Karel Reisz
Título Original: Saturday Night and Sunday Morning
País: Gran Bretaña
Año: 1960
Género: Drama
Guión: Alan Sillitoe
Director: Karel Reisz
Fotografía: Freddie Francis (BN)
Música: John Dankworth
Producción: Tony Richardson
Duración: 88 minutos
Intérpretes: Albert Finney (Arthur Seaton), Shirley Anne Field (Doreen), Rachel Roberts (Brenda), Hylda Baker (Tía Ada), Norman Rossington (Bert), Bryan Pringle (Jack), Robert Cawdron (Robboe), Edna Morris (Sra. Bull), Elsie Wagstaff (Sra. Seaton), Frank Pettitt (Sr. Seaton), Avis Bunnage (Mujer Sexi), Colin Blakely (Bocón), Irene Richmond (Madre de Doreen), Louise Dunn (Betty), Anne Blake (Oficial de Defensa Civil).

La película, basada en una novela del mismo nombre, cuenta la historia de Arthur Seaton, un joven trabajador de una fábrica de Nottingham, quien esta teniendo un romance con Brenda, la esposa de un antiguo compañero de trabajo. También tiene una relación con Doreen, una mujer de su misma edad. Cuando Brenda queda embarazada, Arthur le pide consejos sobre aborto a su tía. El tema del engaño, el aborto, las desilusiones amorosas, los triángulos, son temas que se trataron a lo largo de toda la historia del Free Cinema británico.

La película es considerada como la primera social-realista o “kitchen sink dramas” de la década de 1960. Otros títulos incluyen La soledad del corredor de fondo y Un sabor a miel de Tony Richardson, y Esa clase de amor y Billy Liar de John Schlesinger. Estaba a la vanguardia de la nueva ola británica, el Free Cinema, películas que lidiaban con la problemática de la clase trabajadora de una manera seria por primera vez, y retratando de manera mas realista los temas diarios como el sexo, el embarazo no deseado y el aborto.

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Viking Eggeling
Título Original: Symphonie diagonale
País: Alemania
Año: 1924
Director: VIking Eggeling
Duración: 7 minutos

Con esta película, Eggeling encontró una nueva manera de expresión artística que fue seguida luego por Hans Richter, Oskar Fishinger, Walter Ruttmann y Norman McLaren.

Eggeling trataba de explorar nuevos caminos, nuevas formas, y realmente lo logró. Este nuevo medio de comunicación, el cine, trajo algo que los pintores como Eggeling nunca podrían haber alcanzado con sus pinturas: el tiempo. Incluir una nueva dimensión en su trabajo artístico fue algo muy desafiante para ellos. Eran como pinturas móviles. Y esto es exactamente lo que Eggeling construyó con Symphonie Diagonale.

Eggeling usa solo imágenes (algunas animaciones geométricas) para crear música. Si, se que suena raro pero lo hizo. Solo trate de imaginar como, sin ningún sonido, solo con mostrarnos imágenes en movimiento, Eggeling nos hace sentir el ritmo, patrones musicales y figuras. Aunque el espectador no sea un experto musical, podría descubrir, al menos, los ritmos básicos de la música.

La obra maestra de Eggeling es un viaje hacia la música, una ilusión mágica y una imagen sensible de la música a través de diferentes lenguajes. Algo que nadie debería perder de ver.

“Como yo, el ha arribado a sus teorías de la mano de la música, y siempre lo ha explicado en términos musicales”.
Hans Richter. (Dada: Arte y Anti-Arte, McGraw Hill 1965)

Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Título Original: Romance Sentimentale
País: Francia
Año: 1930
Guión: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Directores: Grigori Aleksandrov y Sergei Eisenstein
Duración: 20 minutos

Algunos relatos alegan que Sergei Eisenstein solo puso su nombre en este corto sonoro simplemente porque necesitaba el dinero. Es, sin embargo, mas cercano a la verdad decir que esta fue una colaboración, aunque el exacto punto de la colaboración entre el y Grigori Aleksandrov se mantiene indeterminado. Le película en si es un cortometraje, experimental, un montaje ligeramente poético de la ciudad y de imágenes abstractas. La contribución de Eisenstein parece haber sido la banda sonora con la cual demuestra su teoría de “el contra puntual uso del sonido” o el intento de encontrar un denominador común entre el sonido y la imagen. El sonido de Romance Sentimentale es dibujado directamente en la pista óptica de la película y es el primer ejemplo del uso de esta técnica. No se intentó hacer como una presentación de una película materialista, sino más bien como un experimento hacia un lenguaje cinematográfico integrado. A pesar de que las imágenes de la película son superficiales, conserva una importancia historia como una predecesora película experimental y la primera película sonora hecha por soviéticos, aunque no hecha en la Unión Soviética.

Constantinos Gavras, mejor conocido como (Constantin) Costa-Gavras, nació el 13 de febrero de 1933 en Loutra Iraias, Grecia, es un director greco francés conocido por sus películas sobre temas políticos, mas famoso por su oscura, acelerada película de suspenso, Z (1969). La mayoría de sus películas fueron hechas en Francia; comenzando con Perdido (1982), muchas de ellas fueron hechas en ingles.

Costa-Gavras nació en una familia pobre en el pueblo de Loutra Iraias, Arcadia. Su familia pasó la Segunda Guerra Mundial en un pueblo en el Peloponeso, y se trasladó a Atenas luego de la guerra. Su padre había sido miembro del ala izquierda EAM, una rama de la Resistencia Griega, y fue encarcelado, luego de la guerra, sospechado de ser comunista. Los antecedentes de su padre le impidieron a Costa-Gavras asistir a la universidad o emigrar a los Estados Unidos, por lo que luego de terminar la escuela secundaria se marchó a Francia, donde comenzó la carrera de leyes en 1951.

En 1956, abandonó sus estudios universitarios para estudiar cine en la escuela nacional de cine de Francia, IDHEC. Luego de la escuela de cine, logró ser aprendiz de Yves Allégret, y se volvió asistente de los directores Jean Giono y René Clair. Luego de varios trabajos como primer asistente de director, dirigió su primer largometraje, Los raíles de la muerte, en 1965.

En Z (1969), un juez, papel actuado por Jean-Louis Trintignant, trata de descubrir la verdad sobre la muerte de un prominente político de izquierda, Yves Montand, mientras los oficiales del gobierno y los militares tratan de cubrir sus participaciones en el hecho. La película relata una serie de eventos ficticios alrededor de la muerte del político griego Grigoris Lambrakis en 1963. Tuvo una repercusión adicional porque, al momento de su lanzamiento, Grecia hacia dos años que estaba gobernada por el “Régimen de los Coroneles”. Z ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Costa-Gavras y el coguionista Jorge Semprún ganaron un Premio Edgar, otorgado por Escritores Americanos de Misterio, al Mejor Guión de Película Extranjera.

L'Aveu (La Confesión, 1970) sigue los pasos de Artur London, un ministro comunista checoslovaco arrestado y juzgado por traición y espionaje en un proceso con fines propagandísticos durante la era estalinista.
Estado de Sitio (1973) se lleva a cabo en Uruguay durante un gobierno conservador a comienzos de la década de 1970. Con una trama basada en el caso del oficial de policía norteamericano y presunto experto en torturas Dan Mitrione, un oficial de la Embajada de los Estados Unidos (papel actuado por Yves Montand), que es secuestrado por los Tupamaros, un grupo subversivo de izquierda, quien lo interroga para revelar detalles secretos de la complicidad de los Estados Unidos con los regimenes represivos en América Latina.

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Tony Richardson y Karel Reisz
Título Original: Momma Don't Allow
País: Inglaterra
Año: 1955
Género: Documental
Guión: Tony Richardson y Karel Reisz
Director: Tony Richardson y Karel Reisz
Fotografía: Walter Lassally (BN)
Producción: BFI Experimental Film Fund
Duración: 22 minutos

En marzo de 1954, Karen Reisz y Tony Richardson enviaron una propuesta a la BFI Experimental Film Fund para realizar un corto documental. Al mismo tiempo, Reisz estaba trabajando para la BFI como programador del National Film Theatre, mientras Richardson era un joven director de televisión en la BBC. La película, originalmente titulada Jazz, trataba sobre un sábado de noche en un club de jazz de North London.

La película fue filmada en 16mm durante el invierno de 1954-55 con un gasto total de tan solo £425 (el dúo solo había pedido £232). Para el tiempo en la que fue completada, noviembre de 1955, su titulo había sido cambiado por Momma Don´t Allow.

Momma Don´t Allow es una celebración del espíritu libre de la juventud –particularmente la joven clase trabajadora londinense. La historia es ficticia para poder contrastar la diferencia entre los “Teddy Boys” y los “Toffs”, con una sub-trama donde los “Teds” no eran los matones de navajas en mano que mostraba la prensa. El foco de la película es el club de jazz Wood Green donde Chris Barber, el maestro de jazz “trad o “stomp”, toca. A mediados de la década de 1950 el trad jazz era el sonido de la rebelión.

El 25 de enero de 1956, unos pocos días antes del evento de Free Cinema, Momma Don´t Allow fue proyectada como parte de un programa de películas patrocinadas por la BFI para la prensa y representantes de la industria en el NFT. Las críticas de la prensa fueron muy halagadoras.

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Los seres que rehúsan morirse tienen su propia estratificación social: los vampiros, generalmente nobles, constituyen su aristocracia y los zombies, resucitados sin voluntad propia con el único fin realizar tareas pesadas, su proletariado. En el medio habría una numerosa clase media que se autodetermina (los muertos vivientes de George Romero) y también algunos marginales románticos, como La momia, o bohemios que se dedican a extrañas formas artísticas, como el zombie-vampiro-escultor de Las cintas de Norliss. Todo eso y mucho más se verá en malba.cine durante las noches de mayo.

L I S T A   D E   P E L I C U L A S

	La caída de la casa Usher (1928) de Jean Epstein. 50'. Jueves 15 de mayo a las 22.30 Jueves 22 de mayo a las 20.00		Drácula (1931) de Tod Browning. 75'. Miércoles 21 de mayo a las 21.15
	Zombie (1932) de Victor Halperin. 68'. Domingo 25 de mayo a las 20.00		La momia (1932) de Kark Freund. 72'. Jueves 1 de mayo a las 20.00
	La hija de Drácula (1936) de Lambert Hillyer. 71'. Domingo 11 de mayo a las 22.30		Yo caminé con un zombie (1943) de Jacques Tourneur. 69'. Domingo 25 de mayo a las 21.15
	Domingo negro (1960) de Mario Bava. 83'. Domingo 18 de mayo a las 20.00		El mundo de los vampiros (1961) de Alfonso Corana Blake. 83'. Domingo 18 de mayo a las 22.00
	La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero. 96'. Jueves 1 de mayo a las 22.00		El Conde Drácula (1970) de Jesús Franco. 98'. Sábado 31 de mayo a las 23.55
	Las cintas de Norliss (1973) de Dan Curtis. 72'. Jueves 1 de mayo a las 21.30		Sangre para Drácula (1974) de Paul Morrisey. 103'. Domingo 4 de mayo a las 22.00
	Nosferatu + MV (1979) de Werner Herzog. 107'. Sábado 17 de mayo a las 23.55		Re-Animator (1985) de Stuart Gordon. 86'. Jueves 22 de mayo a las 23.55
	Noche alucinante (1987) de Sam Raimi. 85'. Viernes 2 de mayo a las 23.55		El ejército de las tinieblas (1992) de San Raimi. 81'. Sábado 3 de mayo a las 23.55
	Plaga zombie – Zona mutante (2002) de Pablo Parés y Hernán Sáez. 100'. Sábado 24 de mayo a las 23.55		Ataúd para un vampiro + Las Hijas de Drácula de Jimmy Sangster + John Hough. 145'. Jueves 29 de mayo a las 22.00
	Nosferatu + MV (1922) de Friedrich W. Murnau. 80'. Jueves 15 de mayo a las 23.55 Viernes 16 de mayo a las 23.55		Vampyr (1932) de Carl T. Dreyer. 75'. Domingo 11 de mayo a las 20.00
	Santo contra los zombies (1961) de Benito Alazraki. 70'. Domingo 25 de mayo a las 22.30		El planeta infernal (1965) de Mario Bava. 86'. Domingo 18 de mayo a las 22.00

Aunque con intereses y métodos de trabajo muy distintos, Ingmar Bergman y Michelangelo Antonioni compartieron la voluntad de utilizar el cine para tocar el alma de las cosas, plantear las incógnitas eternas y corporizar intangibles como la alienación, la incapacidad para comunicarse, la angustia existencial o el silencio de Dios. En una época en la que muy pocos autores se plantean ambiciones semejantes, parece pertinente repasar doce films mayores de estos artistas que supieron llevar el cine a su madurez.

L I S T A   D E   P E L I C U L A S

	Crónica de un amor (1950) de Michelangelo Antonioni. 96'. Jueves 1 de mayo a las 14.00 Viernes 9 de mayo a las 16.00 Jueves 22 de mayo a las 18.00 Viernes 30 de mayo a las 14.00		Las amigas (1955) de Michelangelo Antonioni. 104'. Sábado 3 de mayo a las 14.00 Sábado 10 de mayo a las 16.00 Domingo 25 de mayo a las 14.00 Domingo 25 de mayo a las 14.00 Viernes 30 de mayo a las 16.00
	El grito (1957) de Michelangelo Antonioni. 116'. Viernes 9 de mayo a las 19.30 Sábado 10 de mayo a las 14.00 Domingo 18 de mayo a las 14.00 Domingo 25 de mayo a las 16.15 Jueves 29 de mayo a las 16.00		La aventura (1960) de Michenlangelo Antonioni. 120'. Jueves 15 de mayo a las 16.00 Sábado 17 de mayo a las 16.15 Sábado 24 de mayo a las 14.00
	El eclipse (1962) de Michelangelo Antonioni. 125'. Jueves 1 de mayo a las 16.00 Sábado 17 de mayo a las 14.00 Domingo 18 de mayo a las 16.15 Viernes 23 de mayo a las 15.50 Sábado 31 de mayo a las 14.00		Identificación de una mujer (1982) de Michelangelo Antonioni. 128'. Viernes 2 de mayo a las 16.00 Jueves 8 de mayo a las 16.30 Domingo 11 de mayo a las 14.00 Domingo 1 de junio a las 16.00
	El demonio nos gobierna (1948) de Ingmar Bergman . 78'. Jueves 1 de mayo a las 18.30 Sábado 3 de mayo a las 17.00 Viernes 9 de mayo a las 14.00 Jueves 22 de mayo a las 14.00		El séptimo sello (1956) de Ingmar Bergman . 96'. Jueves 15 de mayo a las 14.00 Viernes 16 de mayo a las 20.00 Jueves 29 de mayo a las 18.00
	Persona (1965) de Ingmar Bergman . 85'. Viernes 2 de mayo a las 14.00 Domingo 4 de mayo a las 14.00 Viernes 9 de mayo a las 18.00 Sábado 24 de mayo a las 16.30 Jueves 29 de mayo a las 14.00		La hora del lobo (1968) de Ingmar Bergman . 88'. Jueves 1 de mayo a las 14.00 Jueves 15 de mayo a las 18.30 Viernes 16 de mayo a las 16.15 Jueves 22 de mayo a las 15.30
	Gritos y susurros (1972) de Ingmar Bergman. 91'. Domingo 4 de mayo a las 20.00 Viernes 16 de mayo a las 18.00 Viernes 23 de mayo a las 14.00		El huevo de la serpiente (1977) de Ingmar Bergman. 120'. Jueves 8 de mayo a las 14.00 Domingo 11 de mayo a las 16.15 Viernes 16 de mayo a las 14.00 Sábado 31 de mayo a las 16.10
	Ingmar Bergman (1971) de Largometraje Documental. 65'. Jueves 8 de mayo a las 19.00 Jueves 22 de mayo a las 17.00

Federico Fellini
Título Original: 8½
País: Italia
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi
Director: Federico Fellini
Fotografía: Gianni di Venanzo
Montaje: Leo Cattozzo
Escenografía: Vito Anzalone
Música: Nino Rota
Producción: Angelo Rizzoli
Duración: 140 minutos
Intérpretes: Marcello Mastroianni (Guido Anselmi), Claudia Cardinale (Claudia), Anouk Aimée (Luisa Anselmi), Sandra Milo (Carla), Rossella Falk (Rossella), Barbara Steele (Gloria Morin), Madeleine LeBeau (Madeleine), Caterina Boratto (La señora misteriosa), Eddra Gale (La Saraghina), Guido Alberti (Pace), Mario Conocchia (Conocchia), Bruno Agostini (el secretario de producción), Cesarino Miceli Picardi (Cesarino), Jean Rougeul (Carini), Mario Pisu (Mario Mezzabotta).

El film que merece el calificativo “fellinesco” más que ningún otro sin dudas es 8½. En esta extravagante, auto indulgente, creativamente exuberante fantasía, el amo del cine italiano, Federico Fellini, nos lleva hacia una exploración bizarra de su arte y su vida. El simbolismo freudiano y la imaginería daliesca abundan en un trabajo que es simultáneamente hipnotizante e inconmensurable, una obra maestra surrealista que juega en nuestra conciencia como un sueño familiar que es tanto cómico como inolvidable, dejándonos confundidos.

Es tanto la mas descaradamente abstracta película de Fellini, asi como la película que nos acerca mas a su propia vida. Cuando comenzó a hacerla, estaba (al igual que el personaje principal) experimentando un bloqueo creativo luego del inesperado éxito internacional de su anterior película, La Dolce Vita (1960). Había ganado celebridad, riqueza y era aclamado por los críticos, pero por donde seguir? Si un director en su posición no tiene nada mas que decir, todavía es posible realizar una película? en 8½ estaba la respuesta.

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Andrei Arsenyevich Tarkovsky fue un director escritor y director de opera ruso. Aunque Tarkovsky dirigió solo siete largometrajes durante sus veinte años de carrera activa, es ampliamente considerado como uno de los cineastas mas importantes e influyentes del siglo XX. Fue aclamado por los críticos por dirigir películas como Andrei Rublev, Solaris o Stalker.

Tarkovsky también trabajó extensamente como guionista, editor y teórico de cine y director teatral. Dirigió la mayoría de sus películas en la Unión Soviética, con la excepción de sus últimos dos largometrajes que fueron producidos en Italia y Suecia. Sus películas se caracterizan por los temas metafísicos y espirituales cristianos, extremadamente largas tomas, falta de una estructura dramática convencional y trama, e imágenes memorables de excepcional belleza.

Tarkovsky nació en la villa de Zavrazhye en la provincia de Kostroma como el hijo del poeta y traductor Arseny Alexandrovich Tarkovsky y Maria Ivanova Vishnyakova, una graduada del Instituto de Literatura Maximo Gorki. En 1934, su hermana Marina nació. Paso su niñez en Yuryevets en la provincia Ivanovo. En 1937, su padre abandonó a la familia, para unirse posteriormente como voluntario del ejército en 1941. Tarkovsky se quedó con su madre, mudándose con ella y su hermana a Moscú, donde la madre trabajó como correctora en una imprenta. Durante la guerra, Tarkovsky, su madre y su hermana Marina fueron evacuados a Yuryevets, viviendo con su abuela materna.  En 1943, la familia regresó a Moscú. Tarkovsky continuó sus estudios, siendo el poeta Andrev Vosnesensky uno de sus compañeros de clase. También aprendió a tocar el piano en la escuela de música y asistió a clases en una escuela de arte. Desde noviembre de 1947 hasta la primavera de 1948, estuvo internado en un hospital con tuberculosis. Muchos temas de su niñez –la evacuación, su madre con sus hijos, el abandono del padre, el tiempo en el hospital- caracterizaron claramente su obra El Espejo.

Justo después de su graduación de la escuela secundaria, de 1952 a 1953, Tarkovsky estudió árabe en el Instituto Oriental de Moscú, una rama de la Academia de Ciencias de la Unión Soviética. No terminó sus estudios y abandonó su trabajo para la Academia del Instituto de Ciencias para Metales No Ferrosos y Oro, como buscador. Participó en una expedición de investigación de casi un año en el río Kureikye cerca de Turukhansk en la provincia de Krasnoyarsk. Durante este tiempo en el Taiga Tarkovsky decidió estudiar cine.

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Akira Kurosawa
Título Original: Rashomon
País: Japón
Año: 1950
Género: Drama, Crimen, Misterio
Guión: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto basado en las historias de Rashomon y otros cuentos de Ryunosuke Akutagawa
Director: Akira Kurosawa
Fotografía: Kazuo Miyagawa
Edición: Akira Kurosawa
Escenografía: H. Motsumoto
Música: Fumio Hayasaka
Producción: Minoru Jingo, Masaichi Nagata
Duración: 88 minutos
Intérpretes: Toshirô Mifune (Tajômaru, el bandido), Machiko Kyô (Masako Kanazawa), Masayuki Mori (Takehiro Kanazawa), Takashi Shimura (Leñador), Minoru Chiaki (Cura), Kichijiro Ueda (Plebeyo), Fumiko Honma (Medium), Daisuke Katô (Policia).

La admiración que tenia Kurosawa por las películas mudas y el arte moderno se puede ver en sus decorados minimalistas de sus películas. Kurosawa sentía que el cine sonoro multiplicaba la complejidad de una película: “el sonido cinemático nunca es simplemente un acompañamiento, nunca es simplemente lo que la máquina de sonido toma mientras uno graba una escena. El sonido real no es simplemente un agregado a las imágenes, sino que las multiplica”.

Con respecto a Rashomon, Kurosawa dijo: “me gustan las películas mudas, siempre me gustaron… quería restablecer algo de su belleza. Pensé en ello, recordé que: una de las técnicas del arte moderno es la simplificación, y debo por lo tanto simplificar la película”.

Por consiguiente, hay solo tres escenarios en la película: la puerta de Rashomon, los bosques y el patio. La puerta y el patio son construcciones muy simples y el bosque es real. Esto es parcialmente debido al bajo presupuesto que obtuvo Kurosawa de la productora Daiei. Sin embargo, cuando Kurosawa era mas joven, estudió y pintó pinturas occidentales. Su conocimiento del arte moderno lo ayudó a balancear lo complicado del cine sonoro creando imágenes más simples.

Cuando Kurosawa filmó Rashomon, los actores y el personal vivían juntos, y sistema que Kurosawa encontró beneficioso. Recordó: “éramos un pequeño grupo y yo dirigía Rashomon cada minuto del día y de la noche. En momentos como ese, podías hablar de cualquier cosa y efectivamente sentirse muy unido.” Un resultado de su acercamiento puede ser visto en la actuación de Toshiro Mifune: mientras los actores y Kurosawa esperaban para que se construyan los decorados, miraron una película en África dirigida por Martin y Osa Jonson. La película incluía tomas de leones vagabundeando por ahí, y Kurosawa sugirió que el personaje del bandido de Mifune actúe como un león. Como resultado, Mifune dio esa salvaje, casi inhumana actuación que puede ser vista en la película.

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