F. W. Murnau
Título Original: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
País: Alemania
Año: 1922
Género: Terror
Guión: Henrik Galeen, Bram Stoker
Director: Friedrich Wilhelm Murnau
Fotografía: Fritz Arno Wagner, Günther Krampf
Producción: Enrico Dieckmann, Albin Grau
Duración: 94 minutos
Intérpretes: Max Schreck (Graf Orlok), Gustav von Wangenheim (Hutter), Greta Schröder (Ellen Hutter, seine Frau), Alexander Granach (Knock), Georg H. Schnell (Westenra), Ruth Landshoff (Lucy), John Gottowt (Profesor Bulwer), Gustav Botz (Profesor Sievers), Max Nemetz (Capitán del Demeter), Wolfgang Heinz (Marinero 1), Albert Venohr (Marinero 2).

Nosferatu: Una Sinfonía de Horror es una película de Expresionismo Alemán de F. W. Murnau, protagonizada por Max Schreck como el vampiro Conde Orlok. La película, filmada en 1921 y lanzada en 1922, fue en esencia una adaptación no autorizada de la obra Drácula de Bram Stoker, con nombres y otros detalles cambiados debido a que el estudio no obtuvo los derechos de la novela (por ejemplo, vampiro se convirtió en “Nosferatu”, y Conde Drácula se convirtió en Conde Orlok).

La historia de Nosferatu es similar a la de Drácula y conserva los personajes esenciales –Jonathan y Mina Harper, el Conde, etc.- pero omite muchos de los personajes secundarios, como Lucy o Van Helsing. Todos los nombres fueron cambiados también (aunque en algunos recientes lanzamientos de la película por compañías beneficiándose del dominio público de la película original, las pantallas con los diálogos escritos fueron cambiadas para usar los nombres de la versión Drácula).

En contraste con Drácula, Orlok no crea otros vampiros, solo mata a sus victimas, provocando que la gente del pueblo culpe a la plaga que devasta la ciudad. Además, Orlok debe dormir durante el día, el solo podría matarlo. El final también es sustancialmente diferente del de Drácula. El Conde es finalmente destruido al amanecer cuando el personaje de Mina se sacrifica a el.

Partes de la película que representan a Transilvania fueron de hecho filmadas en Eslovaquia. El Castillo de Nosferatu, por ejemplo, es el Castillo Orava en el norte de Eslovaquia, y otros escenarios están en las Altas Tatras y en el Río Váh cerca del Castillo Strečno.

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Aunque el término “expresionismo” disimula otras influencias importantes, como el romanticismo, lo cierto es que el cine mudo alemán debe contarse entre los más influyentes que tuvo la historia del cine. Casi todos los grandes mitos del cine fantástico se originaron en esta época y rara vez volvieron a ser tratados con la misma riqueza visual y conceptual. Durante febrero, malba.cine exhibirá once clásicos del período, muchos en copias nuevas, y todos acompañados con música en vivo de la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki.

L I S T A   D E   P E L I C U L A S

	El gabinete del Dr. Caligari + MV (1920) de Robert Wiene. 65'. Viernes 8 de febrero a las 22.30 Viernes 22 de febrero a las 22.00		El Golem + MV (1920) de Paul Wegener y Carl Boese. 80'. Viernes 15 de febrero a las 22.30 Viernes 22 de febrero a las 22.00
	Dr. Mabuse, el jugador + MV (1922) de Fritz Lang. 125'. Sábado 23 de febrero a las 22.00		Misterios de un alma + MV (1926) de Georg W. Pabst. 60'. Viernes 15 de febrero a las 23.55
	Fausto + MV (1926) de F. W. Murnau. 100'. Sábado 16 de febrero a las 22.00		Amanecer + MV (1927) de Friedrich Wilhelm Murnau. 100'. Jueves 21 de febrero a las 23.55
	Rapsodia húngara + La mentira de Nina Petrowna + MV de Hanns Schwarz. 110'. Viernes 22 de febrero a las 23.30 Sábado 1 de marzo a las 22.00		El infierno blanco de Pitz Palu + MV (1929) de Georg W. Pabst y Arnold Fanck. 90'. Sábado 9 de febrero a las 22.00
	Lulú, la caja de Pandora (1929) de G. W. Pabst. 120'. Sábado 1 de marzo a las 23.55		Nosferatu + MV (1922) de Friedrich W. Murnau. 80'. Viernes 8 de febrero a las 23.55 Sábado 16 de febrero a las 23.55 Viernes 29 de febrero a las 23.55
	Metrópolis + MV (1927) de Fritz Lang. 153'. Jueves 7 de febrero a las 23.55 Sábado 9 de febrero a las 23.55 Jueves 14 de febrero a las 23.55 Jueves 28 de febrero a las 23.55

Werner Herzog
Título Original: Fitzcarraldo
País: Alemania
Año: 1982
Género: Drama, Aventura
Guión: Werner Herzog
Director: Werner Herzog
Fotografía: Tomas Mauch
Música: Popol Vuh
Producción: Werner Herzog, Renzo Rossellini, Walter Saxer, Willi Segler, Lucki Stipetic
Duración: 158 minutos
Intérpretes: Klaus Kinski (Brian Sweeney Fitzgerald - 'Fitzcarraldo'), José Lewgoy (Don Aquilino), Miguel Ángel Fuentes (Cholo), Paul Hittscher (Capitan (Orinoco Paul), Huerequeque Enrique Bohorquez (Huerequeque (El Cocinero) (como Huerequeque Enrique Bohórquez), Grande Otelo (Jefe de Estacion (como Grande Othelo), Peter Berling (Manager de Opera), David Pérez Espinosa (Jefe de los Indios Campa), Milton Nascimento (Negro en la Opera), Ruy Polanah (Baron del caucho), Salvador Godínez (viejo misionero), Dieter Milz (joven misionero), William L. Rose (Notary (como Bill Rose), Leoncio Bueno, Claudia Cardinale (Molly).

Fitzcarraldo es una película de 1982 escrita y dirigida por Werner Herzog y protagonizada por Klaus Kinski como el personaje principal. Retrata al Barón del caucho Brian Sweeney Fitzgerald, un irlandés llamado Fitzcarraldo en Perú, quien tiene que tirar de un barco de vapor por una empinada colina en orden de acceder a un territorio rico en caucho. La película se basa en una historia de la vida real del barón del caucho Fermín Fitzcarrald.

Brian “Fitzcarraldo” Fitzgerald, un europeo viviendo en una pequeña ciudad de Perú a comienzos del siglo XX, tiene un gran amor por la opera y un espíritu indomable. Es un gran admirador del famoso tenor Enrico Caruso y sueña con construir una Opera en la ciudad de Iquitos. Esto requiere mucho dinero, y la industria mas redituable en Perú en ese momento es el caucho. Las áreas conocidas que contienen árboles de caucho han sido parceladas por el gobierno peruano y pueden ser rentadas para su explotación.

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Samuel Fuller
Título Original: Shock Corridor
País: Estados Unidos
Año: 1963
Género: Drama
Guión: Samuel Fuller
Director: Samuel Fuller
Fotografía: Samuel Fuller y Stanley Cortez
Producción: Leon Fromkess
Duración: 101 minutos
Intérpretes: Peter Breck (Johnny Barrett), Constance Towers (Cathy), Gene Evans (Boden), James Best (Stuart), Hari Rhodes (Trent), Larry Tucker (Pagliacci), Paul Dubov (Dr. J.L. Menkin), Chuck Roberson (Wilkes), Neyle Morrow (Psicópata), John Matthews (Dr. L.G. Cristo), Bill Zuckert ('Swanee' Swanson), John Craig (Lloyd), Philip Ahn (Dr. Fong), Frank Gerstle (Tte. Kane), Rachel Romen (nimfómana cantante).

Esta obra precursora de One Flew Over The Cuckoo's Nest (Atrapado sin salida, 1975), escrita, producida y dirigida por Samuel Fuller (The Big Red One), a pesar de los doce años que la separan de la ganadora obra maestra de Milos Forman, personalmente siento que Shock Corridor es una película mas sutil e inquietante.

En este clásico desvalorado Peter Breck nos regala una fenomenal actuación como Johnny Barreto, un reportero de un diario quien se interna en un asilo mental para exponer públicamente el tratamiento que se le da a los internos. Pero pronto se encuentra temiendo por su propia cordura cuando el mismo se encuentra siendo abusado. La situación no lo ayuda cuando comienza a tener inquietantes sueños sobre su novia desnudista (Constante Towers) a quien le esconde una ira secreta por exponerse ante otros hombres. Sin embargo Johnny también se gana la no deseada atención de media docena de atractivas y trastornadas mujeres quienes desean degradarlo y explotarlo sexualmente. Quien dijo que solo las mujeres son victimas? Desafortunadamente parte del sincronismo del audio es horroroso, especialmente en esta escena y como resultado, el potencial poder de esta secuencia disminuye de alguna manera.

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Paul Wegener
Título Original: Der Golem, wie er in die Welt kam
País: Alemania
Año: 1920
Género: Fantasía, Horror
Guión: Henrik Galeen, Gustav Meyrink, Paul Wegener
Director: Paul Wegener
Fotografía: Karl Freund
Producción: Paul Davidson
Duración: 85 minutos
Intérpretes: Paul Wegener (El Golem), Albert Steinrück (Rabino Loew), Lyda Salmonova (Miriam), Ernst Deutsch (Rabino Famulus), Hans Stürm (Rabino Jehuda), Max Kronert (Sirviente del Templo), Otto Gebühr (Emperador Luhois), Dore Paetzold, Lothar Müthel (Caballero Florian), Greta Schröder (Pequeña niña con rosa), Loni Nest (Pequeña niña)

El Golem: Como vino a este mundo (titulo original en alemán: Der Golem, wie er in die Welt kam, es una película muda de horror de 1920 de Paul Wegener. Fue dirigida por Carl Boese y Paul Wegener, escrita por Wegener y Henrik Galeen y protagonizada por Wegener como el Golem. La película fue la tercera de tres películas que Wegener realizo sobre el golem, las otras dos fueron El Golem (1915) y El Golem y la Bailarina (1917). Es una precuela de El Golem y hoy la mas ampliamente conocida de la serie.

El Golem es una película de gran poder, tan hipnótica como la visión del Expresionismo Alemán sobre la vida como un sueño despierto. La tenue luz y las sombras amenazantes fueron fotografiadas por Kart Freund, quien también tomo parte en dos obras maestras del Expresionismo Alemán: Metrópolis de Fritz Lang y La última risa de F. W. Murnau. Freund mas tarde emigró a los Estados Unidos y eventualmente se convirtió en el jefe de cámaras de la serie Yo Amo a Lucy.

Sin embargo, El Golem no es realmente una historia del Expresionismo Alemán: es más una combinación de mitología judía y un cuento de hadas. Wegener retrata los elementos sobrenaturales de la historia sin ironía ni explicaciones psicológicas, como si realmente estuviésemos en la Praga medieval, donde la gente podría haber creído que un amuleto y un encantamiento podría traer a la vida a una figura de arcilla.

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El Expresionismo Alemán (también llamado Expresionismo en el cine) se desarrolló en Alemania, especialmente en Berlín, durante la década de 1920. El Movimiento Expresionista comenzó más temprano, alrededor de 1905, con el grupo Die Brücke (El Puente), pero surgió en la industria cinematográfica después. Durante el periodo de recuperación seguido a la Primera Guerra Mundial, la industria cinematográfica alemana estaba en auge, pero debido a los difíciles tiempos económicos los cineastas encontraron muy difícil crear películas que pudieran compararse con las exuberantes, extravagantes películas realizadas en Hollywood. Los cineastas del estudio alemán UFA desarrollaron su propio estilo usando el simbolismo y mise-en-scène para agregarle un mas profundo sentido a una película.

Décadas de 1920 y 1930

Las primeras películas expresionistas, El Golem, El Gabinete del Dr. Caligari (1920), Destino (1921), Nosferatu (1922), Fantasma (1922), Schatten (1923), y La Ultima Risa (1924), eran unos retratos altamente simbólicos y deliberadamente surrealistas de historias filmadas.

Uno de los mejores actores expresionistas fue Fritz Kortner, quien actuaba en películas vienesas y berlinesas. El movimiento DADA estaba cambiando radicalmente al mundo artístico en los primeros años de la década de 1920, y varias culturas europeas de la época habían abrazado una ética de cambio, y un deseo de mirar hacia el futuro experimentando con ideas nuevas, osadas y con estilos artísticos.

La primera película expresionista fue hecha, a falta de presupuestos lujosos, usando escenarios diseñados con decorados geométricamente absurdos, y con diseños pintados en paredes y pisos para representar luces, sombras y objetos. Los guiones y las historias de las películas expresionistas a menudo trabajan con la locura, la demencia, traición, y otros tópicos “intelectuales” (oponiéndose a las películas estándar de romance, acción y aventura); el nombre alemán para este tipo de guiones es Kammerspielfilm (películas de cámara, en alusión a la música de cámara). Películas posteriores fueron catalogadas como parte de la breve historia del Expresionismo Alemán, incluyendo Metrópolis (1927) y M (1931), ambas dirigidas por Fritz Lang.

El radical no realismo del Expresionismo duro poco, y se apago (junto con el Dadaísmo) después de solo unos pocos años. Sin embargo, los temas del Expresionismo fueron integrados en películas posteriores a las décadas de 1920 y 1930, resultando en un control artístico sobre la ubicación y el escenario, luces, y sombras, para mejorar el estilo de una película. Esta oscura, caprichosa escuela de cineastas fue llevada a Norteamérica cuando los Nazis llegaron al poder y un numero de cineastas alemanes emigraron a Hollywood. Ellos encontraron muchos estudios dispuestos a recibirlos, y muchos directores y cameraman alemanes prosperaron ahí, produciendo un repertorio de películas de Hollywood que tuvieron un profundo efecto en el medio cinematográfico todo.

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Ciclo - Duelo de titanes: Samuel Fuller Vs. Nicholas Ray

Fueron muy distintos pero también complementarios. Fuller se formó en la calle, en el periodismo amarillo, en la pulp fiction, en la guerra. Ray fue a la universidad, estudió arquitectura con Frank Lloyd Wright, participó decisivamente en experiencias culturales muy influyentes (grupos teatrales obreros, un exitoso programa radial de música folklórica) y fue rechazado del ejército por problemas de salud. Los dos se iniciaron en el cine con películas de bajo presupuesto, pero Fuller entró por la puerta de atrás (como guionista de clase B y como director en la escuálida productora Lippert) mientras que Ray lo hizo como asistente de Elia Kazan y como director de la primera película independiente de Humphrey Bogart. Luego dirigió la película más famosa de James Dean (Rebelde sin causa), pero curiosamente Fuller ya había trabajado con el joven actor en su film bélico Bayonetas caladas.

Ambos cineastas desarrollaron sus carreras durante los últimos años del Hollywood clásico, por lo que pudieron hacer un cine personal en el marco de una industria que estaba en jaque por el avance de la TV. Se suele decir que las películas de ambos suponen una suerte de bisagra entre el clasicismo y la modernidad pero una forma más sencilla de explicarlo sería decir que fueron simultáneamente independientes y dependientes: lucharon –y muchas veces obtuvieron- una libertad creativa que Hollywood no hubiera podido ofrecerles una década antes, y al mismo tiempo dieron lo mejor de sí cuando trabajaron dentro de la estructura profesional de los grandes estudios. Con muy distintas estrategias dramáticas, los dos evitaron los lugares comunes en busca de una honestidad emocional que les costaba encontrar en el cine que tenían a su alrededor.

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Jacques Demy
Título Original: Les parapluies de Cherbourg
País: Francia
Año: 1964
Género: Drama, Romance, Musical
Guión: Jacques Demy
Director: Jacques Demy
Fotografía: Jean Rabier
Edición: Anne-Marie Cotret, Monique Teissere
Música: Michel Legrand
Producción: Mag Bodard
Duración: 91 minutos
Intérpretes: Catherine Deneuve (Geneviève Emery), Nino Castelnuovo (Guy Foucher), Anne Vernon (Madame Emery), Marc Michel (Roland Cassard), Ellen Farner (Madeleine), Mireille Perrey (Aunt Élise), Jean Champion (Aubin), Pierre Caden (Bernard), Jean-Pierre Dorat (Jean), Bernard Fradet (Aprendiz en Estación de Gas), Michel Benoist (Comprador de Paraguas), Philippe Dumat (Cliente de Garage), Dorothée Blank (Chica en el Cafe), Jane Carat (Ginny), Harald Wolff (Monsieur Dubourg).

Esta cándida y colorida historia de amor no es para cualquiera. De hecho, la mayoría de la gente que conozco prefiere correr y esconderse antes de ver una película donde cada una de las líneas es cantada. Pero si se le da a Los paraguas de Cherburgo una oportunidad podrían cambiar de parecer. He visto gente que realmente odia los musicales llorar antes que la película termine.

Por supuesto, la mejor cosa sobre la película no es su música, es Catherine Deneuve. Ella es tan joven, tan inocente, tan preciosa, es suficiente para romper tu corazón.

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Tony Richardson
Título Original: The Loneliness of the Long Distance Runner
País: Gran Bretaña
Año: 1962
Género: Drama
Guión: Basado en la novela homónima de Alan Sillitoe
Director: Tony Richardson
Duración: 104 minutos
Intérpretes: Michael Redgrave, Tom Courtenay, Avis Bunnage, Alec McCowen, John Thaw, James Bolam

La Soledad del Corredor de Fondo es una historia del escritor británico Alan Silitoe publicada en 1958, y contiene una colección de historias cortas publicadas bajo el mismo titulo. El personaje principal es un muchacho confinado a una prisión juvenil para jóvenes delincuentes, la que es llamada reformatorio. El busca el consuelo corriendo largas distancias.

Fue llevado al cine en 1962, con libreto de Silitoe y dirigido por Tony Richardson, uno de los nuevos jóvenes directores emergentes de los documentales, especialmente de una serie de cineastas de la década de 1950 conocidos como el Movimiento Free Cinema.

Cuenta la historia de un “joven rebelde (actuado por Tom Courtenay), sentenciado a un reformatorio de varones pro robar una panadería, quien sube de rango en la institución gracias a su destreza como corredor de larga distancia. Durante sus solitarias carreras, sueña despierto con su vida anterior al encarcelamiento llevándolo a re evaluar su estatus como el corredor mas estimado por el alcalde de la prisión (actuado por Michael Redgrave).

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Free Cinema fue un movimiento de películas documentales que emergió en Inglaterra en la década de 1950. Cofundado por Lindsay Anderson con Karen Reisz, Tony Richardson y Lorenza Mazzetti, el movimiento comenzó con un programa de sus cortos en el National Film Theatre en Londres el 5 de febrero de 1956. el programa tuvo tanto éxito que cinco programas mas aparecieron bajo el nombre de Free Cinema antes que los fundadores decidieran llamarlo de esa manera en 1959.

El primer programa de Free Cinema presentó solo tres películas: O Dreamland de Anderson, sobre un parque de diversiones en Margate en Kent, Momma Don´t Allow, de Reisz y Richardson, sobre un club de Jazz del norte de Londres, y Together de Mazzetti, una ficción estilo documental sobre un par de sordomudos en los bombardeos del East End de Londres. Las películas fueron acompañadas con un manifiesto provocativo, escrito principalmente por Anderson, el que ayudo a conseguir valiosa publicidad para los cineastas. Los programas posteriores atrajeron a otros cineastas con similares pensamientos, entre ellos Alain Tanner y Claude Goretta (con Nice Time), Michael Grigsby y Robert Vas. Los dos técnicos asociados cercanamente al movimiento eran Walter Lassally y John Fletcher. Tres de los seis programas fueron consagrados a trabajos extranjeros, incluyendo la emergente Nouvelle Vague francesa y el Nuevo Cine Polaco.

Las películas eran “libres” desde el punto de vista de que habían sido realizadas fuera de los confines de la industria filmográfica y fueron distinguidos por su estilo y actitud y por sus condiciones de producción. Todas las películas fueron hechas muy baratas, por no mas de un par de cientos de libras, muchas de ellas con becas del British Film Institute´s Experimental Film Fund, aunque algunas de las películas posteriores fueron patrocinadas por la Ford Motor Company o con fondos independientes.

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