Murió Eric Rohmer, un observador del amor

Genio introvertido, tímido al exceso de no querer dar entrevistas personales ni viajar para acompañar a sus películas en los festivales internacionales, para no ser reconocido y poder deambular, tranquilo, por las orillas del Sena en su amada París. Con la muerte de Eric Rohmer, se va uno de los mayores talentos vivos que tenía hoy la Nouvelle Vague, que integró junto a François Truffaut, Claude Chabrol, Alain Resnais, Jean Luc Godard y Jacques Rivette.

Yo no digo cosas en mis películas, yo muestro gente que habla y se mueve comol os paisajes, las caras, los gestos y sus comportamientos…“, decía. Observador del amor, Rohmer desistió de continuar escribiendo sus Cuentos morales -que había concebido como una novela- al advertir que podría contar sus sentimientos en imágenes.

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El Signo de Leo

el signo de leo El Signo de Leo
Eric Rohmer
Título Original:
Le signe du Lion
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama
Guión: Paul Gégauff, Eric Rohmer
Director: Eric Rohmer
Fotografía: Nicolas Hayer
Montaje: Anne-Marie Cotret
Música: Louis Saguer
Producción: Claude Chabrol, Roland Nonin
Duración: 103 minutos
Intérpretes: Jess Hahn (Pierre Wesselrin), Michèle Girardon (Dominique Laurent), Van Doude (Jean-François Santeuil), Paul Bisciglia (Willy), Gilbert Edard (Michel Caron), Christian Alers (Philippe), Paul Crauchet (Fred), Jill Olivier (Cathy), Sophie Perrault (Chris), Stéphane Audran (Dueña del hotel), Jean Le Poulain (Le clochard).

El primer largometraje de Eric Rohmer es un cuento tragicómico sobre la espiral descendente de un hombre dentro de la pobreza y el aislamiento. Mientras la película muestra la inexperiencia de Rohmer como cineasta demasiado claro y también sufre de algunas fallas obvias –las mas notables son las extrañas referencias a la astrología y al destino- es un convincente y, a fin de cuentas, doloroso trabajo que hace algunas válidas afirmaciones sobre la naturaleza humana.

Cualquier película que aborde el tema de los sin techo es improbable que le haga justicia y capture la completa tragedia de sus predicamentos, pero esta película de alguna manera logra este objetivo. Los intentos cada vez más desesperados de Pierre para encontrar comida y mantenerse en pie son a la vez graciosos y agónicamente conmovedores –como en muchas de las posteriores películas de Rohmer, son estos pequeños detalles los que pueden tener grandes efectos en la audiencia.

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El fuego fatuo

le feu follet El fuego fatuo

Louis Malle
Título Original:
Le feu follet
País: Francia
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Pierre Drieu La Rochelle
Director: Louis Malle
Fotografía: Ghislain Cloquet
Edición: Suzanne Baron
Música: Erik Satie
Producción: Alain Quefféléan
Duración: 108 minutos
Intérpretes: Maurice Ronet (Alain Leroy), Léna Skerla (Lydia), Yvonne Clech (Mademoiselle Farnoux), Hubert Deschamps (D’Averseau), Jean-Paul Moulinot (Dr. La Barbinais), Mona Dol (Madame La Barbinais), Pierre Moncorbier (Moraine), René Dupuy (Charlie), Bernard Tiphaine (Milou), Bernard Noël (Dubourg), Ursula Kubler (Fanny), Jeanne Moreau (Eva), Alain Mottet (Urcel), François Gragnon (François Minville), Romain Bouteille (Jerome Minville), Jacques Sereys (Cyrille Lavaud), Alexandra Stewart (Solange), Claude Deschamps (Maria), Tony Taffin (Brancion), Henri Serre (Frederic).

Malle comenzó a trabajar en El fuego fatuo en 1962, luego que un amigo periodista le dijera que se iba en un viaje y luego se suicidara en su habitación, donde fue encontrado días después. Malle estuvo fascinado por el suicidio como una cuestión intelectual desde sus días de escuela, cuando descubrió al existencialista francés Albert Camus, quien afirmaba que “no hay más que un problema filosófico verdaderamente serio: el suicidio”. Malle prefería la visión objetiva de Camus sobre las enseñanzas de la educación católica romana, la cual veía al suicidio como un pecado mortal, y decidió que esta película tendría un acercamiento filosófico, imparcialmente observando el comportamiento de un joven hombre quien opta por quitarse la vida porque no esta interesado en volverse un verdadero adulto como lo habían hecho sus viejos amigos.

Malle comienza por escribir una larga historia para la película, en 1962, cuando varios ultraconservadores franceses estaban realizando violentos esfuerzos para frustrar la revolución argelina contra el colonialismo francés. Malle estaba insatisfecho con lo que había escrito, así que un amigo le sugirió que leyera Le Feu Follet, una novela corta publicada en 1931 por Pierre Drieu La Rochelle, un fascista francés quien colaboró con la ocupación nazi de Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La novela de Drieu estaba basada en los últimos días de la vida real del poeta surrealista Jacques Rigaut, quien se suicido luego de años de escribir y hablar sobre eso; esto hizo que Drieu se sintiese culpable por fallar en prevenirlo, y en 1945 el mismo se suicido. Malle había leído Le Feu Follet años antes, pero habiendo sido persuadido para leerla de nuevo abandona su propio trabajo y adapta la novela de Drieu.

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Moderato Cantabile

moderato cantabile Moderato Cantabile

Peter Brook
Título Original:
Moderato Cantabile
País: Francia, Italia
Año: 1960
Género: Drama
Guión: adaptación de la novela de Marguerite Duras
Director: Peter Brook
Fotografía: Armand Thirard
Edición: Albert Jurgenson
Música: Antonio Diabelli
Sonido: William Robert Sivel
Producción: Raoul J. Lévy
Duración: 95 minutos
Intérpretes: Jeanne Moreau (Anne Desbarèdes), Jean-Paul Belmondo (Chauvin), Pascale de Boysson (Dueño del bar), Jean Deschamps (M. Desbarèdes), Didier Haudepin (Pierre), Colette Régis (Miss Giraud), Valeric Dobuzinsky (Valéric).

Una aburrida ama de casa, Anne, testigo del asesinato de una mujer por su novio en un bar. De casualidad, conoce un hombre, Chauvin, un trabajador, quien comparte su fascinación por el asesinato. Mientras los dos discuten sobre la historia de la tragica pareja y especulan sobre las circunstancias que llevaron al asesinato, Anne se encuentra atraída por Chauvin. El deseo de Anne por su nuevo amigo aumenta y, al final, se vuelve demasiado para Chauvin. Una noche, Anne y Chauvin arreglan un último encuentro en el bar donde el asesinato que los unió se llevo a cabo.

Una hermosa lírica pero sombría pieza de cine, Moderato cantabile es un excelente ejemplo de la Nouvelle Vague francesa de comienzos de la década de 1960. es un conmovedor y elocuente estudio de la psicología de una aburrida, adinerada ama de casa, atrapada en una vida de rutina y previsibilidad, mientras deseaba alguna aventura para darle sentido a su vida. Estamos en el mismo terreno que la película de Louis Malle, Les Amants, en la cual Jeanne Moreau de nuevo interpreta el papel de un ama de casa aburrida. Sin embargo, Moderato Cantabile se mete más profundamente bajo la piel de una mujer, y el resultado es ligeramente mas interesante y satisfactorio que el de la película que Malle.

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Mi noche con Maud

mi noche con maud Mi noche con MaudEric Rohmer
Título Original:
Ma nuit chez Maud
País: Francia
Año: 1969
Género: Comedia
Guión: Eric Rohmer
Director: Eric Rohmer
Fotografía: Néstor Almendros
Producción: Pierre Cottrell, Barbet Schroeder
Duración: 110 minutos
Intérpretes: Jean-Louis Trintignant (Jean-Louis), Françoise Fabian (Maud), Marie-Christine Barrault (Françoise), Antoine Vitez (Vidal), Léonide Kogan (Violinista), Guy Léger (Predicador), Anne Dubot (Amiga Rubia), Marie Becker (Marie, Hija de Maud), Marie-Claude Rauzier (Estudiante).

Típicamente, Eric Rohmer es presentado como el miembro más viejo de la Nouvelle Vague francesa, con la implicancia que su tranquilo, hablador, formal estilo es menos radical y mas apartado de las películas de los otros miembros fundadores claves Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, François Truffaut y Jacques Rivette. Generalmente asociamos este movimiento con un estilo que rompe las convenciones clásicas, frecuentemente usando como lugar de rodaje las calles de Paris, esta lleno de citas cinemáticas, y proclamando la sensibilidad política y social de la joven generación que dominaría la vida cultural del Oeste en la década de 1960. Esto es probablemente porque Truffaut y Godard son los directores de la Nouvelle Vague mas conocidos y sus estilos definieron el movimiento. Es verdad que la película de Rohmer de 1969, Mi noche con Maud, no tiene el recurso estilístico florido de estas películas. No obstante, es un trabajo rico y satisfactorio, el cual es un placer por derecho propio y puede dar una mano en conseguir un completo entendimiento de la Nouvelle Vague.

Mucha de la estructura intelectual del movimiento puede ser encontrada en la critica de cine escrita por sus futuros directores en las paginas de la revista Cahiers du Cinéma, como el famoso cáustico ensayo de Truffaut sobre el estado del cine francés en su manifiesto de 1954 “Una cierta tendencia del cine francés”. Otro importante e influyente ensayo, particularmente en el contexto de Rohmer, es “Nacimiento de una Nueva Vanguardia: la Camera-Stylo” de Alexandre Astruc, escrito en 1948. Astruc sostiene que el cine se volverá una forma más personal y ensayista donde la cámara literalmente actuará como el lápiz del director, la camera-stylo. Truffaut escribe sobre lo poco original de la “tradición de calidad” de las películas de estudio hechas en Francia. Argumenta que usualmente escriben adaptaciones con mensajes formulistas, anti clericales y anti burgueses, hipócritamente escritos por escritores extremadamente burgueses. Truffaut pelea por un cine más perspicaz, escrito por directores o con un acercamiento a las adaptaciones más original, donde la vida y la fe de la clase media son representadas más honestamente. Creían que el cine debía ser personal y capaz de tocar los intangibles y misteriosos aspectos de la existencia humana. Aunque esto parecía bien después de los años mas influyentes del movimiento, Mi noche con Maud es una película atestada de estas ideas y esta sensibilidad, sin dudas una película de la Nouvelle Vague.

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Los paraguas de Cherburgo

paraguas de cherburgo Los paraguas de CherburgoJacques Demy
Título Original:
Les parapluies de Cherbourg
País: Francia
Año: 1964
Género: Drama, Romance, Musical
Guión: Jacques Demy
Director: Jacques Demy
Fotografía: Jean Rabier
Edición: Anne-Marie Cotret, Monique Teissere
Música: Michel Legrand
Producción: Mag Bodard
Duración: 91 minutos
Intérpretes: Catherine Deneuve (Geneviève Emery), Nino Castelnuovo (Guy Foucher), Anne Vernon (Madame Emery), Marc Michel (Roland Cassard), Ellen Farner (Madeleine), Mireille Perrey (Aunt Élise), Jean Champion (Aubin), Pierre Caden (Bernard), Jean-Pierre Dorat (Jean), Bernard Fradet (Aprendiz en Estación de Gas), Michel Benoist (Comprador de Paraguas), Philippe Dumat (Cliente de Garage), Dorothée Blank (Chica en el Cafe), Jane Carat (Ginny), Harald Wolff (Monsieur Dubourg).

Esta cándida y colorida historia de amor no es para cualquiera. De hecho, la mayoría de la gente que conozco prefiere correr y esconderse antes de ver una película donde cada una de las líneas es cantada. Pero si se le da a Los paraguas de Cherburgo una oportunidad podrían cambiar de parecer. He visto gente que realmente odia los musicales llorar antes que la película termine.

Por supuesto, la mejor cosa sobre la película no es su música, es Catherine Deneuve. Ella es tan joven, tan inocente, tan preciosa, es suficiente para romper tu corazón.

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Hiroshima mon amour

hiroshima mon amour1 Hiroshima mon amourAlain Resnais
Título Original: Hiroshima mon amour
País:
Francia
Año:
1959
Género:
Drama, Romance
Guión:
Marguerite Duras
Director:
Alain Resnais
Fotografía:
Sacha Vierny (Francia), Takahashi Michio (Japón) (BN)
Música:
Georges Delerue, Giovanni Fusco
Montaje: Henri Colpi
Coproducción:
Argos Film, Como Films, Daiei, Pathé Overseas
Duración:
91 minutos
Intérpretes:
Emmanuelle Riva (la mujer), Eiji Okada (el hombre), Bernard Fresson (el alemán), Stella Dassas y Pierre Barbaud (los padres).

Esta es una excepcional película, que marca el debut como director de Alain Resnais, después de una década de producir documentales cortos. Efectivamente, Hiroshima mon amour comenzó como un documental sobre la reconstrucción de Hiroshima, y los primeros quince minutos de la película usa partes del material del documental para lograr un gran efecto para señalar la escena.

Como muchas de sus subsecuentes películas, Resnais usa su único acercamiento de entretejer las memorias y los eventos actuales para crear una ilusión de un tiempo fantasmal eterno. Las frases son repetidas una y otra vez, la cámara panea letárgicamente sobre el escenario mustio, y el dialogo es reproducido sobre el material documental de la reconstrucción de Hiroshima. Genera un efecto de profunda impresión de pesadumbre y tormento auto infligido, perfectamente capturado por la actuación cargada de emoción de Emmanuelle.

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Al final de la escapada

a bout le souffle Al final de la escapadaJean-Luc Godard
Título Original:
A bout de souffle
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama
Guión: Jean-Luc Godard
Director: Jean-Luc Godard
Fotografía: Raoul Coutard (BN)
Música: Martial Solal
Producción: Impéria Films / Société Nouvelle de Cinema – Georges de Beauregard
Duración: 98 minutos
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard, Jean Seberg (Patricia), Daniel Boulanger y Henri-Jacques Huet (los policías), Roger Hanin, Jean-Pierre Melville (Parvulesco), Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godard (el soplón).

Jean-Paul Belmondo caracteriza a Michel Poiccard, un ex-figurante de cine admirador de Bogart que, tras robar un automóvil en la ciudad de Marsella, mata accidentalmente, y con un revólver que encuentra en la guantera, a un motorista de la policía camino de París. Allí, tras robar dinero a una amiga, va en busca de Patricia (Jean Seberg), una joven burguesa americana, sin ningún remordimiento por lo que ha ocurrido en la carretera. Patricia es una aspirante a escritora que vende el New York Herald Tribune por los Campos Elíseos. Espera escribir en el periódico y matricularse en la Sorbona. En Europa parece haber hallado una libertad que no existe en América. Michel le propone que se vaya con él a Roma a lo que ella se niega. Después de la negativa, Michel va cobrar un cheque a su código postal. Entonces sabemos que la policía le busca por la muerte del motorista.

Pickpocket

pickpocket PickpocketRobert Bresson
Título Original:
Pickpocket
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama
Guión: Robert Bresson inspirado en la novela Crimen y Castigo, de Fedor Dostoyevsky
Director: Robert Bresson
Fotografía: Léonce-Henry Bürel (BN)
Música: J. B. Lully
Producción: Lux Films (Agnès Delahaie)
Duración: 75 minutos
Intérpretes: Martin LaSalle (Michel D.), Marika Green (Jeanne), Pierre Levmarie (Jacques), Jean Pèlegri (el inspector), Kassagi (l´iniciateur) Pierre Etaix (el comparsa).

Pickpocket cuenta la historia del carterista profesional Michel, de su pasión por el robo y su compleja relación con la joven Jeanne.

El director describe minuciosamente tanto las técnicas del carterismo como la propia historia de amor, utilizando actores no profesionales.

Se trata de la primera película de Bresson con argumento propio, y la primera producción en la que el director francés comienza a alejarse de la realidad para tomar la senda de la pura abstracción que continuará en el resto de sus filmes.

La Nouvelle Vague

hiroshima mon amour La Nouvelle VagueLa Nouvelle Vague (nueva ola) es una etiqueta inventada en el año 1958 por François Giroud, en un artículo de la revista L´Express, para describir a un grupo de jóvenes cineastas franceses que debutan brillantemente, al margen de las corrientes tradicionales de la profesión. Carecen de calificación técnica y son financiados por capital privado. Recurren a intérpretes de su misma edad, ya que ninguno ha adquirido aun notoriedad. El término tuvo éxito y sirvió rápidamente para describir un nuevo estilo cinematográfico, caracterizado por su desenvoltura narrativa, por sus diálogos provocativos, por cierto amoralismo y por “collages” inesperados. El prototipo será Al final de la espada, de Jean-Luc Godard. El público se entusiasmo: en 1960, cuarenta y tres nuevos autores rodaron su primera película. El núcleo mas activo venia de la critica, del semanario Arts y de los insurrectos Cahiers du Cinema: Godard, Truffaut, Claude Chabrol, Jacques Rivette, Pierre Kast y sus mayores: Jacques Doniot-Valcroze y Eric Rohmer, redactores en jefe de Cahiers.

Otros pertenecían a la generación anterior. Si bien habían dirigido películas, cortos o largometrajes, no estaban comprometidos con el “sistema”; luego fueron reconocidos como precursores: así, por ejemplo, Roger Leenhardt, Jean-Pierre Melville, Georges Franju, Alexandre Astruc, Agnès Varda y, sobre todo, Alain Resnais, que impacta en 1959 con una obra de concepción y dirección revolucionarias, Hiroshima mon amour. Otros se sumaron al movimiento, por accidente o por conveniencia, aunque rápidamente se abrieron: Louis Malle, Jean-Pierre Mocky, Marcel Camus, Michel Drach, hasta Roger Vadim.

Incluso los más cuestionados se dejaron llevar por la ola, desde Marcel Carné (Los Tramposos) hasta Henri Decoin. Habría que añadir también a Jean Rouch, etnógrafo de talento que tuvo una influencia profunda sobre el grupo; al escritor y periodista Chris Marker, cuyo genio era inclasificable; al dramaturgo Armand Gatti; así como a algunos outsiders que entraron por la puerta trasera y que se destacaron luego con mayor o menor gloria: Jacques Dossier, Jacques Demy, Michel Deville, Phillipe de Brocca, Henri Colpi, Jean-Daniel Pollet, etc.

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