés de Carvajal, quien narraba, la delirante aventura que un grupo de soldados españoles comandados por el vasco Lope de Aguirre (Klaus Kinski) emprendieron por la inhospitalaria selva amazónica, río abajo, en busca de El Dorado, una leyenda india que hablaba de una tierra bañada en oro, una leyenda que no fue nada mas que eso.
"Aguirre, la ira de Dios", así se autodenominaba provocador el perturbado conquistador español que al final de su delirio pretendía casarse con su propia hija a fin de lograr una casta pura para reinar en América. Es una película confusa y muy esquiva, pero no es nada mas que una obra de la translúcida personalidad, intenciones y estilo de Werner Herzog, quien narra brillantemente, dentro de esa arritmia y locura del film, las desventuras de estos pseudo heroes.

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Fritz Lang
Título Original: M
País: Alemania
Año: 1931
Género: Drama
Guión: Thea vo Harbou, Fritz Lang, a partir de un articulo de Egon Jacobson
Director: Fritz Lang
Fotografía: Fritz Arno Wagner (BN)
Leitmotiv silbado: Edward Grieg (Peer Gynt)
Producción: Nero Film (Fritz Lang)
Duración: 99 minutos
Interpretes: Peter Lorre (Frantz Becker), Otto Wernicke (comisario Lohmann), Gustav Gründgens (el jefe del hampa), Ellen Widmann, Theodor Loos, Georg John, Inge Landgut

El protagonista de M , un sombrío empleado que vive solo en una pensión, responde al nombre de Hans Beckert , personaje encarnado por Peter Lorre, comúnmente conocido como «M», inicial del apelativo «mörder» (asesino), que un vagabundo le escribe con tiza en la espalda para que puedan reconocerlo y perseguirlo.

«M» es un terrorífico homicida desequilibrado, pero también es, en cierta manera, un ser «condenado», incapaz de reprimir sus instintos. En la película no se dice nada de los motivos de su conducta, por lo que se presencia se reduce a la de un peligroso criminal anónimo, oculto bajo los rasgos de un hombre cualquiera, de aspecto melindroso y un tanto infantil. Hans Beckert no existe como individuo hasta su sorprendente y conmovedor discurso, en la secuencia final, ante un auditorio formado de vagabundos y prostitutas, que no están dispuestos en absoluto a escuchar sus argumentos. Es entonces cuando se descubre que el «monstruo» no es más que un perturbado mental, cuya conducta responde a una mezcla de pusilanimidad y de ansias de popularidad. La llegada de la policía evita la ejecución inmediata del protagonista. El hampa pretende imponer justicia, pero lo único que hace es aplicar su instinto de venganza y garantizar su permanencia en unos barrios que considera suyos. Como se hace evidente en su posterior etapa americana, Lang siempre defendió la necesidad de la verdadera justicia frente a la sed de venganza, la aplicación de la ley a la impulsiva y temible reacción de las masas encolerizadas.

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