Stanley Kubrick
Título Original: A clockwork orange
País: Gran Bretaña
Año: 1971
Género: Drama, Thriller, Ciencia Ficción
Guión: Anthony Burgess, Stanley Kubrick
Director: Stanley Kubrick
Fotografía: John Alcott
Edición: Bill Butler
Música: Wendy Carlos
Producción: Stanley Kubrick
Duración: 136 minutos
Intérpretes: Malcolm McDowell (Alex), Patrick Magee (Sr. Alexander), Michael Bates (Jefe de Guardias), Warren Clarke (Dim), John Clive (Actor), Adrienne Corri (Sra. Alexander), Carl Duering (Dr. Brodsky), Paul Farrell (Tramp), Clive Francis (Lodger), Michael Gover (Alcalde de la prisión), Miriam Karlin (Catlady), James Marcus (Georgie), Aubrey Morris (Deltoid), Godfrey Quigley (Capellán de la prisión), Sheila Raynor (Mamá), Madge Ryan (Dra. Branom), John Savident (Conspirador), Anthony Sharp (Ministro), Philip Stone (Papá).

Consistente con el sexo y la brutalidad, teutónico en su humor, La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick puede ser el trabajo de un estricto y minucioso profesor alemán quien se propone realizar una comedia porno violenta de ciencia ficción. Hay algo mas sádico –y al final mas repelente- que un pornógrafo con pensamientos limpios? Las numerosas violacio0nes y golpizas no tienen ferocidad ni sensualidad; carecen de sentimiento, pedantemente calculadas, y porque no hay emoción motivante, el espectador puede experimentarlas como indignas y desear marcharse. La película se basa en la novela de Anthony Burgess tan estrechamente que el libro podría haber servido como el guión.

La novela de Burgess de 1962 se ubica en una futura Inglaterra socialista (aproximadamente finales de la década de 1970 o comienzos de 1980) –una aburrida, rutinaria Inglaterra que errantes bandas de adolescentes aterrorizan por las noches. En observación del potencial amoral y destructivo de estas bandas de adolescentes, la fábula irónica de Burgess difiere de la novela 1984 de Orwell de una manera que parece proféticamente certera. La novela es narrada por el líder de una de estas bandas –Alex, un estudiante sádico falto de conciencia- y, narrada en su propia jerga (Nadsat, el dialecto especial de los adolescentes). El libro es de fácil lectura; Burgess, un compositor convertido en novelista, tiene un brillante sentido del lenguaje musical, y puedes captar los significados de las extrañas palabras mientras que los ritmos de la prosa se aceleran. Alex disfruta robar, violar, y destruir hasta que mata a una mujer y es enviado a prisión por catorce años. Luego de servir dos, se las arregla para salir con la condición de formar parte de un experimento, y es transformado en un robot moral que se enferma cuando piensa en sexo y violencia.

Puesto en libertad cuando es inofensivo, cae presa de sus antiguas victimas, quienes lo golpean y atormentan hasta que intenta suicidarse. Esto llega a la critica del gobierno que lo robotizó –transformado en una naranja mecánica- y es decondicionado, volviéndose nuevamente un matón, y ahora suelto y triunfante. Las ironías son diversas, pero Burgess es claramente un humanista; su punto de vista es la de un cristiano horrorizado por la posibilidad de una sociedad transformada en una naranja mecánica, en la cual la vida es tan mecanizada que los hombres pierden su capacidad de elección moral. Parece no haber otra forma en esta aburrida, y deshumanizada sociedad para los muchachos que soltar sus energías en el vandalismo y el crimen; hacen lo que hacen como algo habitual. Alex el sadista esta mecanizado tanto como el Alex bueno.

El Alex (Malcolm McDowell) de Stanley Kubrick no es mas que la expresión de cómo esta sociedad ha perdido su alma mientras que el es forzado a oponerse a la sociedad, y haciendo que las victimas de los matones sean mas repulsivas y despreciables que los matones, Kubrick ha aprendido a amar el sadismo punk. El final no es el irónico triunfo del matón mecanizado sino un triunfo real. Alex es la única persona agradable que vemos –su sádica bravuconería lo sugiere claramente- más vivo que cualquier otra persona en la película, y más joven y más atractivo, y McDowell hace el papel exuberantemente, con el poder y astucia de un joven Cagney. A pesar de lo que Alex hace al comienzo, McDowell es torturado, golpeado y humillado, pero cuando su descarada, agresiva naturaleza es restaurada es una victoria que compartimos. La mirada de Alex al final nos cuenta que no es solo un mecanizado sadista sin elección, sino que prefiere el sadismo y sabe que puede obtenerlo. Lejos de ser una pequeña parábola sobre los peligros de la falta de cualidades humanas y los horrores de la fuerza, ya sea empleado por individuos unos contra otros o por la sociedad en “condicionamiento”, la película se vuelve una vindicación de Alex, diciendo que el joven era un ser humano libre y solo el Alex bueno era un robot.

El truco de hacer al atacado menos humano que a los atacantes, por lo que usted no siente ninguna simpatía por ellos es, a mi entender, un síntoma de una nueva actitud en las películas. Esta actitud dice que no hay diferencia moral. Stanley Kubrick asumió su deforme y presumida perspectiva de un joven vicioso que dice: “Todo esta podrido. Porque no puedo hacer lo que quiero? Son peores de lo que soy yo”. En este nuevo humor (talvez las películas en sus efectos acumulativos son parcialmente responsables de ello), la gente quiere creer en la degradación de las victimas.

Esta película juega con la violencia en una manera seductivamente intelectual. Y aunque no tiene profundidad, esta hecho en un estilo tan lento y pesado que aquellos preparados pueden tratar sus aspectos intrincados como oraculares. Puede ser fácilmente interpretada como una ambigua obra de misterio, una visionaria advertencia contra el “Sistema”. Hay un millón de maneras de justificar la identificación con Alex: Alex esta luchando contra la represión; esta solo contra el sistema. Lo que el hace no es ni cercanamente tan malo como lo que hace el gobierno. Porque no debería ser violento? Eso es todo lo que el Sistema le enseñó (y a nosotros) a ser. El punto del libro es que nosotros como hombres debemos ser capaces de responsabilizarnos por lo que somos. Kubrick removió muchos de los obstáculos para que nos sintiésemos identificados con Alex: el Alex del libro tenía sus hábitos personales un poco mas ordenados –su afición a aplastar pequeños animales bajo sus ruedas, su gusto por niñas de diez años, sus golpizas hacia otros prisioneros, y así con muchas cosas mas. Y Kubrick ayuda a la identificación con Alex con elecciones directorales. El escritor al cual Alex deja paralítico (Patrick Magee) y la mujer a la que mata son caricaturas desagradables con acento de clase alta. Burgess nos mostró a la sociedad a través de los ojos de Alex, la visión estaba deformada, y Kubrick, trayendo la visión adolescente de las hipócritas y sexualmente sucias autoridades y extendiéndola hacia todos los adultos de Dr. Strangelove, le agregó un capa más de deformidad. La gente “recta” esta mas torcida que Alex; parecen inhumanos e incapaces de sufrir. El sufre solo. Y como sufre! Lo que le hacen a Alex es mucho peor de lo que Alex ha hecho, así que la misma sociedad justifica la violencia de Alex.

A menudo identificado con la constrictiva etiqueta de “neorrealista”, Roberto Rossellini se mantiene como uno de los grandes directores de la historia del cine italiano: el hombre responsable del renacimiento del cine italiano en la posguerra y uno de los pocos realmente grandes humanistas (junto con Jean Renoir) que trabajaron en el medio.

Nacido en una familia burguesa romana, Rossellini pasó sus años formativos bajo el puño fascista de Mussolini y, en sus jóvenes 30 años, tomó el rumbo de la cinematografía –un patrón común entre los frívolos ricos italianos. Trabajo con su amigo, el productor Vittorio Mussolini, el hijo de “Il Duce”, en el guión de “Luciano Serra Pilota” (1938), una película propagandística que mostró algunas marcas del estilo neorrealista italiano. Luego de dirigir un puñado de películas bajo la bandera del gobierno oficial, Rossellini, el estereotipo apolítico romano, hizo una marca indeleble en el cine mundial en 1945 con “Roma, ciudad abierta”. A pesar de la indiferente respuesta en Italia, la película fue una sensación en Francia y los Estados Unidos con su cruda, casi documental película: fotografía granulada en blanco y negro, actores amateurs y locaciones reales. Estos fueron los elementos que las audiencias no habían visto en largometrajes previamente, y “Roma, Ciudad Abierta” fue aclamada por traer una nueva clase de realismo, el “neorrealismo”, a la pantalla.

Mientras que sus próximas dos películas –Camarada (1946, uno de sus grandes logros) y Alemania, año cero (1947)- ratificarán el sello del estilo neorrealista italiano, Rossellini atraerá crecientes críticas por su uso del melodrama (especialmente a través de las partituras musicales de su hermano Renzo) y las convenciones narrativas de Hollywood. Nunca ha sido un neorrealista estricto, sin embargo. Su propósito era entender más que recrear la realidad, algunas veces para una función expresamente pedagógica (Las flores de San Francisco, 1948), e incorporó otos elementos expresionistas en casi todo su trabajo. Estos elementos son particularmente evidentes en películas como la menospreciada “El Miedo” (1954), con sus psicológicamente basadas visuales, pero ya habían estado parcialmente presentes en “Roma, ciudad abierta”.

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Variedades del más allá de Christian Aguirre

Un tren fantasma hacia el paroxismo de lo retro.
Más de dos horas de furia cinéfila.

Variedades del Más Allá es, por sobre todo, un homenaje a los cineclubes. La idea del film es trasladar el espíritu del cine club a la pantalla grande. Un film realizado por coleccionistas y cinéfilos. Todo comienza cuando un coleccionista deja al cuidado de una de las últimas filmotecas de la tierra a dos criaturas impresentables, quienes toman posesión (D’Elia Style) de la filmoteca y realizan su propia película.

El film está dedicado a tres maestros de cine: Víctor Iturralde, el inolvidable Octavio Fabiano y Norberto Rendo. Durante anos mantuvieron una fe inquebrantable en el descubrimiento y restauración de material fílmico. El cineclubismo es por sobre todo, la mística del amor al cine, de compartir un momento entre gente que disfruta de aquello que no podemos ver y la maravilla y el azoramiento ante el descubrimiento del material encontrado.

Una religión que se basa en la cinefilia más pura de corazón. La mística de disfrutar un espacio en común, la mística de tener un lugar en el mundo, la mística del espacio propio, la mística de proyectar lo inhallable, la mística de que con un haz de luz abrimos una dimensión paralela. El Cine es una dimensión paralela.

Encontrar el eslabón perdido entre pasado, presente y futuro. Los recuerdos que vuelven y se quedan, esta vez, para siempre.

Integran esta edición de Vardiedades del Más Allá:
-Tres bloques de propagandas retro que van desde la década del ’50 hasta los ’80, una montaña rusa televisiva que viaja a la velocidad de la luz.
-Los American Beetles, seres innombrables que fueron golpeados en Montevideo, su presentador y nigromante (hay que prestar atención a su discurso) y a su tribuna aullante digna de un cuento de Richard Matheson.
-Films pornográficos made in Argentina, uno sobre un ladrón que asalta brutalmente a una chica y otro en el que dos jovenzuelos se trenzan en furioso brío sexual, luego de un salvaje baile a Go-Go.

-Cortos de animación rarísimos: uno con la técnica utilizada por Ray Harryhausen, el Stop Motion, y una serie de propagandas de remedios que rayan la locura.

-Un trailer (el film es The Uncanny, protagonizado por Peter Cushing) cuya inclusión sirve de excusa para mostrar la placa del siniestro Ente de Calificación Cinematográfico.

-Pigmeos salvajes, boomerangs gigantes, una stripper que ejecuta La Danza del Fuego, un corto alemán mudo sobre el diablo, noticieros enloquecidos, Monzón que se calienta mal ante el paroxismo de sus fans y muchísimas sorpresas más.

Christian J. Aguirre

Ficha técnica
Producción y Dirección: Christian Aguirre. Fotografía: Candela Gallo. Dirección de Arte, Co-producción y Dirección: Li Chien Chang. Por el Gran Kahuna Producciones: Jonathan Palludi. Criaturas creadas por Natán Solans, Liliana Fernández. Rodaje en vivo: Animadores –Los Impresentables-. Digitalización, Restauración, Diseno de Imagen y Sonido: Lorez Multimedia. Tema cierre del film: Trompita el Elefante, por el grupo Fierro. Duración 130’ aprox.

Con el auspicio de Camelot Comics Store.

 Viernes 9 de mayo a las 23:55
 Viernes 23 de mayo a las 23:55

Constantin Costa-Gavras
Título Original: État de siège
País: Francia
Año: 1972
Género: Drama
Guión: Constantin Costa-Gavras, Franco Solinas
Director: Constantin Costa-Gavras
Fotografía: Pierre-William Glenn
Edición: Françoise Bonnot
Música: Mikis Theodorakis
Producción: Jacques Henri Barratier, León Sanz, Jacques Perrin
Duración: 120 minutos
Intérpretes: Yves Montand (Philip Michael Santore), Renato Salvatori (Capitan Lopez), O.E. Hasse (Carlos Ducas), Jacques Weber (Hugo),Jean-Luc Bideau (Este), Maurice Teynac (Ministro de Seguridad Interna), Yvette Etiévant (Senadora), Evangeline Peterson (Mrs. Santore), Harald Wolff (Ministro de Relaciones Exteriores), Nemesio Antúnez (Presidente de la República), Mario Montilles (Asistente de Comisionado Fontant), André Falcon (Oficial Fabbri), Jerry Brouer (Anthony Lee), Roberto Navarrete (Comisionado Romero), Douglas Harris (Director A.I.D.).

En Uruguay, un oficial norteamericano, Michael Santote, es secuestrado por la guerrilla de izquierda Tupamaros. Sus captores lo acusan de ser un agente de la CIA, responsable del entrenamiento de la policía local en técnicas de tortura y anti sedición. Mientras que la guerrilla trata de extraerle una confesión a Santote, las autoridades, encabezadas por el gobierno de extrema derecha, se esta acercando.

Con una veta similar a las previas películas de Costa-Gavras, Z y La Confesión, Estado de Sitio es un elegante thriller político que hace una audaz declaración sobre el abuso de poder por los gobiernos en un país políticamente reprimido. Aunque no es nombrado como tal en la película, el blanco de Costa-Gavras es Uruguay (aunque la película fue filmada en Chile), y la historia esta basada en el caso de la vida real de un oficial norteamericano, Daniel Mitrione. Como es lógico la película fue cruelmente condenada en Estados Unidos por su contenido anti norteamericano y por su aparente glorificación del asesinato.

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Werner Herzog
Título Original: Nosferatu: Phantom der Nacht
País: Alemania
Año: 1979
Género: Drama, Terror
Guión: Werner Herzog basado en el libro Drácula de Bram Stoker
Director: Werner Herzog
Fotografía: Jörg Schmidt-Reitwein
Edición: Beate Mainka-Jellinghaus
Música: Popol Vuh
Producción: Werner Herzog, Walter Saxer
Duración: 107 minutos
Intérpretes: Klaus Kinski (Conde Dracula), Isabelle Adjani (Lucy Harker), Bruno Ganz (Jonathan Harker), Roland Topor (Renfield), Walter Ladengast (Dr. Van Helsing), Dan van Husen (Guardián), Jan Groth (Práctico del puerto), Carsten Bodinus (Schrader), Martje Grohmann (Mina), Rijk de Gooyer (Oficial), Clemens Scheitz (Cura), Lo van Hensbergen, John Leddy, Margiet van Hartingsveld (Vrouw), Tim Beekman (Enterrador), Jacques Dufilho (Capitán), Michael Edols, Stefan Husar, Norbert Losch, Johan te Slaam, Beverly Walker.

Mientras que la historia de Nosferatu el Vampiro deriva de la novela Drácula de Bram Stoker, el director Werner Herzog realizó esta película de 1979 ante todo como un homenaje a la película muda de 1922 de F. W. Murnau, Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, la cual difiere de alguna manera del trabajo original de Stoker. Los realizadores de la película de 1922 no pudieron obtener los derechos para una adaptación de Drácula, asi que cambiaron un número de pequeños detalles y nombres de personajes como un infructuoso intento de evitar la violación del derecho de autor sobre la propiedad intelectual perteneciente a la viuda de Stoker. Una demanda legar fue presentada, resultando en una orden para la destrucción de todas las copias de la película. Afortunadamente, algunas copias sobrevivieron, y fueron restauradas luego que Florence Stoker falleciera y el derecho de autor expirara.

Herzog consideraba que Nosferatu de Murnau es la mejor película que salio de Alemania, y estaba deseoso de hacer su propia versión de la película, con el versátil Klaus Kinski en el papel principal. En 1979, para ese tiempo el derecho de autor de Drácula había entrado al dominio público, Herzog procedió a realizar su versión actualizada de la película clásica alemana, la cual ahora incluía los nombres originales de los personajes. Extrañamente, sin embargo, la esposa de Jonathan Harker fue nombrada “Lucy Harker”, a pesar de que su nombre era Mina en la novela original, y una mujer llamada “Lucy” era la amiga de Mina.

Nosferatu fue una coproducción de Werner Herzog Filmproducktion, Gaumont y ZDF. Como era común para las películas alemanas de la década de 1970, Nosferatu fue filmada con un mínimo presupuesto, y con un equipo de solo 16 miembros. Herzog no podía filmar en Bremen, donde la película original de Murnau fue filmada, así que reubicó la producción en Delft, Holanda. Partes de la película fueron filmadas cerca de Schiedam, luego de que las autoridades de Delft le prohibieron a Herzog soltar 11.000 ratas para una escena de la película. La casa de Drácula esta representada por locaciones en la República Checa.

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Federico Fellini
Título Original: La Dolce Vita
País: Italia
Año: 1960
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli con colaboración de Brunello Rondi y Pier Paolo Pasolini
Director: Federico Fellini
Fotografía: Otello Martelli
Edición: Leo Cattozzo
Escenografía: Piero Gherardi
Música: Nino Rota
Producción: Guiseppe Amato, Franco Magli, Angelo Rizzoli
Duración: 174 minutos
Intérpretes: Marcello Mastroianni (Marcello Rubini), Anita Ekberg (Sylvia), Anouk Aimée (Maddalena), Yvonne Furneaux (Emma), Magali Noël (Fanny), Alain Cuny (Steiner), Annibale Ninchi (padre de Marcello), Walter Santesso (Paparazzo), Valeria Ciangottini (Paola), Riccardo Garrone (Riccardo), Ida Galli (Debuttante del año), Audrey McDonald (Jane), Polidor (Payaso), Alain Dijon (Frankie Stout), Enzo Cerusico (Fotógrafo del diario), Giulio Paradisi (Fotógrafo del diario), Enzo Doria (Fotógrafo del diario), Enrico Glori (Admirador de Nadia), Adriana Moneta (Ninni), Massimo Busetti (Niño del milagro), Mino Doro (Amante de Nadia), Giulio Girola (Comisionado de Policia), Laura Betti (Laura), Nico (Nico Otzak), Domino (Bailarín trasvestido), Carlo Musto (Travesti), Lex Barker (Robert), Jacques Sernas (Idolo de Matinee), Nadia Gray (Nadia), Giuseppe Addobbati, Conte Brunoro Serego Aligheri (Joven con abrigo de visón), Federika André (Inquilina en la casa de Steiner), Armando Annuale, Joan Antequera (mujer en el castillo), Juan Antequero (Caballero español con un parche en el ojo en el castillo), Gianni Baghino, Nadia Balabine (Reportera), Ignazio Balsamo, Remo Benedetti, Leonardo Botta (Doctor), Ida Bracci Dorati, Ferdinando Brofferio (Amante de Maddalena), Tito Buzzo (Hombre musculoso), Daniela Calvino (Daniela), Tony Campanino (Hombre en el club nocturno), Fabrizio Capucci (Fotógrafo en al comferencia de prensa), Donato Castellaneta (Reportero), Adriano Celentano, Elisabetta Cini (Duquesa durmiendo), Giulio Citti (Hombre en el club nocturno), Nani Colombo (mujer en el espejo), Mario Conocchia (Abogado con el sostén de Nadia), Francesco Consalvo (Asistente de Scalise), Tiziano Cortini (Cameraman), Decimo Cristiani (joven que no habla), Mario De Grenet (Hombre en el castillo al que no le gusta el olor del perro), Donatella Della Nora (Reportera), Christine Denise (Mujer comiendo pollo), Katherine Denise, Andrea De Pino, Adele De Rossi, François Dieudonné (Reportero), Carlo Di Maggio (Toto Scalise), Count Ivenda Dobrzensky (Giovanni), Donatella Esparmer (Mujer con el hombre irritado), Paolo Fadda (Asistente del Inspector de Policia), Umberto Felici (Reportero), Oretta Fiume (Lisa), Rina Franchetti (Madre del niño de los milagros), Giacomo Gabrielli (Padre de Maddalena), Franco Giacobini (Periodista al telefono), Angela Giavalisco (Mujer en el Aeropuerto), Romolo Giordani (Hombre en el castillo), Christine Graefeck, Lily Granado (Lucy), Libero Grandi, Maurizio Guelfi (Reportero), Gloria Hendy (Mujer en Via Veneto), April Hennessy (Mujer en Via Veneto), Nina Hohenlohe (Mujer en el Castillo), Antonio Jacono (Travesti), Gloria Jones (Gloria), Carlo Kechler (Hombre con reloj), Else Knorr, Paolo Labia (Sirviente en el hogar de Maddalena), John Francis Lane (Reportero), Sondra Lee (Bailarina en Spoleto),Marianne Leibl (Acompañante de Yvonne en la secuencia del milagro), Guglielmo Leoncini (Secretario de Scalise), Giuliana Lojodice (Sirviente en la casa de Steiner), Renée Longarini (Miss Steiner), Francisco Lori (Hombre en la secuencia del milagro), Francesco Luzi (Radioreportero), Mario Mallarno (Reportero), Renato Mambor (Joven Alto), Vittorio Manfrino (Director de Tabarin), Maria Marigliano (Massamilla), Carlo Mariotti (Enfermero), Gino Marturano (Proxeneta), Maria Mazzanti (Mujer en el Aeropuerto), Harriet Medin (Secretaria de Sylvia), Marta Melocco, Nello Meniconi (Hombre en Via Veneto), Alex Messoyedoff (Cura en el sitio del milagro), Gianfranco Mingozzi (Cura que le permite togar el organo a Steiner), Lucia Modigliani, Maite Morand (Reportera), Aurelio Nardi (Tio del niño del milagro), Desmond O'Grady (Invitado de Steiner), Liana Orfei, Umberto Orsini (Hombre de anteojos que ayuda a sacarse la ropa a Nadia), Contessa Cristina Paolozzi (Mujer risueña en la sesion de espiritismo), Ada Passeri (Mujer en la secuencia del milagro), Franca Pasut (Joven cubierta de plumas), Loretta Pepi, Paola Petrini, Cesarino Miceli Picardi (Hombre furioso en el club nocturno), Princesa Doris Pignatelli (Dama con abrigo blanco en el castillo), Alberto Plebani (Doctor), Oliviero Prunas (Oliviero, hijo del principe), Giovanni Querrel (Hombre en el club nocturno), Giulio Questi (Don Giulio), Concetta Ragusa (Reportera), Loretta Ramaciotti (Mujer en la sesion de espiritismo), Leonida Repaci (Invitada de Steiner), Alfredo Rizzo (Director de Television), Rosemary Rennel Rodd (Medium inglesa), Giancarlo Romani (Policia), Franco Rossellini (el bello ginete), Principe Eugenio Ruspoli di Poggio Suasa (Don Eugenio Mascalchi), Margherita Russo (Invitada de Steiner), Anna Maria Salerno (Amiga de la prostituta), Anna Salvatore (Invitada de Steiner), Archie Savage (bailarin negro), Leopoldo Savona (Bailarin negro), Lisa Schneider (mujer en al secuencia del milagroe, Maria Pia Serafini (Segunda mujer con el hombre molesto), Noel Sheldon (Hombre en Via Veneto), Isabella Soldani, Letizia Spadini (Invitada de Steiner), Gio Staiano (Pierone), Gino Talamo, Sandra Tesi, Henry Thody (Reportero), Tomás Torres (Gianelli), Iris Tree (Poetiza en la fiesta de Steiner), Vando Tress (Inspector de policia), Gondrano Trucchi (Sirviente en Caracalla), Teresa Tsao (Mujer en el club nocturno), Winie Vagliani (Invitada de Steiner), Leontine Van Strein, Aldo Vasco (Hombre en secuencia del milagro), Lucia Vasilico (Joven confesandose en la fiesta de Nadia), Maria Teresa Vianello (Mujer en el Aeropuerto), Sandy von Normand (Interprete en la conferencia de prensa), Antoinette Weynen, Angela Wilson (Mujer en Via Veneto), Vadim Wolkowsky (Principe Mascalchi), Maria Teresa Wolodimeroff (mujer aburrida), Italo Zingarelli (Don Giulio).

Ambientada en la Roma de la década de 1950 donde Marcello (Marcello Mastroiani) cubre el lado más sensacionalista de las noticias; estrellas de cine, visiones religiosas, y la decadente aristocracia. La película muestra siete días y noches en la vida del reportero. Marcello vive con Emma (Ivonne Furneaux), una mujer que lo ama y quiere un matrimonio tradicional, pero es posesiva y muestra poca habilidad para entender su desarticulada búsqueda de los valores y el sentido de la vida. El tiene encuentros con otra mujer –Maddalena (Anouk Aimée), una hermosa, saludable, y hastiada amiga/amante, y Anita Ekberg como una estrella norteamericana de cine llamada Sylvia. Marcello también brevemente conoce una encantadora muchacha que trabaja en un restaurante en la playa.

En la secuencia de apertura de la película, una estatua de arcilla de Cristo suspendida por cables de un helicóptero, vuela pasando las ruinas de un antiguo viaducto de Roma. La estatua es llevada hacia el Vaticano. El periodista Marcello y el fotógrafo llamado Paparazzo la siguen en un segundo helicóptero. El simbolismo de Cristo, con los brazos estirados como bendiciendo a toda Roma vuela por sobre ella, pronto es reemplazado por el estilo de vida profano y la arquitectura neomoderna de la “nueva” Roma fundada durante el milagro económico de finales de la década de 1950. el helicóptero de Marcello es desviado por un grupo de mujeres en bikini en una terraza; suspendido en el aire, trata pero falla en conseguir un número telefónico de las mujeres. Alegremente se encoge de hombros por su fracaso y continúa su viaje.

Le entrega de la estatua es la primera de muchas escenas recurrentes situando iconos religiosos en medio de las demostraciones de los personajes de su “moderna” moralidad influenciada por la prosperidad económico y el estilo de vida consumista que emergía.

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Luis Buñuel
Título Original: Tristana
País: España
Año: 1970
Género: Drama
Guión: Luis Buñuel y Julio Alejandro basado en la novela Tristana de Benito Pérez Galdós
Director: Luis Buñuel
Fotografía: José F. Aguayo
Edición: Pedro del Rey
Escenografía: Enrique Alarcón
Música: Frédéric Chopin
Producción: Juan Estelrich, Joaquín Gurruchaga, Eduardo Ducay
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Catherine Deneuve (Tristana), Fernando Rey (Don Lope), Franco Nero (Horacio), Lola Gaos (Saturna), Antonio Casas (Don Cosme), Jesús Fernández (Saturno), Vicente Soler (Don Ambrosio), José Calvo (Bellringer), Fernando Cebrián (Dr. Miquis), Antonio Ferrandis, José María Caffarel, Cándida Losada (Ciudadano), Joaquín Pamplona, Mary Paz Pondal (Muchacha), Juanjo Menéndez (Don Cándido), José Blanch, Sergio Mendizábal (Director), Luis Aller, Luis Rico, Saturno Cerra, Jesús Combarro, Leonardo Scavino (como Leo Lenoir), Vicente Roca, Ximénez Carillo, Adriano Domínguez, José Riesgo, Rosa Luisa Goróstegui (como Rosa Gorostagui), Antonio Cintado, Pilar Vela, Lorenzo Rodríguez.

Tristana de Luis Buñuel es una crítica surrealista al catolicismo y al mundo moderno, contada a través de la historia del personaje del titulo de la película, quien es interpretada por Catherine Deneuve. Tristana es una joven española dejada al cuidado de Don Lope (Fernando Rey), un protector pero empobrecido aristócrata. Don Lope vende sus posesiones para evitar el trabajo manual y defiende las causas de los desposeídos y los oprimidos de la sociedad.

En este simple cuento, Buñuel ha hecho una maravillosamente compleja, divertida y vigorosa película que también cuenta con, a mi entender, el mejor elenco. Fernando Rey (Don Jaime en Viridiana) es esplendido –vanidoso, inteligente, orgulloso, imprudente. Catherine Deneuve es hermosa, por supuesto, pero nunca antes su belleza había sido mas precisa y enigmática, al comienzo, solo existe una pequeña insinuación de la mujer erótica dentro de la colegiala, y al final, una conciencia de la santa que alguna vez vivió dentro de esta majestuosamente deforme mujer.

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Luis Buñuel fue una figura singular en el mundo del cine, y un autor consagrado desde el comienzo. Nacido casi con el cine, su trabajo va desde la experimentación surrealista en la década de 1920, pasando por las comedias comerciales y los melodramas en la década de 1950, hasta el cine d´art posmodernista en las décadas de 1960 y 1970. reclamado por Francia, donde hizo sus primeras celebradas películas y las ultimas, por España, donde nació y tenia sus raíces culturales mas profundas, y por México, donde se volvió ciudadano e hizo veinte películas, siendo visto mas recientemente como una figura en permanente exilio quien problematiza la misma idea de lo nacional en sus películas.

Un surrealista, un iconoclasta, un contrario y un provocador, Buñuel alegaba que su proyecto era para perforar la confianza de lo poderoso. Tu trabajo toma forma debajo de “los dobles arcos de la belleza y la rebelión”, como Octavio Paz lo explica. Recientemente, sus hijos han reafirmado la vista de Buñuel de Un Perro Andaluz, como un “llamado al asesinato” contra la “museificación” de las celebraciones de su centenario. Mientras que esto exagera de alguna manera su radicalismo y status de intruso, hay una considerable consistencia en sus ataques hacia la burguesía, cuya hipocresía y apariencia tanto lo divertían como lo enfurecían. “En un mundo tan malo como nuestro” decía, “solo hay un camino –rebelión”.

Buñuel esta de hecho satirizando su propia clase, a la cual el confortable e imperturbablemente pertenecía. El entendió bien la neurosis y mezquindad de la educación de su clase media Católica. “Todavía soy ateo, gracias a Dios”, decía. Esta es una de sus tantas paradojas: el estaba tanto dentro como fuera. Mientras que ferozmente crítica las ideologías de los poderosos en sus películas (la profana trilogía de la complacencia burguesa, la hipocresía religiosa y la autoridad patriarcal), disfrutaba de los frutos de su orden social en su vida personal. Las memorias de su esposa, Mujer sin piano, escritas para completar las de Buñuel, en las cuales ella y su hijo son mencionados a duras penas, se leen como los recuerdos de un cautivo afligido por el síndrome de Estocolmo. Jeanne Rucar, quien conoció a Buñuel en 1926 y se casó con el en 1934, trato de contar una historia de amor pero el dolor y las perdidas que el le infringió, incluyendo la de su amado piano, que Buñuel pierde en una apuesta sin su consentimiento, constantemente se destacan.

Sin ir tan lejos como Paulo Antonio Paranagua, quien aseveraba que el El del título es el mismo Buñuel, es seguro decir que el director de El (1953), adaptación de una novela de Mercedes Pinto, conocía el material íntimamente. Parte de su genialidad fue la habilidad de mantenerse fuera de su ser cultural, diseccionando el deseo y las tortuosas rutas de la supresión en la sociedades católicas patriarcales y burguesas. Sus películas se enfocan en el deseo del hombre, y sus protagonistas femeninas son usualmente meras proyecciones de ello. Pero las caracterizaciones de Viridiana, Tristana, y Sévérine en Belle du jour mas notablemente, también revelan la manera en la cual la sociedad burguesa distorsiona y reprime las necesidades básicas y los deseos de la mujer “conspirando para mantenerlas en una posición de sumisión y servidumbre”.

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Peter Greenaway nació en Newport, Monmouthshire y creció en Essex, Inglaterra. Su familia se mudó de Gales del Sur cuando el tenia tres años. A una temprana edad Greenaway decidió que quería ser pintor. Desarrollo un interés en el cine europeo, enfocándose primero en las películas de Ingmar Bergman, Michelangelo Antonioni, Pier Paolo Pasolini, y luego en los cineastas de la Nouvelle Vague, como Godard, y especialmente Resnais.

En 1962 comenzó sus estudios en el Walthamstow Collage of Art, donde entre sus compañeros se encontraba el músico Ian Dury (al cual Greenaway mas tarde haría actuar en El Cocinero, El Ladrón, Su Mujer y Su Amante). En este lugar, Greenaway pasaría los próximos tres años entrenando para ser un pintor de murales y realizando su primera película, Death of Sentiment, un ensayo sobre el mobiliario de los cementerios, filmado en cuatro grandes cementerios de Londres. En 1965 se une a la Central Office of Information (COI), donde permanece los próximos quince años como editor de películas y luego como director. Durante este tiempo comienza a construir su filmografía personal de cine experimental, comenzando con Train de 1966, compuesta por material de los últimos trenes de vapor en la estación Waterloo (justo detrás de la COI), editada para una pista musical ya existente. Tree, hecho en 1966, era un homenaje a un árbol creciendo en el concreto en las afueras del Royal Festival Hall en el South Bank de Londres. En la década de 1970 Greenaway se volvió más seguro y ambicioso e hizo Vertical Features Remake y A Walk Through H. La primera es un análisis sobre variaciones aritméticas de estructuras, y la última es un viaje a través de varios mapas de un país ficticio.

El sello muchas de las películas de Greenaway es la gran influencia del Renacimiento y, en particular, pintura flamenca en su composición escénica e iluminación, con su concomitante contraste entre vestuario y desnudez naturalizada, naturaleza y arquitectura, mobiliario y personas, placer sexual y muerte dolorosa.

Greenaway a menudo ha trabajado con el compositor Michael Nyman, quien ha hecho las bandas de sonido de muchas de las películas de Greenaway.

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