Jean Cocteau
Título Original: La Belle et la Bête
País: Francia
Año: 1946
Género: Romance, Drama
Guión: Jean Cocteau, a partir de un cuento de Mme. Leprince de Beaumont.
Director: Jean Cocteau
Diálogos: Jean Cocteau
Dirección Artística: Christian Bérard
Fotografía: Henri Alekan (BN)
Música: Georges Auric
Producción: André Paulvé
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Jean Marais (la Bestia, Avenant, el Príncipe), Josette Day (la Bella), Marcel André (su padre), Mila Parély, Nane Germon (las hermanas), Michel Auclair (Ludovic).

La Bella y la Bestia no necesita los efectos especiales digitales de hoy; todavía funciona perfectamente con sus maravillas de baja tecnología pero profundamente resonantes. Cocteau crea simples pero magníficos e inolvidables cuadros, desde un corredor con brazos sin cuerpo sujetando candelabros que explotan en llamas mientras pasas, a las lagrimas que ella derrama mientras llora sobre el destino de la Bestia para luego convertirse en diamantes, a la ascensión final de la Bella y el Príncipe Ardent. Que pude superar el poder de ensueño de la Bella deslizándose en cámara lenta, a través del castillo encantado, o la sombra desproporcionadamente grande de su padre empujando las puertas del castillo. Esta la magia indefinible de la escena en la casa solariega con grandes sabanas blancas secándose al sol, creando siluetas de un poder llamativo. (El equipo se paso semanas buscando por todos lados por sabanas sin parches, un lujo insólito para la Francia de posguerra).

Cocteau sabia que para que su película resonara por completo necesitaba alejarse de su fantasía poética, así que la salpica con varios momentos hilarantes. Tomen la escena donde las dos hermanas malvadas de la Bella, las que proveen muchos de los momentos cómicos de la película, están oliendo cebolla para que puedan pretender que están llorando desesperadamente por el regreso de la Bella con la Bestia (todo el tiempo complotando su venganza). Otro de los momentos cómicos es cuando las hermanas buscan en el espejo mágico y una se ve como una vieja bruja marchita, mientras que la otra se ve como un mono.

Read more »

Robert Bresson
Título Original: Les dames du Bois de Boulogne
País: Francia
Año: 1945
Género: Drama
Guión: Robert Bresson, a partir de un pasaje de Santiago el Fatalista de Diderot.
Director: Robert Bresson
Diálogos: Jean Cocteau
Fotografía: Philippe Agostini (BN)
Música: Jean-Jacques Grunenwald
Producción: Raoul Ploquin
Duración: 84 minutos.
Intérpretes: María Casares (Hélène), Paul Bernard (Jean), Élina Labourdette (Agnès), Lucienne Bogaert (Mme. D.), Jean Marchat (Jacques), Giles Quéant.

Esta única historia de amor, basada en una novela de Denis Diderot, con diálogos escritos por Jean Cocteau, sigue las maniobras de una dama de sociedad mientras conspira para iniciar una aventura amorosa escandalosa entre su ex amante aristocrático y una prostituta. Con su segunda película, el director Robert Bresson ya había forjado su técnica de rodaje brillantemente singular mientras creaba un estudio sobre el poder de la venganza y la fuerza del verdadero amor.

Read more »

Frank Capra
Título Original: It happened one night
País: Estados Unidos
Año: 1934
Género: Romance
Guión: Robert Riskin, a partir de la novela de Samuel Hopkins Adams, Night Bus
Director: Frank Capra
Fotografía: Joseph Walker (BN)
Música: Louis Silvers
Producción: Columbia (Harry Cohn)
Duración: 105 minutos
Intérpretes: Clark Gable (Peter Warne), Claudette Colbert (Ellie Andrews), Walter Connolly (Alexander Andrews), Roscoe Karns (Oscar Shapeley), Jameson Thomas (King Westley), Alan Hale (Danker), Arthur Hoyt (Zeke), Blanche Friderici (esposa de Zeke), Charles C. Wilson (Joe Gordon).

El abuelo del subgénero de las comedias de enredos, y podría decirse que la mejor película de Frank Capra, Sucedió una noche creó el modelo para muchas características de las comedias de Hollywood. La historia trascendental de la película comienza cuando Elly Andrews (Claudette Colbert), hija del patriarca millonario Alexander Andrews (Walter Conolly), tan obstinada como su padre, comienza una huelga de hambre después de haber sido raptada por su padre durante su intento de fugar con su amante, el aviador y playboy King Westley (Jameson Thomas). Elly y King ya están casados cuando la gente de Andrew la atrapan, pero su padre esta planeando anular el matrimonio porque considera que el novio es un idiota. La comedia continúa con enredos de todo tipo, generando una serie de malos entendidos y situaciones risueñas que deleitaron al público.

Sucedió una noche revolucionó la comedia romántica y la ropa interior de los hombres. Estados Unidos fue cautivado por su luchadora heroína y la película liquidó las ventas de camisetas de hombres cuando Gable se quito la suya para revelar su aparentemente desnudo pecho. Esta llena de escenas clásicas que han sido imitadas en subsecuentes películas y programas de televisión. Probablemente la escena más famosa en la película es en la que, en su viaje, Elly y Peter son forzados a compartir un cuarto de motel y Peter, ingeniosamente, cuelga una manta en alguna especie de soga para proveerle a Elly la privacidad y respeto que demanda. La escena con las reacciones de Peter y Elly en los lados separados del cuarto son brillantes evocaciones de lo que yace detrás de lo que muestran hombres y mujeres en otras situaciones románticas. La película en blanco y negro en esta escena es particularmente estupenda, ya que Capra usa muy pocas luces que rebotan en sus ojos y en le crea una aureola alrededor del pelo. Casi tan famosa es la escena donde hacen dedo en la ruta, en la que el macho Gable se lleva su merecido por parte de la refinada Elly. Rebajados a caminar por las carreteras en busca de alguien que los lleve, Peter le da a Elly una clase magistral en el arte de hacer dedo solo para ser pasado por una procesión de autos escalonados con brillante coordinación cómica por Capra. Elly entonces prueba, “y no usaré mi dedo”. Elly se levanta su pollera, parando al primer auto que pasa con solo mostrar sus hermosas piernas, dejando a Peter sin palabras. En un sentido, la película esta adelantada a su época en cuanto a su género. Elly se opone al control patriarcal sobre su vida. Pero mientras la historia se desarrolla, se vuelve claro que Elly no puede seguir sus audaces palabras y gestos. Ella tiene espíritu, pero lo necesita a Peter para que la cuide en “el mundo real”. Ella estaría dispuesta a desaparecer con nada mas que su ropa puesta (y sus caras joyas) pero es increíblemente ingenua con respecto al dinero y no puede arreglárselas por si misma. Sin Peter para protegerla, se siente aterrorizada, y a menudo vuelve encogiéndose de hombros a sus brazos por protección, minutos después de declarar su auto suficiencia.

Read more »

Jacques Tati
Título Original: Les vacances de monsieur Hulot
País: Francia
Año: 1953
Género: Comedia
Guión: Jacques Tati, Jacques Lagrange, Henri Marquet
Director: Jacques Tati
Fotografía: Jacques Mercanton, Jean Mousselle (BN)
Música: Alain Romans
Producción: Cady Films-Discina, Éclair-Journal
Duración: 96 minutos
Intérpretes: Jacques Tati (M. Hulot), Nathalie Pascaud (Martine), Michèle Rolla (Tía), Valentine Camax (Mujer inglesa), Louis Perrault (Fred), André Dubois (Comandante), Lucien Fregis (Propietario hotel), Raymond Carl (Camarero).

El incompetente alter ego de Jacques Tati, Monsieur Hulot causa un sin fin de situaciones caóticas en un resort idílico poblado de simpáticos excéntricos, en la costa Francesa, en la primera de cuatro películas sobre el señor Hulot.

Monsieur Hulot llega a este pintoresco resort en Britania, y como era de esperar, inmediatamente se generan una serie de catastróficos eventos. Zarpando hacia el mar en un kayak desesperadamente pequeño, su bote se da vuelta, tomando la forma de la aleta de un tiburón generando pánico en todos los bañistas. Inadvertidamente se equivoca y se mete en medio de un funeral, la goma de su auto se transforma en jirones, mientras mas tarde, el hotel completo es interrumpido por un juego de ping pong. Tratando de impresionar a una turista rubia muy hermosa (Pascaud), una vasija Ming invaluable se viene abajo, accidentalmente Hulot enciende unos fuegos artificiales con su siempre presente pipa, para generar un clima explosivo.

Read more »

Bernardo BertoluccI
Título Original: Prima della rivoluzione
País: Italia
Año: 1964
Guión: Bernardo Bertolucci
Director: Bernardo Bertolucci
Fotografía: Aldo Scavarda (BN)
Música: Gino Paoli, Ennio Moricone y fragmentos de Macbeth de Giuseppe Verdi
Producción: Iride Cinematografica (Milán)
Duración: 115 minutos
Intérpretes: Adriana Asti (Gina), Francesco Barilli (Fabrizio), Allen Midgette (Agostino), M. Morandini (Cesare), Christina Parisett (Clelia), C. Barilli (Puck).

Después de un debut controvertido con su película “Pasolinesca” “La Comare secca” en 1962, Bernardo Bertolucci hizo “Antes de la Revolución”, su primer real logro como director. La película, significativamente autobiográfica, cuenta la historia del enfrentamiento entre la pasión y la ideología. Fabrizio, el protagonista de 20 años, es el hijo de una familia adinerada de Parma, pero rehúsa su confortable entorno de clase media en el que creció y comienza a militar políticamente, uniéndose al Partido Comunista Italiano. En su nueva adoptada vida, no hay lugar para Clelia, la novia que su familia le eligió, así que la abandona. El suicidio de su amigo, Agostino, arroja a Fabrizio en una crisis existencial e ideológica aun mayor; solo Gina, una joven tía de Milán que viaja a Parma buscando tratamiento para sus crisis nerviosas, entiende la mente problemática de Fabrizio. A pesar de sus profundas diferencias de temperamento e ideas sobre la vida, los dos se enamoran, pero su relación termina abruptamente cuando Gina regresa a Milán. Abandonado, Fabrizio trata en vano de resolver sus conflictos internos con la ayuda de Cesare, su maestro de la primera y su mentor ideológico. Cuando Fabrizio se da cuenta que no puede escapar de su destino de clase media, se declara definitivamente vencido y regresa resignado a su verdadero hábitat social, casándose con Clelia y abandonando sus actividades políticas.

Read more »

Fernand Léger
Título Original: Ballet Mecanique
País: Francia
Año: 1924
Guión: Fernand Léger
Director: Fernand Léger, Dudley Murphy
Fotografía: Dudley Murphy, Man Ray
Música: George Antheil
Duración: 24 minutos.
Intérpretes: Fernand Léger, Dudley Murphy, Katherine Murphy, Katrin Murphy (chica con una flor).

Ballet Mécanique fue un proyecto del compositor norteamericano George Antheil y el cineasta y artista Fernand Léger. Aunque la película fue prevista para usar la música de Antheil como banda sonora, las dos partes no se unieron hasta los noventas. Como una composición, Ballet Mécanique es el trabajo más conocido y perdurable de Antheil. Se mantiene famoso por su estilo e instrumentación radical así como por su argumento.

El “ballet” no es un show de personas bailando sino de instrumentos mecánicos. Entre ellos, pianos, hélices de aviones, y campanas eléctricas que se mantienen claramente en el escenario, moviéndose como se mueven las maquinas, y proveyendo el lado visual del ballet. Como la instrumentación bizarra puede sugerir, esta no fue una pieza ordinaria de música. Era fuerte y con mucho ritmo, una mezcla de ruidos, como los Futuristas Italianos visionaban que seria la nueva música del Siglo XX. Para explorar este fascinante artefacto de la música moderna como lo era Ballet Mécanique, es mejor tratar de entender su historia y también sus cualidades musicales.

Ballet Mécanique fue originalmente escrita para acompañar una película dadaísta del mismo nombre, dirigida por Dudley Murphy y Fernand Léger con fotografía de Man Ray. El mismo Antheil no era un dadaísta, aunque tenía muchos amigos y partidarios en esa comunidad. Desafortunadamente la partitura terminó teniendo 30 minutos de largo mientras que la película solo era de 16 minutos de duración. La película fue estrenada el 24 de Septiembre de 1924 en Viena y presentada por Frederick Kiesler, mas tarde un famoso arquitecto. Mientras tanto, la música de Antheil para Ballet Mécanique se transformo en una pieza de concierto, estrenada por el mismo Anthiel en París en 1926.

Read more »

Milos Forman
Título Original: Horí, má panenko
País: Checoslovaquia
Año: 1967
Género: Comedia
Guión: Milos Forman, Ivan Passer, Jaroslav Papousek
Director: Milos Forman
Fotografía: Miroslav Ondricek
Música: Karel Mares
Coproducción: Checoslovaquia, Italia.
Duración: 74 minutos.
Intérpretes: Jan Vostrcil (Jefe del Comité), Josef Sebanek (Miembro del Comité #2), Josef Valnoha (Miembro del Comité), Frantisek Debelka (Miembro del Comité #1), Josef Kolb (Josef), Jan Stöckl (Jefe de Bomberos retirado), Vratislav Cermák (Miembro del Comité), Josef Rehorek (Miembro del Comité #4), Václav Novotný (Miembro del Comité), Frantisek Reinstein (Miembro del Comité), Frantisek Paska (Miembro del Comité), Stanislav Holubec (Karel), Josef Kutálek (Ludva), Frantisek Svet (hombre viejo), Ladislav Adam (Miembro del Comité).

Milos Forman puede ser no tan fácilmente reconocido como alguno de sus contemporáneos europeos, pero no se puede decir lo mismo de su trabajo. Su producción de 1975 para Hollywood, Atrapado sin salida (One Flew Over The Cuckoo´s Nest), barrio con los premios de la Academia con 5 trofeos, incluyendo el de Mejor Director para Forman y el de Mejor Actor para Jack Nicholson. Lujosas producciones siguieron en su carrera con Hair y Ragtime. Amadeus de 1984 se llevó 8 Oscars, incluyendo la de Mejor Director y Película, Larry Flint aseguró la tercera nominación de Forman para el rubro Mejor Director. Nacido en Checoslovaquia, fue criado en orfanatos después que sus padres fueron ejecutados en Auschwitz. Estudió en la Escuela de Cine de Praga, cuyos alumnos incluían a Jiri Menzel, Jan Nemec e Ivan Passer, un frecuente colaborador en sus películas. Se volvió una fuerza dominante en la Nueva Ola checoslovaca cuando fue nominado para el Oscar a la Mejor Película Extranjera por su película de 1965, Amores de una Rubia (Lásky jedné plavovlásky). Lanzada en el clima político tenso de la Primavera de Praga del año 1967, su sucesor, El Baile de los Bomberos, se transformo en un momento decisivo de su carrera.

Read more »

Milos Forman
Título Original: Konkurs / Kdyby ty muziky nebyly
País: Checoslovaquia
Año: 1963
Género: Documental
Guión: Milos Forman, Ivan Passer
Director: Milos Forman
Producción: Filmové Studio Barrandov
Duración: 77 minutos
Intérpretes: Vaclav Blumenfeld (Vasek), Hana Hegerová, Ladislav Jakim, Vera Kresadlová (ella misma), Marketa Krotka, Zdena Lorencová, Yvonne Prenosilova, Vladimír Pucholt (Vlada), Jirí Slitr (ella misma), Jirí Suchý (ella misma), Jan Vostrcil, Frantisek Zeman.

Primera película de Milos Forman, compuesta por dos mediometrajes semidocumentales unidos por la exploración de la música popular y los avatares de la juventud checa en un contexto de cambio social. En el primero de los mediometrajes, Si esas canciones no existieran, Forman sigue las peripecias de dos bandas amateurs de música popular tradicional que ensayan su participación en una conmemoración oficial, y los problemas de adaptación de los miembros jóvenes en formaciones dominadas por músicos de edad avanzada. En el segundo, Concurso, el marco de una audición de un músico de éxito en busca de cantantes para un espectáculo en el teatro Semafor sirve para trazar el retrato de los sueños y desilusiones adolescentes a través de la historias cruzadas de dos de las jóvenes aspirantes, una cantante de un grupo de rock, y una obrera de una fábrica. Por motivos diferentes ambas verán sus ambiciones truncadas.

Emir Kusturica
Título Original: Underground
País: Yugoslavia, Francia, Alemania, Hungría
Año: 1995
Género: Drama
Guión: Dusan Kovacevic y Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac
Música: Goran Bregovic
Producción: Pierre Spengler
Duración: 167 minutos
Intérpretes: Miki Manojlovic (Marko), Lazar Ristovski (Crni o Blaky), Mirjana Jokovic (Natalija), Slavko Stimac (Ivan), Ernst Stotzner (Franz), Srdan Todorovic (Jovan), Mirjan Karanovic (Vera), Milena Pavlovic (Jelena).

No hay necesidad de una adaptación para cine de la novela de Gabriel García Márquez Cien años de soledad. Ya se ha hecho. La tragicomedia de Emir Kusturica Underground puede ser la película mas importante de los últimos 25 años, este opresivo, moralmente inquisidor trabajo de ficción narrativa política que lamenta nuestra propensión a la auto destrucción. En una época donde el supuesto serio periodismo falla en mostrar los horrores del mundo, las películas como Underground existen para remendar esa situación. “Había una vez un país…”. Así comienza Kusturica una parábola de auto aniquilación, una metáfora delirante, emocionalmente desgarradora y desvastadamente graciosa de la crónica de una muerte anunciada.

Poseída por el ritmo cultural de su país, Kusturica estructura la primera parte de Underground como una fiesta apocalíptica. Desde el comienzo, la película es un testamento a la perseverancia humana. Blacky (Lazar Ristovski) y Marko (Miki Manojlovic) regresan a sus hogares al borde de la invasión alemana a Yugoslavia. Marko le hace el amor tranquilamente a una prostituta local, mientras que las bombas caen cerca. Un egocéntrico Blacky come su comida a pesar de los gritos de su embarazada mujer. “Cómo puedes tu, con todas estas bombas?” le suplica. Aparece un elefante con un zapato en la trompa. Tick Tock Tick Tock. Es el sonido del cronometro del perpetuo balanceo del hombre. Esta ahí para hacernos recordar: es solo una cuestión de tiempo.

Read more »

Emir Kusturica
Título Original: Dom za vešanje
País: Yugoslavia
Año: 1989
Género: Drama
Guión: Emir Kusturica
Director: Emir Kusturica
Fotografía: Vilko Filac (color)
Música: Goran Bregovic
Producción: Forum, Televisión de Sarajevo
Duración: 135 minutos
Intérpretes: Davor Dujmovic (Perhan), Bora Todorovic (Ahmed), Ljubica Adzovic (Khaditza, la Abuela), Husnija Hasimovic (Merdzan, el Tío), Sinolicka Trpkova (Azra, la Novia), Zabit Memedov (Zabit, el Vecino), Elvira Sali (Danira, la Hermana), Suada Karisik (Dzamila), Predrag Lakovic, Mirsad Zulic, Ajnur Redzepi (el hijo de Perhan), Sedrije Halim (Ruza, la madre de Azra), Saban Rojan, Branko Djuric, Edin Rizvanovic.

Tiempo de Gitanos, de Emir Kusturica, es una película curiosa y visualmente hipnótica: una vislumbre lírica en una cultura oscura y exótica, una tragedia de la inocencia perdida, una preafirmación de amor y familia. En el centro de la historia esta un joven llamado Perhan (David Dujmovic) quien vive en un ghetto gitano con su abuela (Ljubica Adzovic), su tío (Husnija Hasimovic), y su hermana invalida Danira (Elvira Sali). Sus principales ingresos giran alrededor de las habilidades de sanación de la abuela y de la ocasional venta de piedra caliza a los habitantes del lugar. Perhan también tiene un poder divino, telequinesia, un talento que ha probado tener una pequeña aplicación en su austera vida. Su única fuente de consuelo es su amada Azra (Sinolicka Trpkova), pero sus repetidas propuestas de matrimonio son invariablemente rechazadas por la madre de ella, quien cree que la propiedad de Perhan lo hace un marido no adecuado. Un día, su abuela salva la vida de un pequeño niño, el hijo de un carismático criminal llamado Ahmed (Bora Todorovic). En gratitud, Ahmed acepta llevar a Danira a un hospital en Ljubljana durante uno de sus “viajes de negocios” a Italia con sus hermanos, y para pagar todos los gastos médicos de la niña. Perhan decide acompañar a su hermana Danira al hospital, dejando a su abuela y a Azra detrás. En el camino, indicios de las actividades delictivas de Ahmed comienzan a asomarse, como niños y jóvenes vendidos en servidumbre por sus familias (o a veces, hasta raptados), que se arrastran en la camioneta para unírseles en el viaje. Incapaz de quedarse con Danira en el hospital, Perhan es forzado a dejarla atrás y viajar junto con Ahmed a Italia. Contrabandeado junto a la “familia” de Ahmed, Perhan es seducido por la vida criminal.

Read more »