Jean-Pierre Melville
Título Original: Le circle rouge
País: Francia
Año: 1970
Género: Film Noir
Guión: Jean-Pierre Melville
Director: Jean-Pierre Melville
Fotografía: Henri Decae (color)
Música: Eric de Marsan
Producción: Corona (París), Selena (Roma)
Duración: 140 minutos
Intérpretes: Alain Delon(Corey), Bourvil(Le Commissaire Mattei), Gian Maria Volontè(Vogel), Yves Montand(Jansen), Paul Crauchet(Le Receleur), Paul Amiot(Le chef de la police), Pierre Collet(Le Gardien de prison), André Ekyan( Rico), Jean-Pierre Posier(L'assistant de Mattei), François Périer( Santi), Yves Arcanel( Le juge d'instruction), René Berthier( Le directeur de la P.J.), Jean-Marc Boris( Le fils Santi), Jean Champion( Le garde-barrière), Yvan Chiffre( Un policier).

El director francés Jean-Pierre Melville era una criatura de hábito y convicción. Solo podía escribir de noche; siempre manejaba un auto norteamericano, nunca abandonaba su casa sin su Stetson y sus gafas de sol Rayban; y creía que era posible dirigir sustantivas cuestiones dentro de las películas de crimen. Mientras que algunas de sus trece películas son adaptaciones de novelas clásicas francesas, como la delirante y alterada versión de la novela de Jean Cocteau, Les Enfants Terribles (1950), la mayoría de su otro trabajo yace en el genero que los franceses llamaban policier, en la cual los criminales y los policías competían por la supremacía.

Al mismo tiempo, Melville tenía poco interés en la clase de pirotécnica que los norteamericanos a veces adoptaban cuando trabajaban en este estilo. Por ejemplo, tomen la película de Michael Mann, Heat (1995), un notable ejemplo de la influencia francesa en una película domestica y una exitosa pieza de trabajo por derecho propio. El severo rostro que el jefe de los ladrones, Robert DeNiro, adopta se parece a la inconmovible postura de un numero de protagonistas de Melvilla, y la memorable confrontación entre este personaje y el del policía de Al Pacino, tiene una analogía directa en la filmografía francesa.

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Alain Resnais
Título Original: Hiroshima mon amour
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama, Romance
Guión: Marguerite Duras
Director: Alain Resnais
Fotografía: Sacha Vierny (Francia), Takahashi Michio (Japón) (BN)
Música: Georges Delerue, Giovanni Fusco
Montaje: Henri Colpi
Coproducción: Argos Film, Como Films, Daiei, Pathé Overseas
Duración: 91 minutos
Intérpretes: Emmanuelle Riva (la mujer), Eiji Okada (el hombre), Bernard Fresson (el alemán), Stella Dassas y Pierre Barbaud (los padres).

Esta es una excepcional película, que marca el debut como director de Alain Resnais, después de una década de producir documentales cortos. Efectivamente, Hiroshima mon amour comenzó como un documental sobre la reconstrucción de Hiroshima, y los primeros quince minutos de la película usa partes del material del documental para lograr un gran efecto para señalar la escena.

Como muchas de sus subsecuentes películas, Resnais usa su único acercamiento de entretejer las memorias y los eventos actuales para crear una ilusión de un tiempo fantasmal eterno. Las frases son repetidas una y otra vez, la cámara panea letárgicamente sobre el escenario mustio, y el dialogo es reproducido sobre el material documental de la reconstrucción de Hiroshima. Genera un efecto de profunda impresión de pesadumbre y tormento auto infligido, perfectamente capturado por la actuación cargada de emoción de Emmanuelle.

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Otar Iosselani
Título Original: Iko shashvi mgalobeli
País: Unión Soviética
Año: 1971 (lanzada comercialmente en 1975, tras una prohibición de 4 años)
Guión: Dimitri Eristavi, Otar Iosselani
Director: Otar Iosselani
Fotografía: Abesalom Maïsouradze (BN)
Música: Taímuraz Bakouradze
Producción: Grouzia Films
Duración: 82 minutos
Intérpretes: Gela Kandelaki (Gia Agladze), Gogi Chkheidze, Jansug Kakhidze, Irine Jandieri, Elene Landia, I. Mdivani, Marina Kartsivadze, Nugzar Erkomaishvili, Irakli Qoqrashvili (I. Qoqrashvili), N. Andjaparidze, Dea Ivanidze, Tamari Ishkhneli, T. Gedevanishvili, R. Baramidze, Robert Sturua, los habitantes de Tbilissi.

Esta película no cuenta nada, aunque dice mucho sobre la vida cotidiana de una gran ciudad de la Unión Soviética, Tbilissi. Muestra sus exiguos apartamentos comunitarios, sus edificios oficiales demasiado grandes, sus cafés atiborrados, sus negocios pintorescos. Este film de encanto difuso, que describe puntillosamente un pueblo generoso, es completamente atípico: evoca la obra de un Pagnol poco locuaz o de un Fellini modesto; reenvía al Milos Forman que desconoce la amargura en Los amores de una rubia (1965); es una versión menos graciosa, pero más espontánea, de Jacques Tati. La película es tan atípica como su autor, Otra Iosseliani (nacido en 1934), que vacilo entre la dirección orquestal, las matemáticas y la mecánica antes de entregarse al cine. Leámoslo: “… cuando termino una película, sigo viviendo, me ocupo de mi familia, de mis asuntos, bebo, canto. Y cuando advierto que ya no queda comida en casa, entonces vuelvo al cine”.

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Ingmar Bergman
Título Original: Viskningar och rop
País: Suecia
Año: 1973
Género: Drama
Guión: Ingmar Bergman
Director: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist (color)
Música: Chopin (Mazurka), y J. S. Bach (Sarabande)
Producción: Ingmar Bergman, Svenska Film
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Harriet Andersson (Agnes), Ingrid Thulin (Karin), Liv Ullmann (Maria), Kari Sylwan (Anna), Erland Josephson (el médico), Anders Ek (el pastor).

Ingmar Bergman es un director con un trabajo consistente tanto visual como temático con el objetivo de explorar la naturaleza de la condición humana. La mayoría de sus películas se ocupan de temas deprimentes como el sufrimiento, la soledad, la esterilidad y la angustia del alma. Sin embargo, pese a tales desalentadores temas, y gracias a la cercana colaboración de aclamado cinematógrafo Sven Nykvist, las películas de Bergman capturan imágenes dramáticas de una inmensa belleza. La película de Bergman Gritos y Susurros es por excelencia una de las mejores obras del director. Es una película visualmente impresionante profundamente afectada con el dolor tanto físico como emocional de los protagonistas. Aun más, Gritos y Susurros es una película altamente elogiada y admirada, la cual probablemente sea una de los trabajos cinematográficos más dotados en la carrera multifacética de Bergman.

Gritos y Susurros se sitúa en una vieja casa solariega inglesa y gira alrededor de cuatro mujeres, Agnes (Harriet Andersson), Maria (Liv Ullman), Karin (Ingrid Thulin) y Anna (Kari Sylwan). Agnes, la dueña de la casa, es una mujer joven, virginal enferma terminal de cáncer de útero. Las hermanas de Agnes, Maria y Karin, están infelizmente casadas y han viajado a la casa para ayudar en el cuidado de su moribunda hermana. Anna es la criada fiel y confiable de Agnes, quien hace hasta lo imposible para hacerla sentir confortable. La película muestra los últimos dos días en la vida de Agnes en una terrible agonía, su muerte, y en cierto sentido, hasta su resurrección y legado. Gritos y Susurros ofrece un vistazo en la vida de estos personajes, los terribles efectos del dolor físico y emocional que las aflige y las diferentes maneras que tienen de sobrellevar su sufrimiento.

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La película que consagró para la posteridad a Humprey Bogart y a Ingrid Bergman cumple 65 años. Si bien en un principio fue interpretado como un film eminentemente político pasó a la historia como la mejor historia de amor en celuloide.

El Instituto Americano del Cine (AFI, por sus siglas en inglés) ubicó a Casablanca en el primer puesto de un ranking que pretende calificar a las mayores historias de amor de la industria cinematográfica. La película dirigida por Michael Curtiz quedó por encima de Love Story y Algo para recordar.

Sin embargo, tal como indica su nombre, Casablanca, pretende evocar en primer lugar, las consecuencias de la persecución en la Alemania nazi en el resto Europa y en el norte de África.

En la ciudad marroquí que da nombre a la película, y que entonces dependía del protectorado que Francia ejercía en la nación africana, los refugiados de toda Europa esperaban, en una suerte de limbo, un permiso para volar a Portugal y de allí a la tierra prometida: Estados Unidos.

El protagonista americano, Rick, un ex combatiente de la Guerra Civil española convertido en un dueño de club nocturno interpretado por Humphrey Bogart, pasa de una actitud indiferente a implicarse en el conflicto y a ayudar la causa aliada.

La intervención de Rick permite que triunfe una operación de la resistencia y la historia es una metáfora de lo que Estados Unidos podía lograr si abandonaba el aislacionismo.

El proyecto de Casablanca se empezó a gestar el 8 de diciembre de 1941 -al día siguiente del ataque japonés contra Pearl Harbor y el mismo día en que Washington decidió inmiscuirse en el conflicto bélico más sangriento del siglo XX.

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Federico Fellini
Título Original: Amarcord
País: Italia
Año: 1973
Género: Comedia
Guión: Federico Fellini, Tonino Guerra
Director: Federico Fellini
Fotografía: Giuseppe Rotunno (Color)
Música: Nino Rota
Producción: E. C. Produzioni (Roma), P.E.C.F. (París)
Duración: 127 minutos
Intérpretes: Bruno Zanin (Titta), Pupella Maggio (su madre), Armando Brescia (su padre), Ciccio Ingrassia (el tío loco), Magalie Noël ("La Gradisca"), Josiane Tanzilli, Alvaro Vitali, Nando Orfei ("Il pataca"), Luigi Rossi.

Esta película es un diario de vida. Lleno con imágenes indelebles: el Pavo Real en el medio de la nieve, la asombrosa visión del trasatlántico, y el ciego llorando: “Como es, como es?”, la bella gente, las grotescas. Como la vida misma, la película puede ser perpleja y enigmática, a veces mágica, a veces, en el ojo de la tormenta política e histórica, espantoso como “la gente común solo tratando de vivir es atrapada en los tiempo en los que eran solo ellos creando”. No creo que ninguna película que haya visto haya capturado completamente con tanta profunda perspicacia y simplicidad la experiencia de perder un padre: la visita del padre e hijo en el hospital en la que la madre se da cuenta del asombroso final que se aproxima, y el hijo es felizmente ignorante de ello en su adolescente “inmortalidad”, y el total sentimiento de quietud y vacío mientras el padre se sienta a la mesa, antes llena de alegría, ruidos de la vida, ahora mas vacía de lo que nunca había estado, toda esta secuencia llega como una poderosa conclusión a una increíble película. Con un final a lo 8 ½, Fellini abraza a la audiencia, diciéndoles que no se preocupen, las memorias continúan, la vida continua, cambia, se altera talvez para siempre, pero sigue adelante, bella, enigmática y mágicamente.

Tod Browning
Título Original: Freaks
País: Estados Unidos
Año: 1932
Género:
Guión: Willis Goldbeck, Leon Gordon, basada en la novela de Spurs de C. A. "Tod" Robbins.
Director: Tod Browning
Fotografía: M. B. Gerstad (BN)
Producción: MGM (Irving Thalberg)
Duración: (reducida) 64 minutos
Intérpretes: Harry Earles (Hans), Daisy Earles (Frieda), Wallace Ford (Phroso), Olga Baclanova (Cleopatra), Rose Dione (Madame Tetrallini), e interpretándose a si mismos, las hermanas Hilton, Johhny Eck, Peter Robinson, Prince Randian, Schlitze, Olga Roderick, etc.

Parte retrato de un grupo de actores de circo y parte una novela tragica sobre sus varias y complicadas relaciones, la historia principal tiene a un enano, Hans (Harry Earles), que se enamora de la trapecista, Cleopatra (Olga Baclanova), quien finge sentir algo por el, al principio para burlarse de el y luego para usarlo.

Freaks no es realmente una película de horror, aunque el horror que comenzó en 1931 precipito la entera producción de Freaks. El guión se basa en otro guión llamado “Spurs” que había estado en posesión de MGM desde los años 20. El suceso de las películas de terror de la Universal en el año 1931 (Drácula y Frankenstein) dejo a los estudios peleándose por el botín de dinero de esta moda. Las películas de terror no eran nuevas, por supuesto, pero el repetido éxito comercial de las películas de horror estrenadas en una rápida sucesión si lo era. Un número de factores contribuyeron a este fenómeno, incluyendo la Gran Depresión, el prolongado impacto cultural de la Primera Guerra Mundial, y el advenimiento de las películas sonoras. Y aunque Freaks no fuera exactamente una película de terror, y los protagonistas no fueran exactamente monstruos, estaban lo suficientemente cerca de serlo. En los primeros años de la década del 30, el público no había sido sobreexpuesto a los medios sensacionalistas que mostraban las diferencias de apariencia y comportamiento. El efecto de esta película entonces, en conjunción con las memorias de los horrores de la vida real, incluyendo aquellos veteranos destrozados por la guerra, ofreció la reacción emocional que los productores y el estudio usualmente buscaban en las películas de terror.

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