CLÁSICOS EN IMÁGENES
La Fundación Encuentros Internacionales de Música Contemporánea y La Alianza Francesa De Buenos Aires presentan este ciclo dedicado a difundir las películas premiadas en los concursos de los años 2002/2004 y 2006 organizados por el Auditorio del Museo del Louvre de París y Classique en Images, con los auspicios de SACEM y France Musiques, merced a un convenio establecido con la Fundación Encuentros Internacionales de Música Contemporánea de Argentina. Las proyecciones abarcan personalidades como Víctor Ullmann, Bela Bartok, Luigi Nono, Keith Jarret, Gerar Pesson y Martín Scorssesse.

Días: del lunes 31 de marzo al viernes 4 de abril

Lugar: Alianza Francesa Centro, Córdoba 946

Informes: Tel: 4322 - 0068

Entrada Libre Y Gratuita -  Las Entradas se retiran 30 minutos antes de la función

+ info www.alianzafrancesa.org.ar

Acerca De Clásicos En Imágenes

Dice Alicia Terzian:

En el año 2003 nos acercamos a Christian Labrande, Director Artístico de los Concursos Bienales organizados por el Auditorio del Museo del Louvre de París en coproducción con la SACEM, France Musiques y otras instituciones francesas; con la propuesta de difundir desde Encuentro tan extraordinario material en América Latina. Él se mostró inmediatamente interesado en incluir Argentina como polo de América Latina, y Encuentros fue elegido por la seriedad de sus festivales que, desde 1968 se realizan anualmente.

Hay quienes consideran que las películas propuestas por importantísimas televisoras oficiales y privadas de todo el mundo son simples documentales. Por el contrario, sumergiéndonos en el desarrollo de cada una de ellas, encontramos que trasciende este hecho primario, dado que intérpretes y compositores de todo el mundo, pertenezcan a la música popular o contemporánea de vanguardia; nos ofrecen la posibilidad de acercarnos a su obra a través de su palabra y del discurso de su música.

Así, a partir del 2003 pudimos hacer conocer en Buenos Aires, a través de las imágenes que nos permitía el film musical, a figuras tan importantes como Igor Stravinsky, Gyorgy Ligeti, Pierre Boulez, Arnold Schoenberg, Alexandre Locchine, Bela Bartok, Viktor Ullmann, Philippe Glass y Luigi Nono.

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Como un pionero del cine zarista, como un director que filmó en Moscú, Yalta, Paris, y Berlín, y como alguien que trabajo bajo diferentes sistemas sociales y logró sobrevivir, Yakov Protazanov tiene un lugar único en la historia del cine ruso.

Originalmente tenia previsto seguir una carrera comercial, pero cayó bajo el hechizo de las películas y comenzó si aprendizaje con Gloria Films, que luego se convertiría en Thiemann & Reinhardt, en Moscú. El cine en Rusia había sido socialmente aceptado desde el principio y gozaba del patrocinio de los círculos imperiales. Desde escribir guiones hasta actuar, Protazanov comenzó a dirigir. En 1911 hace Pesnya Katorzhanina (La canción del Prisionero) con Vladimir Shaternikov, un actor que había usado en varias oportunidades. Al año siguiente Andreyev escribió una adaptación de su obra Anfisa para Protazanov. El mismo año hace Ukhod velikovo startza (La partida del hombre viejo), de ese modo enemistándose con la Condesa Tolstoy, quien objetó la forma en que describieron a sui marido, papel actuado por Shaternikov. La película fue posteriormente prohibida. Una mas feliz empresa fue Klyuchishchastya (Llaves de Felicidad), escrita por un popular novelista, A. Verbitskaya. El encanto de esta película generó un gran éxito de taquilla a lo largo de toda Rusia.

Para la época de la Primera Guerra Mundial, Protazanov había dirigido alrededor de cuarenta películas cubriendo un amplio rango de temas, desde fervorosos, mórbidos, y hasta decadentes temas tan populares en Rusia en esa época como los espectáculos históricos y películas basadas en la herencia literaria de su país. En Kak khoroshi, kak svezhi byli rosi (Cuan delicadas, cuan frescas las rosas son) de 1913 se inspiró en Turgenev. Utilizó a Shaternikov una vez más en esta película, quien hizo el personaje de Lev Tolstoy.

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En 1951 los productores de cine en Suecia cerraron los estudios e iniciaron una huelga que duró un año, en protesta por los altos impuestos a la industria del entretenimiento. Ingmar Bergman recién casado por segunda vez y con cuatro hijos necesitaba un ingreso para mantener las dos familias. Firmó entonces un contrato con Sunlight Corporation para hacer nueve comerciales. Tuvo acceso al mismo equipo técnico que hubiera usado para hacer un largometraje. Se trabajó con mucha seriedad y en condiciones profesionales. Tenía además el control total sobre los films, desde el guión hasta el corte final. La única condición que debía respetar era que cada comercial mencionara dentro del minuto de duración, uno de dos slogans posibles: "La transpiración sola no produce olor; son las bacterias de la piel en contacto con la transpiración las que causan el olor" o "Bris mata las bacterias: si no hay bacterias - no hay olor". Bergman se divirtió haciéndolos, aunque tuvo alguna dificultad incorporando los textos de Bris en los cortos. La filmación del último produjo su primer encuentro con Bibi Andersson. Lamentablemente ése es el único que no está.

1. "JABÓN BRIS" (1951) Título Original: Tvålen Bris
En el más convencional de los nueve comerciales, Bergman presenta a un viejo, que aparecerá en los nueve films y cuya particularidad es que no entiende el nombre del jabón, el cual tiene que repetir una y otra vez.
2. "LA FILMACIÓN" (1952) Título Original: Operation
Tres de los comerciales utilizan el medio cinematográfico inserto en el mismo. En este, Bergman le muestra al espectador como se realiza un comercial.
3. "LA PROYECCIÓN" (1953) Título Original: Tredimensionellt
En este metafilm observamos la proyección de un comercial en un cine. El propósito es hacer una broma acerca del cine tridimensional, que estaba muy en boga en la época y para lo cual el público necesitaba unas gafas especiales. La estrellita que presenta el jabón Bris sale de la pantalla, -dentro de la pantalla- cayendo sobre la cabeza de un espectador.
4. "EL JEROGLÍFICO" (1953) Título Original: Rebusen
La primera mitad del comercial muestra imágenes sin texto, desafiando al espectador a interpretarlas. Una voz pregunta si ha habido dificultad para comprender la película, que es repetida a continuación, ahora con el slogan de Bris como texto.
5. "EL INVENTOR" (1952) Título Original: Uppfinnaren
Un hombre sueña que ha inventado un jabón maravilloso que hace milagros. El film está concebido como una farsa de Méliès.
6. "EL TEATRO MÁGICO" (1951) Título Original: Tennisflickan
Monstruos malignos -las bacterias de la piel- pelean contra criaturas inofensivas -las gotas de transpiración- y el contacto produce un desagradable olor que sólo puede eliminar el jabón Bris.
7. "EL SHOW MÁGICO" (1952) Título Original: Trolleriet
Diminutas personas en un show de marionetas protagonizan una pelea entre las fuerzas del bien y del mal. Nuevamente el jabón Bris viene al rescate.
8. "REY GUSTAVUS III" (1951) Título Original: Gustavianskt
Una escenografía histórica, espléndida solamente en apariencia, ya que en el siglo 18 el jabón Bris todavía no había sido inventado y el tufo, aun en la corte real, era prácticamente insoportable.
9. "LA PRINCESA Y EL CHANCHO" (1953) Título Original: Prinsessan och svinaherden
Una variante del cuento de Hans Christian Anderson de la princesa que prometió darle cien besos al chancho a cambio de una caja musical. El chancho de Bergman tiene un excelente jabón, irresistible tanto para la princesa como para el rey.

 

Andrzej Wajda, una de las mayores figuras del cine centro europeo y mundial luego de la Segunda Guerra Mundial, ha hecho su reputación como un cronista, de la política de su país y de la evolución social, sensible y sin compromisos. Alguna vez titulado como un símbolo de un país asediado, Wajda es conocido por dibujar la historia polaca para conectar su trágica sensibilidad –creando una composición de trabajo que devasta mientras informa. Sus películas también son famosas por sus planos visuales. Wajda muestra algunas escenas simbólicas, a menudo transforma algunas pinturas en la pantalla o crea nuevas versiones de algunas pinturas de la historia europea y polaca. A menudo trata de crear el correcto humor y atmósfera del periodo del que esta contando, refiriéndose a particulares características visuales. Wajda crea tanto grandes películas épicas como otras psicologías y existenciales. Es el hijo de un oficial de caballería polaco asesinado por los soviéticos en 1940 en la que es conocida como la masacre de Katyn. Luego de la guerra, estudio para ser pintor en la Academia de Finas Artes de Cracovia antes de entrar a la Escuela de Filmes de Łódź.

En la década de 1940, fue miembro del Partido Unido de los Trabajadores de Polonia en Cracovia. Al comienzo de su aprendizaje con el director Alexander Ford, a Wajda fue dada la oportunidad de dirigir su propia película. Con “Generación” (Pokolenie 1955), el director primerizo vierte su desilusión sobre el patriotismo, usando como su alter ego a un joven antihéroe al mejor estilo James Dean, papel protagonizado por Zbigniew Cybulski. Habrían también otras futuras leyendas protagonizando esta película – Tadeusz Łomnicki, Tadeusz Janczar y Roman Polański. La Escuela de Cine Polaca estaba lista para actuar.

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Jornadas de proyecciones de films presentados por profesores de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido, dirigidas a los alumnos que ingresan en el 2008 y a los alumnos regulares de segundo y tercer año.

_Martes 25/03: "Fresa y chocolate" (1993 Cuba)
Director: Tomas Gutiérrez Alea
Presenta: Prof. Jorge Grassi
_Miércoles 26/03: "Batman Vuelve" (1992 EEUU)
Director: Tim Burton
Presenta: Prof. Raúl Campodonico
_Jueves 27/03: "Punch- Drunk- Love" Embriagados de amor (2002 EEUU)
Director: Paul Thomas Anderson
Presenta: Prof. Alejandro Seba
_Viernes 28/03: "Los compañeros" (I Compagni, It.-Fr., 1963, 125 min.)
Director: Mario Monicceli
Presenta: Prof. Parana Sendros
Hora y lugar: Aula 301 3er. Piso Pabellón III, Ciudad Universitaria, Buenos Aires. 19.30 hs.
Organizan: Carrera de Diseño de Imagen y Sonido FADU-UBA
Dirección de Cultura - Arq. Victoria Majul

Eric Rohmer
Título Original: Ma nuit chez Maud
País: Francia
Año: 1969
Género: Comedia
Guión: Eric Rohmer
Director: Eric Rohmer
Fotografía: Néstor Almendros
Producción: Pierre Cottrell, Barbet Schroeder
Duración: 110 minutos
Intérpretes: Jean-Louis Trintignant (Jean-Louis), Françoise Fabian (Maud), Marie-Christine Barrault (Françoise), Antoine Vitez (Vidal), Léonide Kogan (Violinista), Guy Léger (Predicador), Anne Dubot (Amiga Rubia), Marie Becker (Marie, Hija de Maud), Marie-Claude Rauzier (Estudiante).

Típicamente, Eric Rohmer es presentado como el miembro más viejo de la Nouvelle Vague francesa, con la implicancia que su tranquilo, hablador, formal estilo es menos radical y mas apartado de las películas de los otros miembros fundadores claves Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, François Truffaut y Jacques Rivette. Generalmente asociamos este movimiento con un estilo que rompe las convenciones clásicas, frecuentemente usando como lugar de rodaje las calles de Paris, esta lleno de citas cinemáticas, y proclamando la sensibilidad política y social de la joven generación que dominaría la vida cultural del Oeste en la década de 1960. Esto es probablemente porque Truffaut y Godard son los directores de la Nouvelle Vague mas conocidos y sus estilos definieron el movimiento. Es verdad que la película de Rohmer de 1969, Mi noche con Maud, no tiene el recurso estilístico florido de estas películas. No obstante, es un trabajo rico y satisfactorio, el cual es un placer por derecho propio y puede dar una mano en conseguir un completo entendimiento de la Nouvelle Vague.

Mucha de la estructura intelectual del movimiento puede ser encontrada en la critica de cine escrita por sus futuros directores en las paginas de la revista Cahiers du Cinéma, como el famoso cáustico ensayo de Truffaut sobre el estado del cine francés en su manifiesto de 1954 “Una cierta tendencia del cine francés”. Otro importante e influyente ensayo, particularmente en el contexto de Rohmer, es “Nacimiento de una Nueva Vanguardia: la Camera-Stylo” de Alexandre Astruc, escrito en 1948. Astruc sostiene que el cine se volverá una forma más personal y ensayista donde la cámara literalmente actuará como el lápiz del director, la camera-stylo. Truffaut escribe sobre lo poco original de la “tradición de calidad” de las películas de estudio hechas en Francia. Argumenta que usualmente escriben adaptaciones con mensajes formulistas, anti clericales y anti burgueses, hipócritamente escritos por escritores extremadamente burgueses. Truffaut pelea por un cine más perspicaz, escrito por directores o con un acercamiento a las adaptaciones más original, donde la vida y la fe de la clase media son representadas más honestamente. Creían que el cine debía ser personal y capaz de tocar los intangibles y misteriosos aspectos de la existencia humana. Aunque esto parecía bien después de los años mas influyentes del movimiento, Mi noche con Maud es una película atestada de estas ideas y esta sensibilidad, sin dudas una película de la Nouvelle Vague.

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Uno de los cineastas mas influyentes en el Nuevo Cine Alemán y una de las personalidades mas radicales en el cine en sí, el llamativo Werner Herzog rápidamente ganó notoriedad no solo por crear algunas de las narrativas mas fantásticas en la historia del medio, sino por presionar hasta límites sin precedentes a el mismo y a su grupo, una y otra vez, para lograr los efectos que exigía.

Nació como Werner Stipetic en Munich el 5 de septiembre de 1942, Herzog creció en Sachrang, Bavaria, entre la pobreza y la destrucción, porque su padre (con quien él no obstante tenia una relación esplendida) nunca podía mantener un trabajo por mucho tiempo. Cuando sus padres se divorciaron, Werner, el niño de once años, y sus dos hermanos se mudaron con su madre yugoslava a Munich. Aunque era un niño de bajo rendimiento en la escuela, Herzog sin embargo demostró una inteligencia alarmante desde sus jóvenes años, y reconoció su futura vocación a sus diez años, cuando comenzó a escribir un guión detrás de otro para mandarlos a los productores de películas alemanas. También cultivaba una fuerte afinidad por la poesía, ganando varios premios literarios de joven.

Después que Herzog cumpliera los 17 años, un productor alemán escogió uno de sus guiones, pero sin demora destruyó el contrato cuando descubrió la edad del autor. El joven inconformista concluyó de esta experiencia que se volvería completamente necesario, en el futuro, producir su propio trabajo, así que aceptó un trabajo como soldador en una línea de ensamblaje en Munich para poder juntar dinero, trabajando toda la noche desde las 8pm hasta las 6am y durmiendo durante las clases. Alrededor del año 1962, Herzog, que ya contaba con 20 años, se enroló en la Universidad de Munich como estudiante de literatura e historia, y produjo su primera película, Herakles, de 12 minutos, su segunda película, el cortometraje de 1964 Spiel im Sand (Juego en la Arena), y su tercera en 1966, una película pacifista llamada Die Beispiellose Verteidigung der Festung Deutschkreutz (La defensa sin precedentes del Fuerte Deutschkreutz). Durante todo este periodo y a partir de entonces, se burlaba de la idea de ir a una escuela de cine, convencido de que uno no puede aprender a filmar películas en un salón de clases, sino solo por experiencia propia. En el año 1963, estableció su propia productora, Werner Herzog Filmproduktion, diseñada para darle completa autonomía sobre todos sus proyectos.

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L I S T A   D E   P E L I C U L A S

	El hombre sin brazos (1927) de Tod Browning. 60'. Viernes 28 de marzo a las 22.30 Sábado 29 de marzo a las 23.55		Freaks (1932) de Tod Browning. 64'. Jueves 6 de marzo a las 23.55
	El sol rojo (1971) de Terence Young. 112'. Viernes 14 de marzo a las 22.00		La ira del espadachín manco (1971) de Chang Cheh. 90'. Viernes 14 de marzo a las 23.55
	200 Motels (1971) de Frank Zappa. 98'. Sábado 15 de marzo a las 22.00 Viernes 4 de abril a las 22.00		Hermanas diabólicas (1973) de Brian De Palma. 92'. Jueves 3 de abril a las 23.55
	Sangre para Drácula (1974) de Paul Morrisey. 103'. Jueves 13 de marzo a las 23.55		La casa de Whipcord (1974) de Pete Walker. 102'. Sábado 5 de abril a las 22.00
	The Rocky Horror Picture Show (1975) de Jim Sharman. 100'. Sábado 15 de marzo a las 23.55 Viernes 4 de abril a las 23.55		La maldición de la bestia (1975) de Miguel Iglesias. 80'. Sábado 22 de marzo a las 23.55
	Ilsa, la hiena del harén (1976) de Don Edmons. 93'. Sábado 22 de marzo a las 22.00 Sábado 5 de abril a las 23.55		La violencia del sexo (1978) de Meir Zarchi. 100'. Domingo 6 de abril a las 22.30
	Yo, Christiane F., drogada y prostituida (1981) de Uli Edel. 124'. Domingo 9 de marzo a las 22.00		Invasion USA (1985) de Joseph Zito. 107'. Viernes 28 de marzo a las 23.55
	Re-Animator (1985) de Stuart Gordon. 86'. Viernes 21 de marzo a las 23.55		From Beyond + Barbie también puede estar triste de Stuart Gordon + Albertina Carri. 110'. Viernes 21 de marzo a las 22.00
	Noche alucinante (1987) de Sam Raimi. 85'. Jueves 20 de marzo a las 23.55		La pesadilla mortal (1988) de Andrew Fleming. 84'. Sábado 29 de marzo a las 22.00
	Corazón salvaje (1990) de David Lynch. 127'. Domingo 23 de marzo a las 22.00		Perdita Durango (1997) de Alex de la Iglesia. 1997'. Domingo 30 de marzo a las 22.00
	Pink Flamingos (1972) de John Waters. 106'. Viernes 7 de marzo a las 22.00		Polyester (1981) de John Waters. 86'. Viernes 7 de marzo a las 23.55 Sábado 8 de marzo a las 22.00
	El callejón de los sueños (1985) de Alan Rudolph. 111'. Viernes 7 de marzo a las 20.00		Los caballeros de la mesa cuadrada (1974) de Terry Jones y Terry Gilliam. 91'. Jueves 27 de marzo a las 23.55
	Suspiria (1977) de Dario Argento. 82'. Sábado 8 de marzo a las 23.55

La décima edición del festival de cine asiático de Barcelona - BAFF 2008, se celebrará del 25 de abril al 4 de mayo de 2008.

EL FESTIVAL

En uno de los festivales que visitamos el año pasado para seleccionar títulos para el BAFF, la organización había dispuesto, para aquellos demasiado remolones para salir a la calle, una videoteca online. Es decir, quien quisiera ver alguna película en el sofá de su casa, en formato digital, podía hacerlo. Eso sí, pagando. Por supuesto, el grueso de la programación no estaba en versión digital, pero era un primer paso para lo que tal vez sea el cine del futuro. Muchos festivales internacionales de primer orden ya están pensando en ese otro público que no quieren perder, no sólo en el más perezoso o en el que no puede desplazarse al lugar donde se celebra el festival, sino en las nuevas generaciones, para quienes la minipantalla de un móvil ya es un soporte válido para disfrutar del cine. Visto así, este escenario sería ideal: el futuro ya está aquí. Cada cual disfruta de las películas que le gustan donde quiere y como quiere. El cine a la carta. ¿Qué más queremos? Por desgracia, casi siempre acabamos desvirtuando el aspecto positivo de las innovaciones tecnológicas y confundiendo las cosas. Nos creemos que un DVD es cine digital y que a cualquier programación en formato doméstico se le puede llamar festival de cine.

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7 Estrenos en la Argentina de la Actual producción cinematográfica checa.
del 27 de marzo al 2 de abril del 2008en el Cine Gaumont, Espacio INCAA KMO

Desde el jueves 27 de marzo hasta el miércoles 2 de abril, se llevará a cabo en Buenos Aires la SEMANA DE CINE CHECO en el Cine Gaumont, Espacio INCAA KMO.

El encuentro que ofrecerá una oportunidad de ver lo mejor de la actual producción cinematográfica checa es organizado por Czech Film Center, Centro Checo y el INCAA.

Entre las películas a presentarse se incluyen BOTELLAS RETORNABLES (VRATNÉ LAHVE) del prestigioso director Jan Sverak (galardonado con un Oscar por su película KOLYA), que fue la película más vista en la República Checa el año pasado, superando más de un millón de espectadores; GRAND HOTEL (GRANDHOTEL) de David Ondricek película seleccionada para la sección Panorama del festival de Berlín del 2007, y SECRETOS (TAJNOSTI) de Alice Nellis, galardonada con el premio Czech Lion a la mejor película checa del 2007 será la que va inaugurar la SEMANA DE CINE CHECO. También se podrán ver dos adaptaciones innovadoras: INSANIA (SÍLENÍ) de Jan Svankmajer, una película de "horror filosófico" basado en dos cuentos de Edgar Allen Poe y la obra del Marqués de Sade "La filosofía en el tocador", y la hilarante comedia negra HISTORIAS DE UNA LOCURA COMÚN, (PRÍBEHY OBYCEJNÉHO SÍLENSTVÍ ) de Petr Zelenka, llevada a la gran pantalla tras su éxito teatral en Praga. La película animada UNA NOCHE EN UNA CIUDAD (JEDNÉ NOCI V JEDNOM MESTE) de Jan Balej y EL DUENDE (SKRÍTEK) de Tomás Vorel ofrecerán dos miradas alternativas de los actuales realizadores checos.

Una proyección de gala de SECRETOS abrirá la SEMANA DE CINE CHECO y la película será presentada por su directora Alice Nellis.
 
Para mayor información visite:
www.filmcenter.cz
www.czechcentres.cz/buenos