El cine de autor es lo que da identidad a América Latina: Julio Hernández

Hacer un ejercicio anti Hollywood, un cine casero, un cine sin presupuesto, con actuaciones elementales, pero con un corazón bien puesto y una crítica social evidente, fue el propósito principal que el director Julio Hernández Cordón se planteó al momento de iniciar el proyecto de Hasta el sol tiene manchas.

Guatemalteco de nacimiento y egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica de la Ciudad de México, Hernández confesó que esta cinta podría leerse como una continuación de sus anteriores trabajos como Gasolina  o Las marimbas del infierno en cuanto a la necesidad de hacer un cine personal sin grandes presupuestos ni despliegues temáticos agringados que lo único que consiguen es ser una mala copia de una industria extranjera.

Lo mío es el cine casero, el cine con entrañas y honestidad”, afirmó el director en entrevista realizada en la Cineteca Nacional, donde los representantes de los medios de comunicación pudieron conocer esta cinta que ya había tenido una presentación en nuestro país en el Festival de Cine Riviera Maya y que será estrenada formalmente el próximo 19 de julio.

Con dos personajes disímbolos que conviven en lo que el director llama “el surrealismo de Guatemala”, donde las campañas de los candidatos políticos incluyen incluso la promesa de ganar el próximo Mundial de Futbol, la cinta se caracteriza por sus largas secuencias y sus timelaps que tienen la intención de mostrar la consigna latinoamericana de los países donde “no pasa nada”.
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Claudio Remedi estrena el documental “La historia invisible”, sobre la identidad mapuche

claudio remedi Claudio Remedi estrena el documental La historia invisible, sobre la identidad mapuche

El documentalista Claudio Remedi presenta en La historia invisible (2012), un relato sobre lo que fue el genocidio sobre el pueblo mapuche y la transmisión de los valores culturales. “La historia invisible da cuenta de esa visión histórica pero a la vez indaga en las huellas que marcan la vida de las personas en la actualidad”, dice a EscribiendoCine.

¿Qué te movilizó a filmar una película sobre perdida de la identidad mapuche? ¿Qué influencia tuvo en tu investigación Aimé Painé, una gran promotora de la cultura mapuche, que según leí fue una de las motivaciones para hacer la película?

La motivación sobre este tema surge, en principio, en mi adolescencia cuando durante la dictadura militar se festejaba el centenario de la conquista del desierto. Desde esa época me encontré con una bibliografía que otorgaba un punto de vista sesgado y estigmatizante, ya que autores del siglo XIX y contemporáneos caracterizaban al indio con no pocas adjetivaciones tales como salvaje, bárbaro, inhumano, etc.
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No, el ocaso de una dictadura y el comienzo de una libertad

no No, el ocaso de una dictadura y el comienzo de una libertad

El cuarto largometraje en la historia filmográfica del director chileno Pablo Larraín es una obra maestra del cine latinoamericano, la nominación en los premios Oscar de este año a mejor película de habla no inglesa no es mera casualidad. No es una película interesante, un ejercicio de memoria y al mismo tiempo una fabula cuya moraleja no solo está tan vigente ahora como hace 25 años, sino que además es aplicable a cualquiera de los países que conformamos este sufrido espacio que es el sur de las Américas.

La historia gira en torno a los hechos históricos que marcaron el fin de la dictadura de Augusto Pinochet en el año 1988, cuando por medio de un plebiscito constitucional los chilenos tuvieron la oportunidad de votar ‘Si’ para perpetuar la estadía del general en el poder y ‘No’ para ponerle fin de una vez por todas. René Saavedra (Gael García), un publicista exiliado que ha vuelto a su natal Chile, será el encargado de dirigir la campaña opositora al régimen de Pinochet. Al mismo tiempo deberá enfrentarse con el temor y la sensación de persecución por estar haciendo frente al omnipotente gobierno dictatorial que todo lo rige. Read more »

Teoría y Práctica del Cine Latinoamericano por Glauber Rocha

glauber rocha Teoría y Práctica del Cine Latinoamericano por Glauber Rocha

Uno de los más importantes y quizás el más vanguardista de los directores de cine latinoamericanos y su visión, en 1967, de la industria local. Subdesarrollo, liberación y Hollywood.

Por Glauber Rocha

Publicado originalmente en Avanti, Roma, 15 de Agosto de 1967.

“En la década del ´50 se hablaba de cine mexicano. A principios de la década del ´60 se hablaba de cine argentino, después del cine cubano, luego del cine brasileño. Ahora se habla del cine latino. Cuando se habla del cine latino, la significación supera el sentido puramente cinematográfico. La conciencia latinoamericana comienza a popularizarse. El descubrimiento de que Brasil, México, Argentina, Perú, Bolivia, etc. forman parte del mismo bloque de explotación norteamericana y de que esta explotación es una de las causas más profundas del subdesarrollo, se concreta cada día que pasa y, lo que es más importante, se populariza. La noción de América Latina supera la noción de los nacionalismos. Existe un problema común: la miseria. Existe un objetivo común: la liberación económica, política y cultural que implica hacer un cine latino. Un cine comprometido, didáctico, épico, revolucionario. Un cine sin fronteras, con un idioma y un problema comunes…” Read more »

Orfeo negro

orfeo negro Orfeo negroMarcel Camus
Título Original:
Orfeu Negro
País: Brasil, Francia, Italia
Año: 1959
Género: Drama, Romance, Comedia, Musical
Guión: Marcel Camus, Jacques Viot, Vinicius de Moraes
Director: Marcel Camus
Fotografía: Jean Bourgoin
Edición: Andrée Feix
Música: Luiz Bonfá, Antônio Carlos Jobim, João Gilberto
Producción: Sacha Gordine
Duración: 100 minutos
Intérpretes: Breno Mello (Orfeo), Marpessa Dawn (Eurídice), Marcel Camus (Ernesto), Fausto Guerzoni (Fausto), Lourdes de Oliveira (Mira), Léa Garcia (Serafina), Adhemar da Silva (Death), Alexandro Constantino (Hermes), Waldemar De Souza (Chico), Jorge Dos Santos (Benedito), Aurino Cassiano (Zeca).

A pesar de que Orfeo, un conductor de tranvía, está comprometido para casarse con la bella y vistosa Mira, no está exactamente entusiasmado con ello. Claro, ella puede agitar sus “talentos” dados por Dios como ninguna otra mujer en toda la ciudad de Río de Janeiro, pero también es ferozmente celosa, irascible y exigente.

En tanto Eurídice, una joven tímida del campo está buscando a su prima Serafina en Río con el fin de huir de un hombre que ella afirma trata de matarla.

Orfeo y Eurídice no se enamoran a primera vista, pero eso poco importa. Pronto lo harán, y lo harán a los ritmos ondulantes de la celebración del Carnaval mientras estalla la noche brasilera con su colorida música, sus cuerpos cubiertos con trajes ostentosos y las bebidas que fluyen como las aguas costeras del Atlántico.
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Dios y el Diablo en la tierra del sol

dios y el diablo en la tierra del sol Dios y el Diablo en la tierra del solGlauber Rocha
Título Original:
Deus e o Diablo na terra do sol
País: Brasil
Año: 1964
Género: Drama Épico
Guión: Glauber Rocha
Director: Glauber Rocha
Fotografía: Waldemar Lima (BN)
Música: Heitor Villa-Lobos y Sergio Ricardo.
Producción: Jarbas Barbosa, Luis Augusto Mendes, Glauber Rocha
Duración: 110 minutos
Intérpretes: Geraldo del Rey (Manuel), Iona Magalhaes (Rosa), Lidio Silva (Sebastian), Othon Bastos (Corisco), Mauricio do Valle (Antonio das Mortes).

En el Brasil rural un matador de bandoleros llamado Antonio das Mortes vaga buscando trabajo para sus pistolas. A través de sus ojos vemos cómo un lugareño cae en el crimen y se une a la banda más temible de la zona.

Mezcla de realismo documental, delirio barroco y citas al western, este filme del fallecido Glauber Rocha se mantiene como uno de los hitos del cine brasileño y piedra de toque para quienes aspiran a una filmografía lationamericana liberada de la influencia gringa. La cinta, con aires de cuento folclórico, está condimentada con música de Villa Lobos y Sergio Ricardo. 

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