18ª SEMANA DE CINE EXPERIMENTAL DE MADRID

RUEDA DE PRENSA: 19 DE NOVIEMBRE 12h.
Sala “Manuel de Falla” de la SGAE.
José Luis Borau (director de la Semana), César Ballester (autor de la publicación), Fernando Mtz. Vara de Rey (Casa Sefarad), Juan Pinzás (director experimental).

El próximo jueves 20 de noviembre en el Cine Callao se inaugura la 18ª Semana de Cine Experimental de Madrid con la proyección de “Katyn” del director polaco Andrzej Wajda (nominada al Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 2008).
22:00 horas

Encuentro Experimenta América Latina

Concierto de la guitarrista paraguaya LUZ MARÍA BOBADILLA.
“Sonidos de la tierra guaraní”
Casa de América, 19 de noviembre de 2008, 19:30.

RAMIRO GÓMEZ, cineasta que proviene de un país sin tradición ni infraestructura cinematográfica nos presenta su primera película “TIERRA ROJA” (Paraguay, 2006),el próximo lunes 24 de noviembre en Casa de América.

El viernes 21, en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, tras la proyección de su película El Desenlace, Juan Pinzás participará en un coloquio sobre su cine y el estilo Dogma.

NOKIA apuesta por la innovación tecnológica. Sus móviles se convierten en cámaras y reproductores de cine de gran calidad. Podrán comprobarlo en los Cines Golem, en cualquiera de las sesiones del festival.

www.semanacineexperimentalmadrid.com

FECHAS: 21 al 28 de noviembre.     
  
SEDES: Cines Golem, Academia de Cine, Ateneo de Madrid, Casa de América, Universidad Complutense de Madrid: Facultad de Ciencias de la Información y CES Felipe II, y Escuela de Cine y Tv Septima Ars.

PROGRAMACIÓN:  

Sección Oficial Internacional: 43 cortometrajes
País Invitado: Polonia
Retrospectivas: Andrzej Munk, Hermanos Coen   
Ciclos: Taiwán Paraguay
Secciones Paralelas:
Juan Pinzás       
Nokia
Pocket Films: cine con teléfonos móviles                                                 
Telson: análisis de la postproducción y efectos                                                       
Nuevos creadores
Colombia: Universidad Javeriana  
Historias de un minuto
Madrid en Corto                 
                                                                           
PUBLICACIÓN: “El cine de Andrzej Munk. El carácter nacional y el individuo”.
Autor: César Ballester                           
                                                                                                           
CONCURSO Internacional de spots publicitarios realizados por una escuela de cine o video.
 
INAUGURACIÓN: “KATYŃ”, DE ANDRZEJ WAJDA

La cita es el jueves 20 de Noviembre a las 22:00 horas en el cine Callao. Andrzej Wajda, director obligado de la cinematografía polaca -invitada este año al festival- retorna con el reconocimiento que le otorgan el Oscar de la Academia de Cine Norteamericana, el León de Oro de Venecia y el Oso de Oro de Berlín, todos premios concedidos al conjunto de su trayectoria artística. Basándose en historias reales obtenidas de diarios y correspondencia de la época y filmada con la técnica 4K, aún inédita en Europa, su esperada Katyń (2007) narra la inaudita alianza entre Hitler y Stalin para atacar Polonia en Septiembre de 1939, confirmada en 1990 por el propio Kremlim.

SECCIÓN OFICIAL

Seleccionados entre más de 400 cortos, directores de diecisiete países, entre los que destaca la presencia española, presentan cuarenta y tres títulos que optarán a los premios de la presente edición.

POLONIA, CINEMATOGRAFÍA INVITADA

Durante la Semana de Cine Experimental se atenderá tanto a los nuevos y prometedores creadores polacos como a los históricos, dedicándole un ciclo a la obra de Andrezj Munk, autor de Mala suerte (1960) o La pasajera (1961) entre otros. Además se publica el libro El cine de Andrzej Munk. El carácter nacional y el individuo, de César Ballester.

RETROSPECTIVA DE LOS HERMANOS COEN

Un repaso a la filmografía de dos de los directores y guionistas más en forma del panorama internacional actual, desde Sangre Fácil (1984) hasta No es país para viejos (2007), pasando por títulos incontestables como Arizona baby (1987), Fargo (1996), El gran Lebowsky (1998), O brother! (2000) o El hombre que nunca estuvo allí (2001) entre otros.

CINEMATOGRAFÍA DE TAIWÁN

En el Ateneo de Madrid se proyecta lo más destacado de una cinematografía prácticamente desconocida, pero que ha arrojado figuras de la talla de Ang Lee, director de Tui Shou (Pushing Hands, 1991) o Ann Hui, director de Vacaciones en Shangai (1991). Ambas películas podrán ser disfrutadas del 21 al 28 de Noviembre, junto con otros títulos que no van a la zaga en calidad.

CINEMATOGRAFÍA PARAGUAYA: TIERRA ROJA

Una proyección muy especial de la afamada Tierra Roja (2006), de Ramiro Gómez, en la Casa de América. Se contará con la presencia del propio director. Un concierto a cargo de Luz María Bobadilla, que interpretará temas de la banda sonora de la película y el programa “Sonidos de la tierra guaraní”, abre el ciclo el próximo 19 de noviembre.

EL DOGMA DE JUAN PINZÁS

Se presenta en la Academia de Artes y las Ciencias Cinematográficas de España la obra de Juan Pinzás, único director español de cine dogma reconocido por el propio Lars von Trier. Su labor ha sido reconocida en varias ocasiones por la Asociación de Críticos de Nueva York con el premio al mejor director gracias a títulos como Días de Boda (2002) o el El Desenlace (2005), entre un verdadero rosario de premios y menciones especiales. Además de las ya mencionadas, la Semana de Cine Experimental proyectará Érase otra vez (2000), reconocida con el diploma dogma, y La Leyenda de la Doncella (1994/95), que acaparó varios premios internacionales a la mejor película y el mejor guión. Además, el día 21 se celebrará un coloquio con el propio Juan Pinzás, la actriz Beatriz Rico y la productora Pilar Sueiro, con el escritor Fernando Alonso Barahona como moderador.

NOKIA. PREMIO DEL PÚBLICO

Nokia entregará al ganador un teléfono móvil Nokia N96.

Nokia colabora en esta edición con una demostración práctica de sus modelos recientes. En los cines Golem los espectadores podrán ver muestras en sus móviles a través del bluetooth. Además, desde la plataforma Share on Ovi se podrá tener acceso a diferentes contenidos relacionados directamente con la Semana, realizados con terminales Nokia. Desde reportajes y resúmenes de la jornada hasta creaciones artísticas elaboradas por alumnos del C.E.S. Felipe II.

FESTIVAL POCKET FILM

Mucho se ha hablado de la pantalla del móvil como la “cuarta pantalla” del mundo audiovisual, y para este año la Semana de Cine Experimental  ha elegido los catorce mejores títulos de la última edición del Pocket Film Festival de París. Directores de once países demuestran todo lo que pueden dar de sí los nuevos formatos, realizando sus últimas creaciones desde el teléfono móvil con una actitud abierta y desenfadada, pero tomándose muy en serio las posibilidades de creación que ofrecen las tecnologías más recientes.

TELSON

“3 Días” es el primer largometraje de Francisco Javier Gutiérrez. Una película apocalíptica muy propia para el análisis de sus efectos especiales. Su director, cuyo último cortometraje “Brasil”  fue preseleccionado para los Oscar 2004, nos descubre las claves de la postproducción.

NUEVOS CREADORES

Este año confluyen en la Semana de Cine Experimental las creaciones de la ECAM, el C.E.S. Felipe II y la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, con una selección de títulos que arroja una visión adelantada sobre lo que está por llegar.

HISTORIAS DE UN MINUTO

Los estudiantes de la Escuela de Cine y TV Séptima Ars de Madrid nos enseñan a afrontar el reto de condensar una historia en un minuto. Todo lo accesorio sobra, sólo queda lugar para las buenas ideas.

MADRID EN CORTO

Los mejores cortos emitidos durante la última edición de la Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid. Directores con experiencia y reconocimiento internacional, curtidos en mundos que abarcan desde el cine hasta la televisión o la publicidad y conocidas actrices del mundo del cortometraje que preparan su asalto a la dirección.

CLAUSURA

Como colofón, el viernes 28 de Noviembre se entregarán los premios y se proyectarán las películas galardonas, además de Cómo celebré el fin del mundo (2006), última obra de Catalin Mitulescu. Una singular película que narra el complot perpetrado por un chico de diecisiete años y sus compañeros de escuela para derrocar al dictador Ceausescu. Una obra que habla, desde su historia y sus planteamientos formales, de la libertad como único principio.

Donald Spoto cuestiona así al maestro del terror en su flamante libro Las damas de Hitchcock, un repaso a la obra del director a través de sus actrices, entre ellas Grace Kelly o Tippi Hedren, a las que profesó una mezcla de amor compulsivo y desprecio.

Spoto, autor también de El arte de Alfred Hitchcock y Alfred Hitchcock: la cara oculta del genio, llama la atención en este nuevo libro sobre la escasa frecuencia con la que el realizador habló de sus actores -y aún menos favorablemente- a lo largo de su prolífica carrera en la que realizó 53 filmes. “Los actores son ganado”, repitió en más de una ocasión Hitchcock, pudiendo oírse también la mordaz variación: “nunca dije que los actores fueran ganado. Lo que dije es que a los actores hay que tratarlos como a ganado“.

Y según desvela Spoto, la afirmación se hizo realidad con muchas de sus actrices, que durante los rodajes tuvieron que soportar la inclinación del realizador por el humor obsceno y la ironía hiriente, en el mejor de los casos, y el maltrato físico y psicológico unido al acoso sexual, en el peor.

La actriz Tippi Hedren, a la que el director lanzó al estrellato gracias a Los pájaros y Marnie, la ladrona, fue quizá quien acusó más “el sádico comportamiento” del realizador, que no dudó en someterla al ataque real de las temibles aves o exigirle que “estuviera sexualmente disponible para él donde y siempre que él quisiera“, recuerda la actriz en un fragmento recogido en el libro.

Ni siquiera Ingrid Bergman o Grace Kelly, máximos exponentes de su ideal de mujer, recibieron elogios de un director que -explica el autor- no dudaba en utilizar todo tipo de recursos de mal gusto cuando buscaba “una repentina expresión de consternación ante determinada escena emocionalmente complicada“. Las damas de Hitchcock muestra a un director “brillante” y, al mismo tiempo, un hombre “desdichado, solitario, lleno de desprecio hacia sí mismo” que plasmó sus carencias e inseguridades en obras que ya forman parte de la historia del cine.

La obra pretende ser un homenaje a las mujeres que contribuyeron a estos éxitos -y algunos fracasos-, a través de un examen cronológico de sus interpretaciones, desde las primeras encuadradas en el cine mudo británico hasta las que se filmaron bajo el auspicio de Hollywood. Pero además el autor indaga en la obsesión del cineasta por las “rubias nórdicas” y se detiene a estudiar los cameos de Hitchcock en sus cintas, la relación de éste con guionistas y productores y el papel que jugaba su mujer Alma, “la que llevaba la batuta en aquella relación“, según las palabras de la hija de la pareja recogidas en el libro.

Aunque el director “hizo caso omiso a los actores” -resalta Spoto-, Madeleine Carrol, Joan Fontaine, Janet Leight o Marlene Dietrich, Doris Day o Vera Miles tuvieron a su lado a protagonistas masculinos como Cary Grant, James Stewart, Henry Fonda, Gregory Peck o Sean Connery, quienes en más de una película se acabaron convirtiendo en representantes del propio director.

Según Spoto, “Stewart se transformó en lo que Hitchcock se consideraba que era: un teórico del asesinato en La Soga o un apasionado y obsesionado perseguidor de un ideal ficticio e imposible en Vértigo“, mientras que Cary Grant “representó lo que al director le hubiera gustado ser: el suave e irresponsable playboy de Sospecha o el héroe inocente que conquista a la seductora Grace Kelly en Atrapa a un ladrón“.

Fuente: Agencias

Kusturika estará acompañado en el concierto, como es habitual, por "The No Smoking Orchestra".

El músico y cineasta serbio ganó en 1998 el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de cine de Venecia por "Gato negro, gato blanco". En 2005 octuvo el premio "César" por "La vida es un milagro".

El Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (Zinebi) afronta este año su cincuenta aniversario con una calendario de celebraciones que constituyen un intento de reflexión sobre la evolución del cine y de la propia ciudad de Bilbao a lo largo de este medio siglo.

Para empezar, el festival recupera como sede de la mayor parte de los actos de celebración de estas bodas de oro la que fue su primera sede, el antiguo Cine Gran Vía de Bilbao (ahora propiedad de la BBK), en el que en su primera edición, en 1959, un jovencísimo Carlos Saura, presentado por Fernando Rey, recibió el premio otorgado por un jurado del que formaba parte Luis Berlanga.

Los actos de celebración de este aniversario, reunidos en el programa "Etorri eta begira-Ven y mira", van desde los ciclos cinematográficos, los cursos y las exposiciones a los conciertos y la fiesta. La actividades contarán con un cartel propio, obra del artista bilbaíno Juan Carlos Eguillor, que ya firmó el de la edición del festival de hace treinta años.

Fuente: Deia

Junto a Mahmoud Sani, Khosravani asiste al festival tinerfeño, donde ha explicado cuál ha sido el resultado inesperado de este control a la creación. El sometimiento al que se ven sujetos los más de 3.000 directores iraníes en activo, ha dicho Khorsravani, ha favorecido el impulso de un cine metafórico de calidad. "Las prohibiciones en Irán han contribuido a desarrollar un valioso cine metafórico y a la vez minimalista. Para representar ciertas situaciones e ideas los realizadores se han visto obligados a crear un código especial que en lugar de mostrar claramente las cosas, la da a entender", detalló la autora iraní.

Por su parte, Mahmoud Sani, que presenta las cintas Che. El dulce sueño de la caña y Su nombres es curación, también explicó que, debido a los controles del gobierno, la gran mayoría de los documentales se tienen que mostrar fuera de Irán.

Homenaje a Abbas Kiarostami

El célebre director iraní Abbas Kiarostami recibirá un homenaje con un ciclo dedicado a su obra. El Festival proyectará cuatro documentales de sus documentales, que mostrarán esos guiones sencillos con los que consigue conmover al espectador. La programación comenzará con la proyección de dos de sus primeros largometrajes, ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987) y Y la vida continua (1991). Seguirán Abc África (2001) y Ten (2002).

Según informó la organización del certamen en un comunicado, Távora estrenará, dentro de la sección Panorama Andaluz, el documental de ficción "Brujas", que profundizará en el mundo de la brujería. La directora, que siempre ha tenido una "especial" atención a lo andaluz y a la mujer, ha realizado y producido desde 1982 nueve documentales, cinco cortometrajes, dos largometrajes, tres series de 13 capítulos para televisión, diez programas y tres magazines televisivos y cuatro espectáculos teatrales.

Del mismo modo, el festival contará con las películas de otras tres directoras cuyas películas compiten por el Giraldillo de Oro dentro de la Sección Oficial del Festival de Cine. Se trata de la islandesa Sólveig Anspach que estrenará "Back soon", la holandesa Mijke de Jong que presentará "Katia"s sister" y la rusa Marina Razbezhkina con la cinta "The hollow".

Tras realizar varios cortometrajes documentales, Sólveig Anspach consiguió un "gran éxito" en 1999 con su primer largometraje "Haut les coeurs!" y hasta ahora ha alternado entre documentales como "Made in the USA", contra la pena de muerte, y filmes como "Stormy Weather". Además, la holandesa Mijke de Jong mostrará su interés por los temas sociales con guiones que suelen estar basados en hechos reales y Marina Razbezhkina presentará una película basada en la novela de Sergei Essenin.

Junto a ellas, estará la realizadora danesa Susanne Bier con su película "After the wedding", que fue nominada al Oscar a la mejor película en lengua extranjera. Esta directora alcanzó el éxito internacional con películas realizadas bajo los parámetros del movimiento fílmico Dogma 95, bajo cuyos postulados realizó filmes como "A corazón abierto".

Asimismo, la italiana Laura Angiulli presentará el documental "Verso est", seleccionado en la Mostra Internacional de Cine de Venecia y presente en la sección Otras miradas: Sarajevo en el objetivo. LA directora está dedicada desde los años setenta al teatro y en la década de los noventa se centró en el guión cinematográfico con "Tatuaggi" y "Le Balcon", inspirados en la obra de Jean Genet.

Fuente: Diario Siglo XXI

Alrededor de 400 títulos, entre largos, cortos y mediometrajes, que llegarán de 46 países, integran la programación de la 23º Edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. El evento, organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) se realizará entre el 6 y el 16 de noviembre, presidido por el prestigioso realizador José Antonio Martínez Suárez.

En una conferencia de prensa, se confirmó que el festival comenzará con un Homenaje al director Leonardo Favio, a realizarse en el Teatro Auditorium el jueves 6 de noviembre a la 18 hs, en el que se proyectará su último film "Aniceto", con entrada libre y gratuita.

Luego, a las 20:00 hs, en la Apertura Oficial, se presentarán el músico Jorge Navarro con su Trío y el Ballet Argentino de Julio Bocca, con sus principales figuras, quienes bailarán tres piezas musicales; Hernán Piquín, hará un fragmento de Aniceto, y luego el mismo bailarín junto a Eleonora Cassano y Cecilia Figaredo bailarán un bolero y un tango. La conducción de la ceremonia estará a cargo de los actores Gastón Pauls y Julieta Díaz.

La realizadora Kathryn Bigelow y el guionista Mark Boal, invitados especiales al Festival, presentarán el film de apertura: "The Hurt Locker". En todos los casos, las entradas generales costarán 6 pesos y 4 pesos para estudiantes y jubilados que acrediten su condición.

La función de Clausura del festival se realizará el día sábado 15 de noviembre en el Teatro Auditórium, con el film surcoreano "Aliento / Soom", dirigida por Kim Ki-Duk (Corea del Sur). Previamente, la Orquesta Sinfónica de Berlín brindará un concierto al aire libre a las 17 hs, con entrada libre y gratuita, como espectáculo masivo de cierre del Festival.

Fuente: Clarín

El 27 de octubre, cuando se celebre el Día Mundial del Patrimonio Audiovisual, se presentará de manera oficial Lost Films, un proyecto de la Cinemateca Alemana que busca evitar la pérdida de películas de otras épocas. Es que según los expertos en la materia, se calcula que entre el 80 y el 90 por ciento de todos los filmes mudos, junto con muchos sonoros, se encuentran irremediablemente desaparecidos. La página busca combatir la escandalosa cifra de la mano de todos los que estén dispuestos a participar.

La idea es "construir un foro para saber qué se perdió y buscar cómo recuperarlo", explicó Jürgen Keiper, director del proyecto, en una entrevista en Berlín. Para ello se creó el portal, que tiene acceso libre para que cualquiera pueda acceder y aportar sus conocimientos. "Sólo conocemos una parte muy pequeña del patrimonio cinematográfico", afirma Keiper.

La Cinemateca Alemana ya logró reunir más de mil títulos de cintas incompletas o desaparecidas, entre ellas más de una treintena de películas de aclamados realizadores alemanes como Ernst Lubitsch y los expresionistas F.W. Murnau y Fritz Lang. La lista también se extiende a directores de otros países, como el austríaco Josef von Sternberg, el italiano Vittorio de Sica, el estadounidense George Cukor o el español Luis Marquina.

La polémica en torno a las películas perdidas volvió a resurgir cuando los primeros días de julio se encontró en Buenos Aires una copia con escenas desaparecidas de la mítica Metropolis, de Fritz Lang. Así, se volvió a poner en escena la censura o los recortes deliberados que realizaban algunos exhibidores y la pérdida de material a causa de las nuevas tecnologías.

Keiper explica que con la llegada del cine sonoro -como la mayoría de las películas mudas no se adaptaron al nuevo formato- muchas acabaron condenadas a desaparecer. Hoy en día, apenas se conservan entre un 10 y un 20 por ciento de los metrajes producidos en las tres primeras décadas del siglo XX. Sin embargo, no sólo se han perdido títulos de los primeros años de la historia del cine: las cintas realizadas en nitrato de celulosa son muy vulnerables y, pese a los esfuerzos de los archivos fílmicos, son muy difícil conservar. También hoy en día ocurren casos similares, como sucedió con Toy Story (1995), cuando cinco años después de dormir en una computadora, intentaron pasar las copias a DVD, y se encontraron con que no lograban abrir los archivos debido a un problema de formatos.

Para evitar que esta situación siga agravándose, la plataforma Lost Films pone a disposición de los usuarios y de manera gratuita todo tipo de documentos relacionados con las películas desaparecidas, desde fotografías, guiones o carteles promocionales hasta secuencias digitalizadas y fragmentos de bandas sonoras.

Gracias a un software de código abierto que todavía está en desarrollo, cualquier usuario puede colgar o descargarse material, añadir sus observaciones e incluso corregir la información existente, aclara Oliver Hanley, uno de los impulsores de Lost Films.

Fuente: Clarín

Sí, suena como para echarse a temblar. Tras haber visto a Richard Gere anunciando un vehículo rodeado de monjes budistas y a Sharon Stone diciendo que "China tiene mal karma" (por haber sufrido un terremoto que mató a 70.000 personas), nuestra capacidad para asimilar los desvaríos espirituales de Hollywood se ha visto mermada. No obstante, el ensayo de Lynch es otra cosa: se trata de la autobiografía artística encubierta de un cineasta célebre por su hermetismo respecto a su obra.
Yoguis sin miedo

Lynch se enganchó a la meditación por una imagen: "Cuando veía en los libros imágenes de yoguis sentados con las piernas cruzadas en la selvas de la India, algo me hacía mirarlas dos veces. No tenían la cara de un hombre que estuviera perdiendo el tiempo. Tenían la cara de un hombre poseedor de algo que yo no solo deseaba, sino que desconocía. Transmitían poder y dignidad y una ausencia total de miedo".

Así que el cineasta decidió ir un día a meditar a ver qué pasaba: "Me senté, cerré los ojos, empecé a entonar el mantra y fue como si estuviera en un ascensor y cortaran el cable. ¡Bum! Caí en la dicha, en pura dicha. Y ahí me quedé".

La meditación le valió para enderezar su primer matrimonio: "¿Dónde ha ido a parar la rabia, me preguntó mi mujer". Manejarse en Hollywood cual guerrero zen: "En el negocio del cine existe mucha presión; hay mucho espacio para la ansiedad y el miedo. Pero trascender consigue que la vida sea más como un juego". Y desarrollar sus ideas creativas: "¿Cómo se traduce esa idea? ¿Cómo la traduces de manera que pase de idea a película o a silla? Se te ocurre una idea y la ves, la oyes, la sientes, la sabes. Actúas y reaccionas. Cuando meditas, ese flujo se incrementa. Es como un baile improvisado. Vas a todo trapo, a todo gas".
La abstracción y el cine

Y es que, según Lynch, tanto el cine como la música son lenguajes que pueden expresar abstracciones. Y la vida está llena de abstracciones que solo se comprenden a través de la intuición. "La intuición es la unión de la emoción y el intelecto. Algo esencial para un cineasta. La intuición puede afilarse y expandirse mediante la meditación".

No obstante, tras mantener durante todo el ensayo un encantador tono sobrio, en el último instante, Lynch pide a las autoridades que incluyan la asignatura de meditación trascendental en la ESO. Es entonces cuando pierde el control a la hora de explicar (enardecido) las bondades de esta medida: los chavales estarían más relajados (sin duda), se reduciría drásticamente la delincuencia (dudoso, cuanto menos) y alcanzaríamos de un modo inexorable la paz mundial (delirante). Paradoja: el director de universos oscuros es un hippie de tomo y lomo.

Intuiciones en Twin Peaks

Uno de los ejemplos de intuición lynchiana ocurrió en el rodaje del piloto de Twin Peaks. Lynch decidió que Frank Silva, ayudante de decoración, aparecería en una escena. "Grabamos un plano panorámico del dormitorio con Frank quieto a los pies de la cama. Pero no sabía para qué ni qué significaba. Esa tarde bajamos a la primera planta a filmar a la madre de Laura Palmer. Estaba tumbada triste y atormentada. De repente, veía algo en su mente, se levantaba de un brinco y se ponía a chillar. Grité: Corten: ¡perfecto, precioso! y el operador me replicó:

-No, no, no. No está bien.

-¿Qué pasa?

-Había alguien reflejado en el espejo.

-¿Quién?

-Frank.

Pasan muchas cosas así que te incitan a soñar. Si lo permites, se abre algo totalmente nuevo", asegura.

Fuente: Público.es

-¿Cómo surge el proyecto de dirigir la puesta en escena de 'Parsifal', la ópera que inaugurará el día 25 la temporada del Palau de les Arts?
-Aquí Lorin Maazel es el que manda y fue quien me realizó la propuesta y la acepté, ya que consideré interesante trabajar con él y el edificio del Palau de les Arts me llamaba mucho la atención. Es maravilloso trabajar aquí.

-¿Qué le ha parecido Valencia?
-Estoy sorprendido por la modernidad de la ciudad, la innovación. Me resulta peculiar que se haya construido un edificio así en un río.

-'Parsifal' habla de la importancia de la compasión, algo que choca hoy en un mundo dominado por el poder.
-Es complicado comparar el mundo real con el teatro. Parsifal es una ópera visionaria, me refiero a su música, que no es propia del siglo XIX, tiene muy poco que ver con otras piezas de su época como Aída.

-En su carrera cinematográfica se suceden los personajes iluminados como Parsifal, tales como el profeta de 'Corazón de Cristal' o 'Fitzcarraldo'. ¿Le atraen?
-No me gusta comparar mi trabajo en cine con el de la ópera, son mundos muy distintos. En el cine los personajes me los inventó yo, mientras que en la ópera me los encuentro y trato de entenderlos. No he tenido ningún referente cinematográfico al trabajar en Parsifal.

-En alguna ocasión ha comparado la ópera con un circo de gladiadores romanos.
-Bueno, el público es exigente, pide sangre, no de una forma sádica, sino porque quieren ver el espectáculo al máximo. Es algo parecido a lo que pasa en una corrida de toros.

-'Parsifal' fue tachada en su época de moralista por autores como Nietzsche, ¿está de acuerdo?
-No quiero entrar en la controversia entre el filósofo y Wagner. Del músico se han dicho muchas cosas sobre su vida, pero lo interesante es el valor y la fuerza de su música.

-La música es, en muchas de sus películas, un personaje más. ¿Es melómano desde joven? Creo que incluso compone, ¿no?
-La música es capaz de transmitir muchas cosas que de otra manera no se entenderían tan bien. Hubo un lapsus en mi vida, entre los 13 y los 18 años, en que no escuchaba nada porque viví una mala experiencia cuando me obligaron a cantar en público. Después me reencontré con ella. He llegado a componer, pero poco, porque soy incapaz de leer las partituras y eso me limita.

-¿Se definiría como un artista extraño o como un creador de sueños?
-No soy un artista, sino un trabajador, alguien que adora su trabajo.

-Quizá hay quien le vea extraño por seres célebres de sus películas como los enanos o 'Stroszek'.
-Me hablas de películas del siglo pasado y siempre hay que pensar en el trabajo actual, ahí está lo interesante. En mi último proyecto cinematográfico voy a rodar con Nicolas Cage. Pero mi vida es muy normal. Aquí me gustaría ir a Mestalla y ver un partido de fútbol. ¡El Valencia va el primero en la Liga!

Fuente: Las Provincias

Lugosi fue un gran hombre, de inmenso talento, cuya vida estuvo plagada de desgracia, sinsabores, frustración y humillación. Saboreó las mieles del éxito, tocó el cielo con su genial e insuperable interpretación del vampiro más famoso, el Conde Drácula, pero todo fue efímero. Consiguió hacer sus sueños realidad, pero despertó de ellos demasiado pronto y la gloria se le escapó de entre los dedos. Como Ícaro, voló demasiado alto, y el sol derritió sus alas. La caída fue muy dura. Pero ahí es donde reside su mayor logro, ahí está lo que hace que además de un gran actor, fuera una gran persona: demostró una inigualable tenacidad para enfrentarse a la adversidad de su destino, nunca flaqueó, y siempre mantuvo sus esperanzas. Su fe en su trabajo nunca se debilitó, y ahora su legado está más vivo que nunca, pues Lugosi nos dejó un buen número de clásicos imprescindibles para todo cinéfilo que se precie, y entre ellos, su Drácula, con el que nos mostró al que muy posiblemente es el villano más carismático y elegante que haya alumbrado Hollywood jamás.

Ahora, repasaremos la vida y la obra de este genio.

Bela Lugosi (1882 - 1956) nació el 20 de octubre de 1882 en Lugos, por aquel entonces, parte del Imperio Austro-Húngaro, y ahora conocido como Lugoj, en el Estado de Rumanía. De nombre real Béla Ferenc Dezso Blaskó, hijo de Paula de Vojnich y de István Blasko, católicos y familia numerosa (Bela tenía tres hermanos, de nombres Vilma, Laszlo y Lajos), la cual gozaba de buena posición social y económica (el padre era banquero). Pronto, el joven Lugosi empezó a demostrar afición por la interpretación.

Sin embargo, esta situación idílica acabó pronto, y Bela sufrió el primer golpe duro de la vida cuando su padre falleció teniendo él solo 12 años, y la economía familiar se desestabilizó tan rápidamente que el pequeño Lugosi tuvo incluso que trabajar como minero, en la mina de Resicabanya (hoy Resita) en muy duras condiciones. Pasar del cielo al infierno en tan poco tiempo parecía, irónicamente, una premonición de lo que luego sufriría en Hollywood. Cabe decir, en todo caso, que tal vez la vida de Bela antes de este hecho no fuera, en todo caso, tan idílica, pues en diversas entrevistas comentó sutilmente el haber recibido maltratos psicológicos por parte de su padre, persona dominante y absorbente.
Además de minero, Bela también desempeñó las profesiones de ferroviario, y de peón, levantando puentes, además de probablemente otras semejantes.

Tiempo después de la muerte de su padre, cuando la situación familiar se estabilizó, Bela comenzó a estudiar interpretación en la Academia de música y artes de Budapest. Había cursado sus estudios previos en el llamado Gymnasium estatal superior de Lugos, con buenas calificaciones.

Pronto comenzó su carrera teatral, con tal fuerza que a los 19 años ya era una estrella en su país. Por aquel entonces usaba el nombre artístico de Arisztid Olt (no imaginaba el peso que tendría el nombre “Bela Lugosi” en el futuro). En el teatro, encarnó toda clase de personajes, muchos de ellos provinentes de obras de Shakespeare, pero también indagó en géneros que luego Hollywood le vetaría, como la comedia. En cierta ocasión, llegó incluso a interpretar a Jesucristo. Fue Romeo, Hamlet y Macbeth, así como el conde Weonsky de “Ana Karenina”, por citar roles de protagonista. Con frecuencia interpretaba papeles de galán. En esta época, ya tenía fama de mujeriego, y tuvo múltiples conquistas. “Ligón” crónico, en todos sus posteriores matrimonios demostraría ser infiel por naturaleza. Sin embargo, y pese a ello, Bela era una persona muy seria y dedicada a su trabajo. Actuó en los mejores escenarios de su país, como el teatro de Szeged, el Magyar Szinh de Budapest y el Teatro Nacional Húngaro de Budapest, con una profesionalidad intachable.

Pese a su condición de estrella naciente, participó en la 1ª Guerra Mundial, como teniente del 43 regimiento de infantería en el ejército del Imperio Austrohúngaro (que fue el bando derrotado), distinguiéndose en un par de acciones, y recibiendo incluso una herida en la pierna que nunca llegó a sanar. Tras el derrumbamiento del Imperio, Bela siguió participando en política, e incluso fundó un sindicato de actores.

En 1917 se casó con Ilona Szmik, de quién se divorciaría en 1920 (por motivos ya indicados). Sería el primero de sus 5 matrimonios. Su vida sentimental fue tan turbulenta como la profesional. Pero entonces, 1917 le resultó un año dulce. En dicho año, protagonizó su primera película: “Az ezredes” (“El coronel”). Entre 1917 y 1918, protagonizó otras veinte más, como “Droschke 99”, “Az Élet királya” (el retrato de Dorian Gray, en versión de 1918), "Nagymama naplójából” / “Lili”, “Álarcosbál”, “Lulu”, “Tavaszi vihar”, “Casanova” “Küzdelem a létért”, “A Régiséggyüjtö”, “Leoni Leo” y “Nászdal”, entre otras, y aunque la mayor parte de las cuales están perdidas, otras se conservan como tesoros en la filmoteca de su país.
Pero, nuevamente, su tranquilidad fue efímera: las crisis políticas de su país le obligaron a emigrar, primero a Alemania y luego a los Estados Unidos.

En Alemania interpretó diversos títulos comerciales y de calidad, principalmente adaptaciones de novelas de Karl May, como “Auf den Trümmern des Paradieses” y “Die Todeskarawane”, siendo su pareja habitual la actriz judía Dora Gerson. Alcanzó prestigio crítico y social, y tuvo la ocasión de trabajar con grandes directores como Michael Curtiz (futuro director de “Casablanca”, y por aquel entonces acreditado como Kertesz) y Murnau (irónicamente, realizador de “Nosferatu”) que le brindó la ocasión de aparecer en su primera gran película de terror, “Des Januskopft”, de 1920, adaptación / plagio de la clásica historia de Jekyll y Hyde (como “Nosferatu” con Drácula), siendo aquí conocido el personaje como Dr. Warren (el título alude a Jano, el dios romano de las dos caras). Bela encarnó en la cinta al mayordomo de Jekyll, y su personaje, al igual que en la mejor versión del relato, la protagonizada por el oscarizado Fredric March en 1931, “El hombre y el monstruo”, tiene un papel importante pero no crucial en el relato. Por lo demás, también co-protagonizó una de las primeras versiones de “El último mohicano”, en esta etapa de su carrera.

La situación en la Alemania de los albores del nazismo no era agradable, lo que motivó su partida casi furtiva a los EEUU en octubre de 1920, pese a no desenvolverse con soltura en el inglés. Otros, como Fritz Lang o los citados Curtiz y Murnau, acabarían siguiendo sus pasos.

Con sus recursos muy limitados, pero ya en América, Bela no pudo legalizar su entrada en el país hasta marzo de 1921. Según los registros, medía 1.85 m y pesaba 82 kilos.
Ese mismo año conoció a Ilona Von Montag, pero también se divorciaría de ella al poco tiempo, en 1924. Los motivos, los habituales….

Fue en esta etapa de emigrante cuando empezó a utilizar de forma definitiva el nombre de Bela Lugosi (que vendría a significar “Bela de Lugos”), que utilizó ocasionalmente en Europa (como en la película “99”; de 1918).

Bela, empobrecido, se encontró con que su estatus de estrella en Hungría y Alemania no le servía de nada en América, lastrado por su marcado acento húngaro (un problema que Peter Lorre, compatriota suyo, no tenía), del que no se desprendería nunca. Pero, orgulloso, pretendió obtener en América aquello que ya consiguió en su tierra: el estrellato.

Tras deambular por el país en representaciones ocasionales, y desempeñando diversos oficios no teatrales, participó en una obra de teatro en 1922 (“The red poppy”) y consiguió debutar en Hollywood con la película "The silent comand", con un brevísimo papel. Apareció en diversas producciones mudas de la época, destacando entre todas ellas con luz propia “He who gets slapped” en la cual compartía cartel con el genial Lon Chaney (“El fantasma de la ópera”, “El jorobado de Notredame”), la gran leyenda del cine de terror mudo. El papel de Lugosi era en ésta, como en todas las otras, muy pequeño. Hoy en día resulta casi imposible encontrarle en dicha película si no se sabe previamente quien es, pues no llega a tener ni siquiera diálogo. Otra película destacable sería “Black camel”, casi contemporánea de Drácula, donde interpretaba el papel de jeque.

Lentamente, su condición de extranjero le iba encaminando a interpretar papeles de villano y le encasillaba. Tenía un contrato fijo (aunque no exclusivo) con la Metro Goldwyn Mayer, pero ésta le asignaba papeles de escaso interés. El estrellato quedaba lejos y la Metro no le valoraba (irónicamente, en un reciente documental conmemorativo del aniversario de la Metro, ésta se vanagloria de haber “descubierto” a Bela Lugosi…).

Sin embargo, pudo aproximarse al mundo del cine y llegó incluso a contraer matrimonio con la millonaria Beatrice Woodruf Week, que duró escaso tiempo, debido a una aventura de Bela con la estrella del cine mudo Clara Bow. El matrimonio duró, pues, menos de un año.

Bela tuvo más suerte en el teatro: se presentó a las pruebas para la nueva obra de Hamilton Deane y John L. Balderston. El título: Drácula. El éxito: inmediato, tanto de crítica como de público. Lugosi era el villano, pero al fin, también la estrella. Tan arrollador fue el impacto de la obra, que Carl Laemmle Jr. pensó que su compañía, la Universal, podría adaptarla al cine en 1930. Pero Lugosi no fue considerado para el papel, que debía ser interpretado por Lon Chaney, el cual ya dio vida a un vampiro en “London after midnight” (si no consideramos el giro argumental final del relato). Su trágica enfermedad y consiguiente muerte, de cáncer, así como la renuncia de otro gran actor, Conrad Veidt (“El gabinete del doctor Caligari”, “Casablanca”), posibilitaron que Lugosi tuviera opciones. Pero ni aún así fue fácil. Pese a su éxito previo teatral en el rol del Conde, Universal no le quería.

Lugosi se esforzó mucho para lograr el papel. Inició una larga y duradera correspondencia con la viuda Stoker para que cediera los derechos al cine de la novela Drácula (recordemos el escándalo habido por el plagio de la genial “Nosferatu”, que no pagó por los derechos de la obra). Lugosi, con su labia, convenció a la viuda para que vendiera los derechos de la obra, y no solo eso, sino que incluso por un precio muy bajo. Siempre se ha rumoreado, un tanto maliciosamente, que el carismático Bela consiguió seducir a la viuda Stoker por carta. Otras versiones indican que llegó a conocerla en persona. No sería extraño todo lo anterior, ya que de las pretensiones originales de Florence Stoker (200.000 dólares) a la cantidad finalmente estipulada (40.000) hay un gran trecho.

Exhibiendo estos logros, así como su éxito en el teatro, y aceptando cobrar un salario muy bajo (el insufrible David Manners, que encarna en la película a Jonathan Harker, cobró mucho más que él, en concreto, frente a los 3500 de Bela, posiblemente hasta 4 veces más), Lugosi consiguió el papel. El mito había nacido.

El director Tod Browning (responsable de obras maestras como “Freaks” / “La parada de los monstruos), maestro de lo oscuro, lo macabro y lo trágico en el cine (a día de hoy su equivalente sería el no menos magnífico Tim Burton) dirigió la película, que bebía más de la obra de teatro que de la novela. Hubo limitaciones presupuestarias, desconfianza por parte de Universal (que dudaba del potencial de la cinta), e incluso Tod Browning parecía tan incómodo por no poder trabajar con Lon Chaney, como con el cine sonoro, que era aún una novedad entonces. También la censura puso trabas, dañando el guión y limitando bastante algunos aspectos de la cinta, a diferencia de lo ocurrido con la antes citada “El hombre y el monstruo”, también excelente película de terror del mismo año, pero posterior, que mostraba escenas de violencia y sexo más explícitas de lo que se podía esperar por aquel entonces (y tal vez por ello estuvo retirada del mercado 30 años y dada por perdida hasta los años 70).

Volviendo a nuestro “Drácula”, la película superó todos los problemas y se convirtió en una obra maestra, pionera del género de terror y título referencial de éste. Se estrenó el 12 de febrero de 1931 en el Teatro Roxy de Los Ángeles, con éxito inmediato.

La película resultó enormemente impactante: la atmósfera macabra que creó Karl Freund (director de fotografía), así como el extraño ritmo de la cinta, casi onírico, debido al modo en que fue adaptada la obra de teatro y al montaje, fueron el perfecto marco para la poderosa interpretación de Bela Lugosi como el malvado conde vampiro, frío, cruel, desalmado, elegante, carismático, sutil, manipulador, culto, aristocrático y muy inteligente. Era un villano como el público jamás había conocido. Si todos los villanos con protagonismo del cine mudo eran en general grotescos y deformes (como los magníficos personajes de Lon Chaney o las brutales encarnaciones de Mister Hyde), con la salvedad de los de Theda Bara, Drácula era todo lo contrario: fascinante, carismático, “glamuroso”, distinguido e incluso atractivo para las mujeres (se cuenta que muchas se desmayaban en el cine o en las obras de teatro de Lugosi, y no precisamente de terror…), como un nuevo Rodolfo Valentino. Este Drácula contiene elementos de sátira social, al ser un hipócrita, un monstruo que se oculta tras su fachada socialmente respetable para perpetrar sus acciones. Va a la ópera, se mueve en los círculos sociales más sofisticados, haciendo gala de su educación y su buen gusto, e incluso visita a sus víctimas, regodeándose en su impunidad. Se trata de un perfecto antecedente para villanos mucho más modernos (y no vampíricos) como Hannibal Lecter, Catherine Tramell, Hans Gruber o incluso la mitad de la galería de enemigos de James Bond. Así pues y en cierto modo, este Drácula es más cercano a los modernos psicópatas que a la repugnante y odiosa encarnación del mal que magistralmente describió Bram Stoker, y que era siempre instintivamente rechazado por sus semejantes, a los que repugnaba.

El crítico José María Latorre define bien al Drácula de Lugosi como “un personaje a medio camino entre el aristócrata vicioso y decadente y el galán maduro y distinguido cuya aura misteriosa le hace destacar en una sociedad donde la cortesía y las buenas maneras son la fachada de la represión”. José Manuel Serrano Cueto, en su libro sobre el tema, lo define como “un seductor, un encantador de serpientes […] más peligroso que Orlok [Nosferatu] porque la maldad que en Orlok se aprecia a simple vista, en el Drácula Lugosiano está disfrazada de cortesía, de buenos modos, de correcta apariencia. Con su buen trato se gana la confianza de todos los que lo rodean. […] Un Drácula diferente a todos.”. También otros, como el muy prestigioso en EEUU, Leonard Maltin, han analizado y elogiado efusivamente este gran trabajo, por el cual el tiempo no pasa, definiéndolo como carismático y diabólico. Ronald V. Borst afirmó que el arranque de la cinta constituía los que eran probablemente “los mejores primeros 15 minutos de la historia del cine de terror”, y define a Lugosi como “legendario”. El mítico novelista Ray Bradbury afirmó en un artículo, recogido por el crítico anterior, que esta película era una obra de “perfecto terror” y que era uno de los mejores recuerdos de su infancia. También dedicó elogios a su protagonista y a Dwight Frye, que interpreta genialmente a Renfield, el demente, en la misma. Y así, se podrían contar por miles las alabanzas recibidas por el Drácula lugosiano. Y es que este Drácula, sin ni siquiera enseñar los colmillos, creó una atmósfera de terror que otras versiones no pueden igualar ni con sangre a borbotones.

El taquillazo de Drácula fue enorme, incluso pese a la proximidad del crack del 29, y las buenas críticas afloraron por doquier, aunque no con unanimidad, dado el carácter polémico de la cinta. Lugosi fue aclamado. Y aunque bien mereció un Oscar, no recibió ni siquiera una nominación. Lo que sí obtuvo fue un contrato con la Universal, así como la nacionalidad americana en junio de 1931.

Bela se convirtió en la estrella más famosa de ese año. Recibió más cartas de fans que el mismísimo Clark Gable. El público le adoraba. Le llovían las ofertas de papeles. Su caché se multiplicaba…. Y entonces empezó a planear la sombra del fracaso sobre él. Nuevamente, la gloria le sería denegada al poco de empezar a saborearla.

Lugosi cometió un error fatal: la vanidad le impidió aceptar el papel del monstruo de Frankenstein (aún hoy pueden verse fotos de sus pruebas de cámara para el personaje, en las que exhibe un maquillaje semejante al del Golem) puesto que no lo consideraba interesante “al carecer de diálogo”. Debemos recordar que una de las mejores armas de Lugosi era su voz, pues su especial acento había conferido de un carácter único al personaje de Drácula. Su pronunciación y su ritmo lento, casi arrastrando las sílabas fueron la rúbrica de una interpretación genial. Su intensa mirada, otro de sus puntos fuertes, también quedaría empobrecida por un personaje que implicaba párpados caídos. O al menos, así lo veía él. Mudo y grotesco, para Lugosi el monstruo de Frankenstein era un personaje al que consideraba humillante interpretar. Nuevamente el destino se burlaría de él unos cuantos años después, pues se vio obligado a encarnarlo, no para defender su estrellato, sino meramente para sobrevivir económicamente.

Sin Lugosi, Universal buscó a un nuevo actor para la criatura y encontraron a uno conocido como…. Boris Karloff. El reinado de Lugosi duraría solamente desde el estreno de Drácula hasta el de Frankenstein.

Si Drácula era la encarnación pura de la más exquisita maldad, Frankenstein, en cambio, era trágico, un monstruo que al mismo tiempo era una víctima. Un ser que, en vez de fascinar al público (como Drácula), hacía que el espectador se identificara con él. Esta interpretación se asemejaba más al trabajo de Lon Chaney, que gozaba de gran éxito popular.
Siguiendo esta vertiente continuista con Chaney, y aprovechando el inesperado triunfo de Karloff, Lugosi fue progresivamente rechazado. Había interpretado a un personaje que era demasiado moderno para su época. Además, Universal prefería tratar con Karloff que con Lugosi, pues Bela tenía mucho carácter (y algo de mal genio) y siempre que podía, discutía el enfoque artístico y técnico del proyecto.

Otro punto a favor de Karloff consistía en que era británico, mucho más americano ante el público que el húngaro Lugosi. La latente xenofobia del espectador le hizo mucho daño. Lugosi ni siquiera podía ocultar su acento. Y con el tiempo, Karloff pasó de ocupar el registro propio de Chaney (villanos trágicos como su magistral encarnación de “La momia”) a apropiarse también de los del propio Lugosi (como prueba de ello, su excelente interpretación en “Satanás” de un arquitecto psicópata y sádico).

Pero el declive de Lugosi no fue inmediato. Participó en la primera versión de “La isla del doctor Moreau” ("La isla de las almas perdidas" (1932) de Erle C. Kenton), con Charles Laughton, e interpretó a una de las aberraciones mutantes del doctor, demostrando que también podía encarnar personajes deformes. También encarnó al psicópata de "El doble asesinato de la calle Morgue" (1932) de Robert Florey, adaptación libre de la obra de Poe, con muchos elementos del doctor Caligari. Hay dos anécdotas reseñables de la película, una simpática, y la otra odiosa. La simpática radica en que tuvo que repetir muchas veces la escena del discurso inicial, porque un censor consideraba su interpretación “demasiado sexy” (literal, como señala Juan Manuel Serrano Cueto en su libro sobre Lugosi y el terror de Universal). Resulta gracioso ver lo pueril de los censores de la época, considerando el grotesco maquillaje con entrecejo de Lugosi en la película.

La anécdota desagradable tiene que ver con Sidney Fox, la actriz co-protagonista de la película. Resulta que era la amante del productor, y ello motivó que apareciera acreditada la primera, antes que Lugosi, pese a su menor presencia en escena, y su interpretación inferior (Sidney Fox no era precisamente Marlene Dietrich). Esa fue la primera humillación que recibió Lugosi de Universal, que le hizo iniciar una violenta discusión con el productor, que acabó apartando a Bela de la compañía una temporada.

Resentido, Bela empezó a frecuentar el cine independiente (en esto también fue un pionero) y además, en 1933, contrajo matrimonio por tercera vez, con Lillian Arch, su esposa hasta 1953 y su relación más estable. Una parte de su vida comenzaba a equilibrarse, al menos. Con ella tuvo a su único hijo, Bela G. Lugosi.

En el cine independiente protagonizó la mítica “La legión de los hombres sin alma” (“White Zombie”), donde encarnó a un personaje muy “a lo Drácula”, el despiadado y carismático nigromante Murder Legendre, que cimenta su reinado de terror con la ayuda de su ejército de zombis. Es la primera película de zombis de la historia del cine, y otro punto más donde Lugosi resulta pionero. Resulta también uno de los grandes papeles del actor hungaro. La película tuvo una pseudo-secuela (“Revolt of the zombies”, donde Lugosi tuvo solo un breve cameo, fruto de reciclar escenas, y que fracasó estrepitosamente).

En cambio, para los grandes estudios, Bela protagonizó un remake de “London after midnight”, la magnífica película muda de Lon Chaney, hoy perdida, llamada “The mark of the vampire”, que resultó innecesariamente cómica y poco satisfactoria. Lugosi aparecía más en el trailer que en la propia película. Ray Bradbury califica directamente a la cinta como “un timo”. Otros críticos, como Juan Andrés Pedrero Santos, afirman que es una maravilla… En todo caso, la caracterización de vampiro de Lugosi (que diseñó su propio vestuario) fue lo mejor de la cinta.

También protagonizó seriales cinematográficos como el de Chandu y el del Doctor Dorkas, ambos refundidos en películas, que serían respectivamente las curiosas, pero prescindibles “Chandu in the magic island” y “El acecho del fantasma”. De Chandu el mago debe decirse que fue el personaje que inspiró a Stan Lee para crear al Doctor Extraño (Doctor Strange), héroe de cómic.

Bela ansiaba, sin embargo, interpretar papeles “normales”, de héroe o de galán, no siempre de monstruo, y se sentía frustrado por no lograrlo. Movió hilos para ello, pero fracasó de nuevo. Apareció en la comedia “Ninotchka" (1939), de Ernst Lubitsch, pero en vez de dar vida al protagonista, como quería, se tuvo que conformar con un pequeño papel de villano soviético. Dicha película habría sido perfecta para dar un giro a la carrera de Lugosi, pues hablando en ella también la estrella, Greta Garbo, con un marcado acento, la traba habitual de Lugosi en el cine para el público de la época, habría quedado menguada, y Bela habría exhibido sus dotes cómicas y su talento de actor completo. No pudo ser. El premio de consolación fue que al menos, en la segunda temporada de “Chandu”, Lugosi interpretó al héroe, Chandu, en vez de al villano, el megalómano Roxon, como en la primera.

Mientras tanto, Universal decidió emparejar a Lugosi y Karloff en una serie de películas de terror. Karloff (no lo olvidemos, también un gran actor) cobraba el doble que Lugosi, su nombre aparecía el doble de grande en los créditos y su personaje tenía más peso en la película. Lugosi se conformaba con, simplemente, actuar mucho mejor….

"Satanás" (1934) de Edgar G. Ulmer, fue el primero de sus encuentros (ignoraremos “El don de la labia” y “El castillo de los misterios”, al ser comedias en las que hacen meros cameos alargados).

En “Satanás” (“The Black cat”) en referencia a Poe, Lugosi tiene la posibilidad de encarnar a un héroe, aunque de rasgos siniestros, Vitus Verdegast, que pretende vengar a su esposa y su hija fallecidas a manos del sádico y retorcido Poelzieg (Karloff). La escena final en la que Lugosi despelleja salvajemente a Karloff tras una pelea brutal, para así hacerle entender el dolor que ha causado a miles de víctimas inocentes, así como otra escena previa en la que Lugosi y Karloff se juegan la vida de una mujer en una partida de ajedrez (si Karloff gana, la mata, si gana Lugosi, se le permite escapar) son escenas muy poderosas, que configuran a la cinta como una de las mejores de ambos genios.

"El cuervo" (1935) de Louis Friedlander, inmediatamente posterior y estilísticamente casi una secuela de la anterior, motivada por su éxito, muestra a Lugosi y Karloff volviendo a sus roles de siempre. Si el elegante Drácula de Lugosi ya resulta una influencia para Hannibal Lecter (Stephen King afirma en su publicidad del libro “Hannibal” que “Hannibal Lecter es el Drácula de la era de los ordenadores”), el personaje de Bela aquí, en “El cuervo”, el Doctor Richard Vollin, es más todavía, si cabe, un antecedente directo del Doctor Lecter, al ser un doctor en medicina y psicópata, con los atributos habituales de Lugosi (elegancia, inteligencia, refinada crueldad, etc…) y una curiosa sensibilidad literaria y personal. Una nueva interpretación genial.

Siguieron la serie dos títulos (“El poder invisible”, de 1936 y la muy posterior “Viernes negro”, de 1940) en los que el personaje de Lugosi menguaba todavía más frente a Karloff. En “Viernes negro” está totalmente desperdiciado. Da vida a un gangster, pero sus líneas son tan escasas como patéticas (su personaje es simple, cobarde y mezquino) y su muerte (asfixiado en un armario) totalmente ridícula. Bela seguía completamente encasillado, pese a haber interpretado a héroes en “Satanás” y “El poder invisible” (donde da vida a un bondadoso científico). Si salía del registro de villano era solo para convertirse en villano secundario y víctima potencial.

En todo caso, ambos títulos, “El poder invisible” y “Viernes negro”, resultan interesantes, más el primero que el segundo. Debe decirse, a título de anécdota, que “Viernes negro” estuvo a punto de llamarse “Viernes 13” (si vemos los créditos, apreciamos que incluso aparece el dibujo de una hoja de calendario marcando esa fecha). Obviamente, no trata de las andanzas de Pamela y Jason Vorhees, sino de una venganza entre mafiosos, con trasfondo sobrenatural.

“El poder invisible” tiene un guión muy bueno, aunque al servicio de Karloff, con una base psicológica muy trabajada. Karloff interpreta a un científico taciturno e introvertido, que adquiere el poder de destruir todo lo orgánico que toca. Lugosi (en el papel más positivo, a nivel moral, de toda su carrera) es su amigo, un médico filantrópico que pretende ayudarle. Pero la mente de Karloff empieza a retorcerse y comienza a sufrir delirios paranoides y megalómanos. El final degenera en una carnicería y es la propia madre de Karloff la que acabará matándolo. Una cinta muy recomendable para ver a Bela en un registro diferente al que nos tiene acostumbrados, y nueva muestra de su versatilidad.

Sobre “Viernes negro”, debe decirse que fue un descomunal fracaso en taquilla, lo que hizo que Lugosi y Karloff interrumpieran su serie de colaboraciones.

Paralelamente, las películas independientes en las que participaba Bela eran cada vez más mediocres, pero al menos en ellas él aún era el protagonista. Eran técnicamente pobres, pero algunas tenían buenos argumentos. Participó en muchas de la clausurada Monogram, así como en las de otras efímeras compañías, que no conoceríamos de no haber tenido la fortuna de haber contado con Lugosi como protagonista. Llega incluso a viajar a Inglaterra en 1935 para filmar “The Phantom Ship”, la primera película de terror de una incipiente compañía británica. Su nombre: Hammer Films, la mítica compañía que décadas después revitalizaría personajes como Frankenstein y Drácula, y convertiría en estrellas a Peter Cushing y Christopher Lee. Bela les marcó el camino. En esta película, Lugosi interpreta a un marinero psicópata que diezma a la tripulación de un barco, el Mary Celeste. Se infiltra entre ellos haciéndoles creer que es un anciano manco y decrépito. Finalmente, los mata a todos y se alza triunfante como capitán del barco. A continuación, probablemente escapa, o bien, se suicida, tras haber vencido (como en la novela de Agatha Christie “Diez negritos), resulta ambiguo de decir cual de las dos cosas ocurre. Lo que está claro es que es una película realmente atípica, seguramente la primera jamás filmada en la que el asesino resulta triunfante. Toda una rareza muy difícil de encontrar hoy día, pero que vale la pena.

Lugosi fue arruinándose progresivamente. Aunque trabajó en el teatro (en Broadway y en giras por América), recuperando a Drácula, su situación financiera era muy delicada. Tanto que tuvo incluso que pedir prestado dinero para pagar la factura del hospital cuando su hijo nació en 1938.

Revitalizó parcialmente su carrera al interpretar al pérfido y deforme Ygor en 1939, en “El hijo de Frankenstein”, con Basil Rathbone (en un papel que rechazó Claude Rains) y Boris Karloff (en su última y peor encarnación de su magnífico e irrepetible monstruo). Tan bien lo hizo Lugosi que algunos críticos (no quien esto escribe) piensan que su papel de Ygor fue mejor que el de Drácula.

Pero como siempre, las cosas solo mejoraron un poco para empeorar muco más. Como hemos dicho, el batacazo de “Viernes negro” en 1940, le dañó mucho. Por lo menos, recuperó a Ygor en la mediocre “El fantasma de Frankenstein”, siendo nuevamente lo mejor de la película su interpretación.

Siguió protagonizando películas de serie B en compañías paupérrimas, aunque también hubo en ellas algunos buenos títulos como “Los ojos misteriosos de Londres” y “El fantasma invisible”. La primera se basa en un relato de Edgar Wallace, y trata sobre un despiadado timador, que extiende pólizas de seguros a nombre de ciegos (víctimas indefensas), para luego asesinarlas y cobrar la prima. Pese al nombre español (“Los ojos misteriosos…”), resulta mas adecuado el título original, “The human monster”, pues, aunque en ella, Orloff (Lugosi), tiene a su servicio a un ser deforme, el verdadero monstruo es él. Resulta uno de los personajes más malvados del actor, y su muerte, ahogado en cemento y barro, es antológica.

En cambio, “El fantasma invisible”, relata la historia de un viudo atormentado por su amor perdido, que padece un brote esquizoide y se convierte en un asesino en serie. Resulta una película muy recomendable.

Pese a triunfos artísticos como estos, Universal solo le llamaba para papeles ridículos en películas como “El gorila”. No había más suerte con las otras grandes productoras. Aunque encarnó el papel de villano en la cuarta película de “El Santo”, con George Sanders (quien hacía el personaje de Simon Templar que luego interpretarían Roger Moore y Val Kilmer), era un papel muy por debajo de sus posibilidades. De hecho, el gangster al que daba vida Lugosi, se pasaba media película durmiendo (literalmente). Sin embargo, pese a decepciones como éstas, Bela nunca dejó de tomar en serio su trabajo, ni arrinconó su profesionalidad. La interpretación era su vida y se sentía orgulloso de sus logros. Aparecía en 4 o 5 películas por año, cintas que a día de hoy son rarezas buscadas por cinéfilos y mitómanos, con estatus de películas de culto, habiendo algunas especialmente interesantes como “Dragones negros” (película de espías, en la que da vida a un antihéroe que lleva a cabo una sangrienta venganza contra unos agentes japoneses, y en la que incluso interpreta dos escenas de acción) o “The corpse vanishes” (cinta truculenta y con elementos necrofílicos y de amor maldito/imposible), filmes que sin ser excelentes, resultan interesantes, y que de haber tenido mejor director y guionista, serían grandes clásicos. El público, en todo caso, no le olvidaba en aquellos años (ni ahora).

Pero la desgracia le golpeó de nuevo. Las heridas sufridas durante la guerra se habían convertido en un mal crónico para él, y tras probar remedios naturales sin mitigar su dolor, el médico le recetó opiáceos. Lentamente, y sin pretenderlo, se convirtió en un drogadicto.

Gastó su último cartucho al ofrecerle a Universal protagonizar su nuevo proyecto, “El hombre lobo” (1941). Fue rechazado y el papel otorgado a Lon Chaney junior, pero a Bela se le permitió encarnar, a modo de homenaje, el papel del gitano Bela, el otro hombre lobo de la cinta. Completó el reparto el excelente Claude Rains (en el mismo personaje de Anthony Hopkins en el remake de 2009). A día de hoy, revisando este gran clásico, podemos afirmar que Rains y Lugosi superan interpretativamente al protagonista, pese a tener éste el papel más interesante, y a ser su interpretación muy buena, a pesar de su carencia de experiencia.

Paralelamente, Universal había arruinado la franquicia de Drácula con mediocres continuaciones como “La hija de Drácula”, o peor aún, “El hijo de Drácula”. Ésta es muy pobre técnicamente, en parte por culpa de la interpretación de Lon Chaney Jr, que carecía del carisma tanto de su padre biológico (Lon Chaney) como de su padre argumental (Drácula/Lugosi). Cuando el actor intenta ser terrorífico, solo consigue que parezca sufrir dolor de estómago. Conscientes de sus limitaciones, los dirigentes de Universal hicieron que el verdadero villano de la historia fuera una femme fatale que manipula al hijo de Drácula (de nombre, por cierto, Alucard). En defensa de Lon Chaney junior cabe decir que en papeles como el del trágico hombre lobo Larry Talbot, al que encarnó en la franquicia que se abrió, se defendía mucho mejor.

En cambio, en “La zíngara y los monstruos” y “La mansión de Drácula”, el Drácula interpretado muy correctamente por John Carradine, y con porte aristocrático, no era más que un pelele atrapado en un guión confuso y autoparódico que hacía un cóctel de monstruos de la Universal.

En 1943, Lugosi, casi en bancarrota y muy enfermo, finalmente se doblegó y aceptó interpretar a la criatura de Frankenstein en “Frankenstein y el hombre lobo”. El resultado es desastroso. Lugosi interpreta en la película al monstruo como quedó en “El fantasma de Frankenstein”, o sea, ciego y con el cerebro de Ygor en su cráneo. Luego, el montaje final eliminó su ceguera y sus diálogos, dando como resultado un monstruo ridículo y torpe (sin saber que estaba ciego, lo que parecía era que estaba toda la película borracho) que le acarreó la burla del público y la crítica. Lugosi se sintió personalmente humillado, pues la modificación se hizo sin su consentimiento e incluso sin aviso.

Su vida y su obra siguieron una espiral descendiente. Protagonizó películas como “El retorno del vampiro”, revisión de Columbia sobre el vampirismo, y secuela inconfesa de Drácula, donde Lugosi da vida al Conde Tesla, que reside en el Londres asediado por las bombas V-2, y que resulta técnicamente superior a “Drácula”, pero argumentalmente inferior, siendo su mayor acierto las notas de romanticismo y tragedia que incorpora; o bien “One body too many”, una comedia negra que sube enteros cada vez que él aparece, en su caracterización de mayordomo “quemado” por su trabajo y que pretende envenenar a todo aquel al que encuentre, aunque las circunstancias provocan que nadie pueda llegar a beberse los brebajes que él ofrece disfrazados de martinis. Pese a que el guión de la película es muy flojo, y tiene una mezcla mala de comedia y terror que recuerda a los remakes de “The bat” y “The cat and the canary”, lo cierto es que las escenas de Lugosi son muy buenas, al igual que ocurría en la muy mediocre “La casa encantada” (“Ghosts on the loose”) en la que solo se salvan las interpretaciones de Bela y Ava Gardner.

En 1945, RKO volvió a reunir a Lugosi y Karloff para la tardía “El ladrón de cadáveres”, donde el personaje de Lugosi sufrió múltiples recortes, hasta el punto de que apenas aparece en la cinta, y su única escena memorable es la de su muerte. En todo caso, debe decirse que la publicidad de la época mencionaba a Lugosi como si su peso en la cinta fuera mucho mayor. Debe elogiarse el excelente papel de Karloff en la película, que se inspira en un hecho verídico, las andanzas de los ladrones de cadáveres Burke y Hare.

En “Scared to death” (1947), Lugosi aparece en su primera y única película en color. Es casi lo único reseñable, además de que la banda sonora recuerda un poco a la composición de Ennio Morricone para “La cosa” de John Carpenter. Por lo demás, el guión es de los peores que Lugosi interpretó nunca.

En “Abbot y Costello contra los fantasmas” (“Abbott and Costello meet Frankenstein”) (1948), Bela, visiblemente muy envejecido, interpreta por segunda vez al conde Drácula, ahora para ser blanco de las burlas de los payasos Abbott y Costello. La película era una parodia, como casi todo lo que haría a continuación Bela. Y, en cierto modo, graciosa (aunque muy tonta), de no ser por el hecho de que Bela casi parece que se vaya a echar a llorar en cada secuencia. Está deshecho y su tiempo de gloria hace mucho que expiró.

Y a los otros genios del terror de la época (Karloff, Peter Lorre, Conrad Veidt, John Carradine y Claude Rains) las cosas no les van mejor. Sus continuos fracasos en taquilla amenazan entonces la mismísima continuidad del género de terror, que va entrando en decadencia a favor de la ciencia ficción de viajes espaciales, extraterrestres y monstruos gigantes. Claude Rains, Peter Lorre y Conrad Veidt cambian exitosamente de género. Claude Rains (inolvidable como “El hombre invisible”) consigue incluso trabajar con Hitchcock y llega a atesorar cinco nominaciones a los Oscar de la Academia. Bela no tiene tanta suerte. Se dedica al teatro y solo vuelve al cine para protagonizar engendros como “Mother Riley Meets the Vampire” o “Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla”, que son presuntas comedias y auténticas tonterías.

Lugosi se divorció de nuevo en 1953. Se quedó solo y enfermo. Su situación personal era extrema. Ni siquiera trabajaba, estaba siendo olvidado. El Bela Lugosi de esta época suele ser descrito como solitario y muy excéntrico, durmiendo en un ataúd, viajando en un coche fúnebre, obsesionado con sus glorias pasadas, y enloquecido por su mejor papel, casi como si Bela fuera un personaje escapado de “El crepúsculo de los dioses”. Es una visión un tanto exagerada. Aunque Lugosi fuera excéntrico, mantuvo los pies en el suelo. Además, seguía en contacto con la realidad social. Incluso llegó a filmar benéficamente unos vídeos, en los que daba clases de matemáticas a los niños (que se pueden encontrar en Youtube). Pero lo cierto es que se encontraba en su peor momento, personal y profesional, muy decadente. Y entonces, Edward D. Wood, Jr (Ed Wood) llamó a su puerta.

Ed Wood era un ferviente fan de Lugosi. Adoraba su trabajo y estaba decidido a devolverlo a la cumbre. El problema es que Ed Wood también es el llamado hoy “peor director de todos los tiempos”. Sin embargo, este hombre tan despreciado por algunos hizo lo que muchos no lograron previamente: respetó a Lugosi. Le ofreció el papel de narrador en “Glen o Glenda” (un esperpento de película), pero principalmente, le dio el papel protagonista de “Bride of the monster”. Bela estaba contento de volver a trabajar. Y tenía un nuevo amigo. Ed Wood perpetró en “Bride of the monster” una cinta de terror muy pobre técnicamente, pero que tiene un grandísimo momento, una escena magnífica y muy conmovedora, un monólogo casi autobiográfico en el que el personaje de Lugosi (y el propio Lugosi) reflexiona sobre su situación (solo, exiliado, olvidado, humillado), demacrado y casi llorando, para al final encontrar fuerzas para seguir adelante. Un momento realmente conmovedor y que bien vale el visionado de la cinta. La película es mala, pero tiene alma, algo de lo que no puede presumir el 90 % de la filmografía de directores como Michael Bay (“Pearl Harbour”).

Bela estaba, de nuevo, ilusionado. Todo lo frustante que le resultó “The Black sleep” (1956, su última película de estudio), en cambio le divirtió su participación en estas cintas. La amistad de Wood dio paz a un viejo atormentado. Lugosi, además, se volvió a casar, esta vez con Hope Linniger, y preparaba nuevos proyectos con Ed Wood, como “The Ghoul Goes West”, “The Phantom Ghoul” y “Dr. Acula” (nótese el juego de palabras del título). Comenzó a rodar con Ed “Plan 9 from outer space”, que contiene otra escena memorable, aquella en la que Bela, dando vida a un anciano viudo, hace una interpretación muy contenida y realmente brillante, sin palabras, transmitiendo su desgracia y su dolor interno mientras huele una flor de su jardín, minutos antes de morir.

Entonces, el 16 de agosto de 1956, Bela Lugosi falleció. Fue enterrado con su capa de Drácula, recuerdo de su momento de esplendor. A su entierro acudieron unas pocas personas, entre ellas, su familia y sus compañeros de profesión. Su viejo rival Boris Karloff estuvo entre los presentes. Afectuosamente, pronunció unas palabras.

Poco después, antes de acabar la década de los 50, se popularizan completamente a escala nacional, estadounidense e internacional, las emisiones de televisión, que ya existían años antes. Se reponen domésticamente películas como “Drácula” y “Frankenstein”, y vuelven a gozar de gran popularidad. La figura de Lugosi es completamente reivindicada. Consigue una legión de seguidores. El género de terror, casi muerto, resucita. En Inglaterra, Hammer Films, la productora a la que Bela ayudó a consolidarse, estrena “Horror of Dracula”, con Peter Cushing y Christopher Lee (el cual, en honor de Lugosi, cuando interpretaba al conde llevaba un anillo que había pertenecido a Bela). La popularidad de Drácula se dispara, los ojos del público se vuelven de nuevo hacia Bela Lugosi. Roger Corman y Vincent Price homenajean a los viejos clásicos. El terror está en completa efervescencia. Lugosi, de actualidad. Stan Lee le hace en algunos de los comics que escribe, pequeñas menciones y homenajes. El cine de terror ha vuelto para quedarse, en los años 60, 70 y 80, hasta nuestros días. Y Bela Lugosi, de haber vivido unos pocos años más, lo habría visto con sus propios ojos.

La herencia fílmica de Lugosi abarca además tres homenajes póstumos:

La película “El corazón delator” (2005) recoge la narración de Lugosi, en su época de inmigrante, del inmortal relato de Poe, y la convierte en un corto de animación. Resulta un homenaje mayúsculo.

Por su parte, “Pickfair 5619 Hollywood”, proyectada en Sitges 2006, y dirigida por el valenciano Santiago Struch, es una excelente reflexión sobre Bela Lugosi y su inmortalidad cinematográfica, una película fascinante, profunda y evocadora.

Pero si hay un homenaje por excelencia a Lugosi, es el dispensado en la película “Ed Wood”, dirigida por el genial Tim Burton (gran fan de Vincent Price y Lugosi), cuyas películas se cuentan por clásicos modernos, y protagonizada por Johnny Depp y Martin Landau (como Lugosi), todo un viaje conmovedor y respetuoso a los últimos días del mito, a su decadencia. Película multigalardonada, le supuso un Oscar a Landau por su papel de Lugosi en sus últimos días, trágico y lastimoso, realmente magnífico.Por cierto, y en referencia al viejo conflicto Lugosi-Karloff, debe decirse, que como el Cid, Bela ganó batallas (y la guerra) después de muerto, y a día de hoy es más popular que Boris Karloff, siendo una figura muy reivindicada. Artistas tan dispares como el genial Tim Burton, y el rockero y director Rob Zombie se confiesan fans suyos.
Incluso Universal, al editar en DVD las colaboraciones de Bela y Boris en el cine, lo llamó “Pack Bela Lugosi”, compensando así los desplantes que tuvo que sufrir Bela durante años. Como bien dice el epílogo de la cinta de Burton, “Ed Wood”: “El legado económico de Lugosi supera hoy día al de Karloff”. A nivel crítico estarían como mínimo a la par. Irónicamente, Bela ganó como siempre, a título póstumo.

La vida de Lugosi, recapitulando, se entrelaza con la consolidación del género de terror, pues Lugosi protagonizó su primer éxito de taquilla (“Drácula”), y la primera franquicia así entendida de la historia del género en los Estados Unidos, además, apareció en la primera película de zombis (“La legión de los hombres sin alma”), y junto a él, Boris Karloff, Vincent Price y la mítica Hammer Films, dieron sus primeros pasos. Incluso llegó a interpretar al primer psicópata de la historia del cine que triunfa en sus propósitos (el de “Phantom ship). Sería imposible entender el género de terror sin Lugosi y sin su conde Drácula, el inmortal al que Lugosi debe que su fama sea imperecedera y que su sombra se extienda a las nuevas generaciones. Dijo Bela Lugosi antes de morir: “Soy el conde Drácula, el rey de los vampiros, soy inmortal”. No era un delirio, sino la comprensión al fin, en un destello de lucidez, de que toda su amargura, todo su sufrimiento y dedicación habían servido para algo. Habían generado un inolvidable legado. Es más, bien podríamos decir que mientras que Béla Ferenc Dezso Blaskó murió en 1956, Bela Lugosi (y su Conde Drácula) vivirán para siempre.

Por: Javier Bort Estrada

Web: Aullidos

El evento emana del esfuerzo conjunto de las embajadas aquí del Grupo de Países Latinoamericanos (GRULAC) y el prestigioso Centro Internacional de la India (IIC), en cuyo auditorio se mostrarán hasta el día 14 cintas de 11 países.

El embajador ecuatoriano y actual coordinador rotativo del GRULAC, Carlos Abad, dijo a Prensa Latina que “la idea es presentar una faceta de la filmografía latinoamericana al público indio acostumbrado al cine que sale de Bolliwood, que es básicamente musical y de entretenimiento.

“Poseemos un cine que revela otras cosas: las realidades, luchas, padecimientos, los problemas de nuestros pueblos, como también sus costumbres y arraigos culturales, y queremos mostrar todo eso”, señaló.

“Los espectadores no solo verán los colores de nuestros países, sino también el carácter de nuestros pueblos”, recalcó Abad.

En la muestra de 11 películas hay comedias, dramas, reseñas históricas y ficciones. Entre ellas están “El Benny” (Cuba), “Nueba Yol” (República Dominicana), “El Cobrador” (México), “Profesión Cinero” (Paraguay), “Que tan lejos” (Ecuador) y “Mi Mejor Enemigo” (Chile).

También figuran “Os Normais” (Brasil), “El embajador de la India” (Colombia) y “Tinta Roja” (Perú).

La directora del IIC, Kavita Sharma, afirmó que el objetivo del centro es servir de puente entre las culturas del mundo, y en ese empeño se fundamenta este Festival.

Sharma resaltó que el objetivo “de este esfuerzo es promover la amistad y solidaridad, así como un mejor entendimiento de nuestras realidades”.

La ejecutiva recordó que en dos ocasiones anteriores, en 1995 y 2003, el IIC acogió muestras del cine latinoamericano, aunque la idea ahora –señaló el embajador Abad- “es lograr que el Festival se convierta en un evento anual”.

El festival, que concluirá el domingo 7 de septiembre, incluirá  la exhibición de tres películas de estreno, y es también auspiciado  por la embajada de India, país cuya filmografía figura entre las más  importantes del llamado tercer mundo.

Entre los filmes que serán proyectados por primera vez en Cuba está "Adelante, India" (Chak de India), con la que se inició este lunes el festival.

El filme podrá ser visto otra vez mañana martes en la tarde y el  próximo sábado por la noche, en la sala habanera de proyecciones "Chaplin".

Dirigido por Shimit Amin y protagonizado por una de las estrellas  más cotizadas de la pantalla india, Shahrukh Khan, "Adelante, India"  es una cinta de entretenimiento acerca del juego de hockey sobre  césped.

La película trata sobre el espíritu de lucha y en ella el valor,  la determinación y fortaleza se ponen a prueba cuando un equipo de  jóvenes indias se enfrenta a los mejores equipos del mundo.

Otro atractivo de la muestra será la película "Pushpak", una  comedia de dos horas y cinco minutos, dirigida por Singeetam Srinivasa Rao, y que narra los avatares de un rico beodo y un  universitario pobre, sin que medie diálogo alguno.

La muestra de cine indio en La Habana incluirá también el filme  "Krrish", de Raken Roshan, así como "Bunti y Babli", de Shaad Alí Sargal, dos producciones de Bollywod, la gran industria fílmica  india.

La primera de ellas trata de aventuras y fantasía, y la segunda, de una historia de amor, con bailes y canciones.

El evento bianual, que ahora tiene sede en Bolivia, es organizado por la Coordinadora Latinoamericana de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas (CLACPI) con el objetivo de “afirmar el reconocimiento social, político y cultural de los pueblos indígenas y motivar la producción de obras cinematográficas y videográficas que los retraten dignamente”.

De acuerdo a los organizadores, este año se han recibido más de 250 obras de todo el mundo, de las cuales se han seleccionado 86 trabajos de países tan distantes como Argelia, Australia, Canadá, Guatemala o la India, que serán presentados en la muestra oficial, que comenzará el 10 de septiembre en La Paz y Santa Cruz.

Las actividades paralelas al Festival comenzaron el 25 de agosto con una muestra itinerante en comunidades indígenas bolivianas y desde ayer presentan actividades en El Alto.

En el programa oficial destacan los Foros: VI Encuentro Internacional de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas, que reflexionará sobre el papel de la comunicación indígena en el contexto actual, y la retrospectiva del Plan Nacional Indígena Originario de Comunicación Audiovisual.

Las mesas temáticas, que tratarán problemáticas diversas como Mujeres Indígenas: ¿Objeto o Sujeto de la comunicación?, se complementarán con presentaciones artísticas y exposiciones.

Entre los invitados internacionales figuran: Humberto Solás, Tania Valette (Cuba), Martha Rodríguez (Colombia) y Juan Mora (México), entre otros.

PARA LOS JÓVENES

Muestra • El 3, 5 y 9 de septiembre, la muestra Jóvenes y miradas indígenas presentará documentales, ficciones y animaciones a estudiantes alteños.

Inauguración • La muestra fue abierta ayer, en el Teatro Raúl Salmón, en presencia de los colegios Mejillones y Santa María de los Ángeles.

La obra del responsable de títulos como Son de mar, La teta y la luna o Las edades de Lulú será presentado en público el próximo 17 de septiembre, en un acto en el que estarán presentes el artista y el alcalde de