Anémic Cinéma


Marcel Duchamp
Título Original:
Anemic Cinema
País: Francia
Año: 1926
Guión: Marcel Duchamp
Director: Marcel Duchamp
Duración: 7 minutos

Esta característica película dadaísta de Marcel Duchamp consiste en una serie de juegos de palabras con frases sin sentido escritas alrededor de patrones de espirales que rotan, creando un efecto casi hipnótico. Silencio.

Anemic Cinema (varias versiones fueron hechas en 1920, 1923, y finalmente, en 1926).

Esencialmente es una película de Duchamp con ayuda de Man Ray. Calvin Tomkims: “Duchamp usó el pago inicial de su herencia para realizar la película y para entrar en el negocio del arte. La película, filmada en el estudio de Man Ray con ayuda del cinematógrafo Marc Allégret, era una animación de siete minutos de puros juegos de palabras de Rose Sélavy. Estas habían sido pegadas, letra por letra, en un patrón espiral en discos negros que fueron pegados a discos de fonógrafo; los textos lentamente giraban alternándose con tomas de los Discs Bearing Spirals de Duchamp, diez diseños abstractos que giraban haciendo parecer que se movían hacia delante y hacia atrás en un ritmo erótico. La pequeña película, la cual Duchamp llamó Anemic Cinema, tuvo su estreno ese Agosto en un sala privada de Paris”.

Emak Bakia


Man Ray
Título Original:
Emak Bakia
País: Francia
Año: 1926
Guión: Man Ray
Director: Man Ray
Fotografía: Man Ray
Duración: 18 minutos

En Emak Bakia, el travieso dadaísta y surrealista Man Ray fue pionero en la técnica de la filmación sin cámara, exponiendo tramos de película a la luz luego espolvoreándola con alfileres, granos de sal y otros objetos comunes. En su divertido uso de diferentes materiales –animación, formas no objetivas, rayogramas, imágenes fuera de foco y fragmentadas- Emak Bakia se mantiene fresca e inspiradora luego de casi 80 años de su realización.

Man Ray dijo que hizo este cortometraje en estricta conformidad con los principios surrealistas. Abre con una serie de tomas aparentemente sin relación: granos en la película; flores moviéndose; alfileres en negativo; puntos de luz –fuera de foco- los cuales se ordenan en líneas; un prisma; barras de luz reflejadas, rotando a diferentes velocidades; luces de automóviles, con un gran ojo sobrepuesto sobre el radiador entre ellas; parpadea; y así continúa. Mientras que la película progresa el tema del automóvil se vuelve dominante: el conductor usando gafas (los que imitan las luces del auto). Le sigue una serie de tomas convencionales del auto viajando por un camino, entrecortadas por tomas de ovejas (en completo contraste tonal). El auto se detiene –se ven las piernas de una mujer bajándose- la toma se repite tres veces, la cuarta vez es reemplazada por una superposición de las cuatro tomas, una detrás de la otra. Imágenes individuales se destacan por su humor y originalidad, pero Man Ray todavía siente necesario imponer un tema convencional –el automóvil- para mantener en una sola pieza a la película.

Octubre

OctubreSergei Eisenstein
Título Original:
Октябрь (Десять дней, которые потрясли мир)
País: Unión Soviética
Año: 1928
Género: Drama, Histórico
Guión: Grigori Aleksandrov, Sergei Eisenstein, basado en el libro de John Silas Reed, Diez días que sacudieron al mundo.
Director:  Sergei Eisenstein y Grigori Aleksandrov
Fotografía: Vladimir Nilsen, Vladimir Popov, Eduard Tisse
Música: Dmitri Shostokovich
Montaje: Sergei Eisenstein
Dirección Artística: Vasili Kovrigin
Duración:104 minutos.
Intérpretes: Vladimir Popov (Aleksandr Kerensky),  Vasili Nikandrov (V.I. Lenin), Layaschenko (Konovalov), Chibisov (Skobolev), Boris Livanov (Terestsenko), Mikholyev (Kishkin), N. Podvoisky (Bolchevique), Smelsky (Verderevsky), Eduard Tisse (Soldado alemán).

Sergei Eisenstein, en la primera década de la Unión Soviética y en su primera década en el cine, estaba profundamente comprometido con el marxismo. Este hecho, tan obvio en las películas de Eisenstein de la década de 1920 es negado o tergiversado por la mayoría de los críticos de su trabajo.
La mayoría de los escritores, incluyendo muchas de las luminarias de la crítica cinematográfica, evalúan a Eisenstein mayormente por sus logros técnicos y fallas, y por su lugar en la historia del cine. El hacer películas sobre revoluciones políticas parece ser a sus ojos inconsecuente comparado con sus innovaciones en la dirección y edición de películas.

Esta esteta posición ganó impulso en el Oeste durante la Guerra Fría cuando la manera más segura de discutir sobre cine, o cualquier arte, era en términos formalistas. Y cuando el cine llegaba a la academia, los profesores e historiadores, codificaban su lenguaje y disciplina para sentirse más cómodos discutiendo al director fuera del contexto político y en términos de una historia cinematográfica adulterada.

El estudio de la historia actual es difícil y cuanto mas distante y lejano es el periodo más grandes son los problemas. También, un acercamiento idealista a la película (película como un objeto de arte) es generalmente más fácil que un acercamiento materialista. Esta critica esteta de Eisenstein continua. Pero negar el contenido político de un artista es un acto altamente político y conservador. Si las películas de Eisenstein son objetos de arte, entonces podemos ignorar sus mensajes políticos.

Parte del problema con los críticos y espectadores del Oeste es que el tema de Octubre, la Revolución Rusa de 1917, es desconocido. Además, la distribución de la película que ven esta cortada y dista de la intención original del director. En la distribución en el extranjero, especialmente en los Estados Unidos, la película fue cortada y hasta censurada de varias maneras. La versión occidental esta distorsionada y al menos 1200 metros más corta que la original impresa en Moscú. Hasta el titulo, Diez días que sacudieron al mundo, es incorrecto: Eisenstein siempre llamó a su trabajo Octubre. El distribuidor alemán renombró la película como Diez días que sacudieron al mundo por el libro de John Reed, que fue una de las muchas fuentes de Eisenstein.

Para discutir sobre la película, es importante contar con la mejor impresión disponible en el Oeste. Esta es la versión francesa S.N.A., la mas cercana a la impresión de Moscú.

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4ta edición del Festival Cinematográfico El ojo cojo

Están abiertas las inscripciones para la 4ta edición del Festival Cinematográfico El ojo cojo.

El Ojo Cojo es una ONG dedicada a promover la integración cultural a través de las diferentes disciplinas artísticas.

Buscábamos un nombre que tradujera nuestras intenciones. Así como la televisión refleja la realidad de un país a través de lo dicho, lo no dicho y lo reiterado, toda mirada siempre es parcial. Aunque obedezca a la mejor tecnología, la mirada de los medios siempre será parcial.

El Festival Internacional de Cine El Ojo Cojo nace con el objetivo de promover la integración cultural de los grupos desfavorecidos, y difundir obras cinematográficas de calidad que difícilmente llegan a España, promoviendo de esta forma el conocimiento y el disfrute de otras estéticas, pero fundamentalmente sensibilizando respecto a otras realidades. Procuramos lograr el mayor número de miradas en la búsqueda y construcción de una sociedad más justa y solidaria.

Participarán largos y cortometrajes en castellano, doblados o subtitulados en castellano o inglés.

Declarada de Utilidad Pública Municipal por el Ayuntamiento de Madrid.

Festival Internacional Cinematográfico El Ojo Cojo del 13 al 27 de octubre.

Deadline: 26 de Mayo.

MALBA - BAFICI - Retrospectiva: Astrid Ofner

¿Una retrospectiva de cuatro cortometrajes? ¿Una trayectoria de 20 años en menos de dos horas de proyección? ¿Una cineasta evanescente? Todas variaciones de una misma y válida pregunta. La obra de la austríaca Astrid Ofner, sin embargo, pareciera basarse en la imposibilidad de las respuestas absolutas. De acuerdo con su biografía, nació en Linz en 1966 (aunque otras fuentes aseguran que fue en 1968), estudió en París, Viena y Berlín, protagonizó el film Antigone de Straub-Huillet y realizó cuatro películas. Pero de ahí en adelante, cualquier conclusión generada a partir de sus cortometrajes debe ser tomada provisoriamente, como algo definitivo o todo lo contrario, todavía en mutación. De Savannah Bay a Jetzt und alle Zeit y de Ins Leere a Sag es mir Dienstag, el universo creativo de Ofner se expande a proporciones vertiginosas; salta de la adaptación literaria al documental de observación y del ensayo fílmico a la contemplación lírica del espacio. En el medio, lo que quedan son las huellas de un trayecto conscientemente interrumpido por la misma posibilidad de comenzar uno nuevo. Las coordenadas hacia una estética múltiple, caleidoscópica, compuesta por elementos en apariencia irreconciliables.

Pablo Marín

Savannah Bay (Austria, 1989) 14’.
La primera película de Astrid Ofner es un ejercicio minimalista de puesta en escena basado en la obra teatral homónima de Marguerite Duras. Dos mujeres, en diferentes espacios vacíos, dialogan sobre el presente pero siempre en relación al pasado, materializando la memoria y la nostalgia de la obra de la escritora francesa. En un terreno incierto, Savannah Bay puede ser considerada, al mismo tiempo, una adaptación cinematográfica y un documental sobre las voces, gestos y movimientos de los cuerpos.

En el vacío (Ins leere, Austria-1993) 30’.
Realizado a la par de Jetzt und alle Zeit, este pequeño documental es un ejemplo de la voluntad de expansión de la obra de Ofner. Encerrada en los rojizos "calabozos" de una casa de placeres leather, la cámara captura un ritual muchas veces visto con una frialdad implacable, distanciada de los cuerpos para retratar la mecánica general de toda esa puesta en escena. Y del rojo sangre se pasa al azul crepuscular de un paisaje en movimiento, que anuncia el fin de este viaje hacia el vacío de los sentimientos.

Ahora y para siempre (Jetzt und alle Zeit, Austria-1993)
Una cámara fija y de una frontalidad perturbadora observa a las Hermanas de Betania, una pequeña congregación de monjas dominicanas que viven en un convento del sur de Austria, durante un día de trabajo en nombre del Señor. Las oraciones en la capilla, la preparación del almuerzo, el mantenimiento del jardín, la limpieza y el silencio, actividades llevadas a cabo con una religiosidad mecanizada y asfixiante, componen este documental sobre la sistematización de la vida humana.

Dime el martes (Sag es mir Dienstag, Austria 2007) 26’.
Las famosas cartas de amor escritas por Franz Kafka a Milena Jesenská, llenas de dudas y frágiles promesas de felicidad, componen el telón de fondo de la primera película de Ofner en catorce años. Adelante, en la pantalla, imágenes evocativas de una Viena desolada y por momentos invisible, filmadas en Super 8 y ampliadas a 35mm, ofrecen un recorrido hipnótico difícil de traducir en palabras. Un tributo a tres maravillas modernas del arte: Kafka, la música de Webern y la capital de Austria, centro indiscutido de la vanguardia audiovisual.

MALBA - BAFICI - Retrospectiva: Pierre Hebert

Compleja, fértil, atípica, la obra de Pierre Hébert (Montreal, 1944) puede resultar desalentadora para los no iniciados. ¿Por dónde empezar? Hay una impresionante filmografía (más de 20 films), varios cortometrajes abstractos, películas políticas, experimentación multidisciplinaria, trabajos hechos durante shows, y un cortometraje híbrido que incluye animación, acción en vivo y más. Sin embargo, sería una lástima dejar que esta impresión inicial impida disfrutar a una de las más singulares manifestaciones del cine moderno de Québec.

"Moderno" es la palabra operativa. Desde el comienzo de su carrera, en 1963, el artista ha mostrado una inusual conciencia sobre las cuestiones que rodean la representación cinematográfica. Sus primeros experimentos socavan la misma definición del cine, inspirados como lo están por algunos procedimientos más adecuados a la música serial (Opus 1, Op Hop-Hop Op, etc.). Luego, La plante humaine ofreció un denso análisis del mundo tal cual lo presenta la televisión: Hébert nunca dejó de explorar la naturaleza de nuestra relación con las imágenes y las narrativas.

Hébert estudió antropología y se especializó en arqueología Nórdica. Siempre lo fascinó la ciencia y, debido a eso, se acercó a su arte con gran disciplina. Durante su juventud, consideró brevemente estudiar ingeniería, y mantuvo una afición por las estructuras sólidas y los sistemas complejos, y se inclinó hacia la construcción de sus films como si fueran auténticos ciclos, máquinas indomables. Así que no resulta sorprendente que en sus films (Adieu bípode, La plante humaine) y también en sus espectáculos (Adieu Leonardo), considere a Leonardo da Vinci como una especie de modelo, un artista idealizado con capacidad para el rigor científico y la imaginación, capaz de analizar sus propias creaciones. Como realizador, escritor y crítico, autor de dos obras sobre cine –L'ange et l'automate (1998), Corps, langage, technologie (2006)-, conferencista y productor, Pierre Hébert encuentra en da Vinci el ejemplo perfecto del autodidacta cuya ambiciosa, grandiosa obra también se ve estropeada por lo incompleto y lo fragmentado.

Marcel Jean

 

L I S T A   D E   P E L I C U L A S

Programa 1
de Pierre Herbert. 50'.
Miércoles 9 de abril a las 18.15

Programa 2
de Pierre Herbert. 70'.
Jueves 10 de abril a las 17.30

Programa 3
de Pierre Herbert. 90'.
Jueves 10 de abril a las 19.30

Programa 4
(1986) de Pierre Herbert. 78'.
Lunes 14 de abril a las 17.30

Programa 5
de Pierre Herbert. 70'.
Viernes 11 de abril a las 16.00

MALBA - BAFICI - Foco: Michael Powell y Emeric Pressburger

El británico Michael Powell (1905-1990) se inició en el cine como asistente de dirección y desde 1931 comenzó a dirigir. Trabajando para el productor Alexander Korda, hacia 1937, Powell conoció al guionista húngaro Emeric Pressburger (1902-1988) y comenzaron a colaborar en una serie de films relacionados con la guerra mundial. En 1942 se asociaron en una productora propia que denominaron The Archers y que fue inaugurada con otro film bélico, Perdido un avión. Desde entonces, y hasta que se separaron amistosamente en 1957, realizaron una serie de films que en conjunto constituye la obra más original e influyente del cine británico del período. También fue singular la forma de acreditarse: en lugar de mantener sus respectivos rubros como realizador y guionista, decidieron firmar siempre con la frase “Escrito, producido y dirigido por Michael Powell y Emeric Pressburger”.

Entre los directores que Powell asistió en su juventud se contaron Jacques Feyder, Rex Ingram y Alfred Hitchcock, todos nombres que destacaron por su capacidad para expresarse en términos puramente visuales. Powell siguió esa línea y desarrolló un estilo formal propio que llevó a extremos experimentales inéditos en el cine inglés, no sólo por sus logros artísticos sino también técnicos, en particular por el uso del color. Pressburger había huido de su país tras la llegada del gobierno comunista de Bela Kun, y luego debió huir de Alemania con el ascenso del nazismo. Es obvio que esos y otros desarraigos intermedios influyeron en su trabajo: la confrontación con culturas extrañas, las frustraciones amorosas, la sensación de vacío y rechazo y una cierta espiritualidad reflexiva son rasgos que se pueden rastrear en todas las películas que hizo junto a Powell, en los guiones que escribió para otros y también en sus novelas.

Como todos los años, malba.cine aporta al BAFICI una de sus retrospectivas principales. En este caso, la obra de Powell y Pressburger es bien conocida en el mundo pero no en nuestro país. Algunos de sus films más importantes (como la polémica The Life and Death of Colonel Blimp, que Churchill trató de prohibir) ni siquiera se estrenaron comercialmente en su momento o sólo se vieron en copias en blanco y negro debido al alto costo del material color. Otras llegaron a estrenarse en buenas condiciones pero desde entonces no han vuelto a exhibirse en 35mm., único formato que les hace justicia.

Alejandro Intrieri
Malba.cine

L I S T A   D E   P E L I C U L A S

Cinco hombres
(1941) de Michael Powell. 123'.
Jueves 24 de abril a las 16.00

Emboscada en la noche
(1957) de Michael Powell. 104'.
Viernes 25 de abril a las 15.30

Peeping Tom
(1960) de Michael Powell. 101'.
Jueves 24 de abril a las 23.55
Viernes 25 de abril a las 23.55

Perdido, un avión
(1942) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 102'.
Viernes 11 de abril a las 13.45
Sábado 19 de abril a las 17.30
Jueves 24 de abril a las 18.00

I Know Where I’m Going!
(1945) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 91'.
Miércoles 9 de abril a las 14.00
Viernes 18 de abril a las 18.00
Domingo 27 de abril a las 18.10

The Life and Death of Colonel Blimp
(1943) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 163'.
Martes 15 de abril a las 12.00
Domingo 20 de abril a las 14.00
Sábado 26 de abril a las 14.00

Escalera al cielo
(1946) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 104'.
Miércoles 16 de abril a las 13.45
Domingo 20 de abril a las 17.45
Viernes 25 de abril a las 22.00
Domingo 27 de abril a las 22.00

Narciso negro
(1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 100'.
Miércoles 9 de abril a las 16.00
Lunes 14 de abril a las 22.00
Domingo 27 de abril a las 20.00

Las zapatillas rojas
(1948) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 133'.
Jueves 10 de abril a las 14.45
Domingo 13 de abril a las 20.15
Sábado 26 de abril a las 20.00
Domingo 27 de abril a las 14.00

Su peor enemigo
(1949) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 106'.
Viernes 11 de abril a las 21.30
Lunes 14 de abril a las 12.00
Sábado 26 de abril a las 18.00

Los cuentos de Hoffmann
(1951) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 128'.
Martes 15 de abril a las 15.15
Sábado 19 de abril a las 19.45
Sábado 26 de abril a las 22.30
La batalla del Río de la Plata
(1956) de Michael Powell y Emeric Pressburger. 119'.
Sábado 12 de abril a las 21.45
Jueves 17 de abril a las 12.00
Viernes 25 de abril a las 17.30

El Espejo

Andrei Tarkovsky
Título Original:
Зеркало, Zerkalo
País: Unión Soviética
Año: 1975
Género: Drama
Guión: Aleksandr Misharin, Andrei Tarkovsky
Director: Andrei Tarkovsky
Fotografía: Georgi Rerberg
Música: Eduard Artemyev
Edición: Lyudmila Feiginova
Narración: Innokenty Smoktunovsky, Arseny Tarkovsky
Producción: Eric Waisberg
Duración: 106 minutos
Intérpretes: Margarita Terekhova (Madre / Natalya), Ignat Daniltsev (Ignat / joven Aleksei), Larisa Tarkovskaya (Nadezha), Alla Demidova (Lisa), Anatoli Solonitsyn (Forense), Tamara Ogorodnikova (Niñera / Vecina / Extraña mujer en la mesa de te), Yuri Nazarov (entrenador militar), Oleg Yankovsky (Padre), Filipp Yankovsky (Aleksei a la edad de 5 años), Yuri Sventisov (Yuri Zhary), Tamara Reshetnikova, Innokenti Smoktunovsky (Aleksei (voz), Arseni Tarkovsky (Padre (voz), L. Correcer, E. Del Bosque, Tatiana Del Bosque, Teresa Del Bosque, Diego García, Nikolai Grinko (Director de imprenta), Alejandro Gutiérrez, Teresa Rames, Olga Kizilova (Pelirroja).

El Espejo es una película soviética de 1975 dirigida por Andrei Tarkovsky. Es indirectamente autobiográfica, mezclando memorias de la niñez, material fílmico de noticiarios y poemas de su padre Arseny Tarkovsky. La película presenta a Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, la esposa de Tarkovsky Larisa Tarkovskaya, Alla Demidova y Anatoli Solonitsyn y la música de Eduard Artemyev.

El Espejo no tiene una trama aparente. En cambio combina rítmicamente escenas contemporáneas con memorias de la niñez y material fílmico de noticiarios. El flujo de las imágenes oníricas ha sido comparado con la corriente de conciencia en la literatura. Su compleja y no menos simple estructura hace de El Espejo una de las películas mas difíciles de Tarkovsky, así como la mas personal. Hoy en día El Espejo es extensamente respetada como una obra maestra y uno de los mejores trabajos de Tarkovsky.

Con los años Tarkovsky escribió varias variantes del guión, al tiempo que trabajaba junto con Aleksandr Misharin. El guión inicialmente no fue aprobado por el comité de cine de Goskino, y solo luego de varios años de espera se le permitió realizar El Espejo a Tarkovsky. En diferentes épocas el guión fue conocido bajo diferentes nombres, siendo los mas notables Confesión y Blanco, un día blanco. La película completa fue inicialmente rechazada por Goskino, y luego de algunos retrasos solo se le permitió un lanzamiento limitado en la Unión Soviética.

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Ingmar Bergman (1918 - 2007)

 

Ernst Ingmar Bergman, nacido en Suecia el 14 de julio de 1918, fue un director de cine, teatro y opera, quien recibió nueve nominaciones a los premios Oscar de la Academia. Encontró tanto desolación y desesperanza como comedia y esperanza en sus exploraciones de la condición humana. Se lo reconoce como uno de los más grandes directores y como uno de los más influyentes en el cine moderno.

Dirigió 62 películas, la mayoría de las cuales escribió, y dirigió más de 170 obras. Algunos de sus actores favoritos fueron Liv Ullmann, Bibi Andersson y Max von Sydow. La mayoría de sus películas fueron filmadas en escenarios en su nativa Suecia. Los temas frecuentemente eran lóbregos, lidiando con la enfermedad, la traición y la locura.

Bergman estuvo activo por mas de 60 años, pero su carrera fue seriamente amenazada en 1976 cuando suspendió un número de producciones pendientes, cerró sus estudios, y se auto exilió en Alemania por ocho años debido a una investigación criminal por una alegada evasión impositiva.

Bergman nació en Uppsala, Suecia, hijo de Erik Bergman, un ministro luterano y más tarde capellán del Rey de Suecia, y su esposa, Karin. Creció rodeado de imágenes religiosas. Su padre era un párroco conservador con simpatías políticas por la extrema derecha y un estricto padre de familia. Ingmar era encerrado en oscuros armarios por infracciones tales como mojar la cama. “Mientras el padre predicaba en el púlpito y la congregación oraba, cantaba, o escuchaba” Ingmar escribió en su autobiografía Laterna Magica: “Consagré mi interés al mundo misterioso de la iglesia de bajos arcos, gruesas paredes, el olor de eternidad, la coloreada luz solar temblando sobre la extraña vegetación de las pinturas medievales y las talladas figuras en los cielorrasos y las paredes. Ahí tenia todo lo que mi imaginación podría desear –ángeles, santos, dragones, profetas, diablos, humanos”.

Aunque creció en una casa devota luterana, Bergman mas tarde indicó que perdió su fe a los ocho años y recién se dio cuenta de este hecho mientras filmaba Los Comulgantes.

El interés en el teatro y el cine por parte de Bergman comenzó a temprana edad: “A la edad de 9 años, canjeo un juego de soldados de lata por una linterna mágica abollada, una posesión que alteraría el curso de su vida. En el periodo de un año, había creado, jugando con sus juguetes, un mundo privado en el cual se sentía completamente en casa, recordaba. Creaba sus propios escenarios, marionetas, y efectos de luces y con las marionetas producía obras de Strindberg en la cual hacía las voces de todos los personajes”.

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Festival interuniversitario ADN

La Universidad Antonio de Nebrija ha convocado la X edición de su festival de cortos AdN que este año amplía su participación a todas las Universidades de la Comunidad de Madrid.

Podrán presentarse a este festival todos los estudiantes de las universidades privadas y públicas de la Comunidad que realicen un corto, pero siempre que los realizadores sean estudiantes. Además, no existe límite de obras presentadas por el mismo autor, y la fecha límite de entrega será el 8 de abril.

Posteriormente los mejores cortos finalistas realizados por los estudiantes serán proyectados el día 24 de abril en el Cine Capitol de Madrid.

Se concederán tres premios a los mejores cortometrajes AdN, un premio al mejor corto interuniversitario, otro al mejor corto de un licenciado de la Nebrija y otro premio que será el que otorgue el público el día de la exhibición. Y, por último, el premio de honor AdN que recaerá en un profesional del cine o la televisión de larga y meritoria trayectoria profesional.

El jurado de este certamen estará compuesto por profesionales del cine y la televisión y personas relacionadas con los medios de comunicación.

Para mayor información: UniversidadNebrija

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