…Y el mundo marcha

...Y el mundo marchaKing Vidor
Título Original:
The Crowd
País: Estados Unidos
Año: 1928
Género: Drama
Guión: King Vidor, John V. A. Weaver, Harry Behn
Director: King Vidor
Fotografía: Henry Sharp (BN)
Producción: MGM (Irving Thalberg)
Duración: 95 minutos
Intérpretes: James Murray (John Sims), Eleanor Boardman (Mary), Bert Roach (Bert), Estelle Clark, Daniel G. Tomlinson, Dell Henderson, Lucy Beaumont ,Freddie Burke Frederick, Alice Mildred Puter

 Un 4 de Julio, Día de la Independencia, nace John Sims y su padre, orgulloso, asegura que el mundo sabrá quien es John Sims, un gran hombre. Durante su niñez la vida le da el primer golpe, la muerte de su padre.

Cuando termina sus estudios viaja a Nueva York, donde cree que podrá triunfar y destacarse por encima del resto. John Sims , un hombre orgulloso que se ríe de los que él considera fracasados, solo encuentra trabajo de contable en una gran empresa, siendo un tornillo más del engranaje social neoyorquino.

Un compañero de trabajo le presenta a Mary y rápidamente los dos se enamoran y no tardan en casarse. Viven muy humildemente, pero el amor los escuda de cuanto problema se les presenta.

El tiempo pasa, y a John le empieza a afectar tanto su imposibilidad para destacar como la presión de la familia de Mary, por lo que se muestra cada vez más desapacible con ella. Pero Mary queda embarazada, lo que provoca que la pareja se una nuevamente.

Pasan los años y tienen dos hijos, un varón y una niña. John vive enfrascado en la rutina, viendo como compañeros suyos ascienden más rápido que él. Su incapacidad para destacar lo entristece, pero gana un premio con un eslogan publicitario y por fin las cosas empiezan a ir bien, cuando lo están celebrando hay un accidente y su hija pequeña muere atropellada, acabando con toda la alegría.

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Un perro andaluz

Un perro andaluzLuis Buñuel
Título Original: Un chien andalou
País: España
Año: 1929
Género: Surrealismo
Guión: Luis Buñuel, Salvador Dalí
Fotografía: Albert Duverger (BN)
Decorados: Pierre Schilzneck
Música: (en la versión sonorizada de 1960): Preludio de la muerte de Tristán e Isolda, de Richard Wagner y tango argentino.
Producción:
Luis Buñuel
Duración: 17 minutos (430 metros)
Interpretes: Simone Mareuil (la mujer), Pierre Batcheff (el hombre), Luis Buñuel (el hombre de la navaja), Jaume Miravitlles y Salvador Dalí (maristas).

La película inicia con un prólogo introducido por el característico Érase una vez… Un hombre (Luis Buñuel) afila su navaja de afeitar junto a un balcón y, tras observar cómo una delgada nube se dispone a atravesar el globo lunar, secciona el ojo de una mujer (Simone Mareuil) con la navaja de barbero.

Ocho años después. Un ciclista (Pierre Batcheff) pedalea a lo largo de una calle desierta, con su cabeza, caderas y espaldas cubiertas por manteletes blancos. Mediante un montaje alterno se ve a la joven del prólogo leyendo un libro en una habitación y como si hubiese «percibido» la presencia del ciclista, se levanta y tira el libro en un diván próximo, dejando ver La encajera de Vermeer. El ciclista cae contra la acera y ella se precipita escaleras abajo hasta la calle, besándolo arrebatadamente.

De vuelta en la habitación, acomoda sobre la cama los manteletes, el cuello almidonado que llevaba el ciclista y una corbata, como si tratara de recomponer la imagen de un cuerpo tendido. Al darse la vuelta ve al personaje mirando unas hormigas que salen de un agujero en su mano derecha y que se van transformando en los pelos de las axilas de una joven que se encuentra tendida al sol, para luego transformarse en un erizo de mar, para rematar la escena transformandose en un grupo de personas que rodean en la calle a una mujer de aspecto poco femenino que examina con su bastón una mano cortada que se encuentra en el suelo. Un policía la levanta, y tras meterla en la una caja, se la da a la mujer.

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Aguirre, la Ira de Dios

Aguirre, la Ira de DiosWerner Herzog
Título Original: Aguirre, Der Zorn Gottes
País: Alemania
Año: 1972
Género: Aventuras
Guión: Werner Herzog
Director: Werner Herzog
Producción: Werner Herzog
Fotografía: Thomas Mauch (color)
Música: Popol Vuh
Duración: 93 minutos
Intérpretes: Klaus Kinski (Don Lope de Aguirre), Helena Rojo (Inés de Atienza), Del Negro (Gaspar de Carvajal), Ruy Guerra (Don Pedro de Ursúa), Peter Berling (Don Fernando de Guzmán), Cecilia Rivera (Flores), Dany Ades, Armando Polanah y los indígenas de la cooperativa de Lauramarca.

La fascinante historia de Lope de Aguirre, el desquiciado conquistador español del siglo XVI, quien luego de separarse de la expedición de Gonzalo Pizarro, intentó descubrir la mítica ciudad de El Dorado, perdida en la inmensidad del Amazonas. A medida que el explorador lleva a sus hombres a una muerte segura, el film enfrenta al espectador a perturbadores temas como el imperialismo y el fanatismo religioso… Este film, junto a "El enigma de Kaspar Hauser", marcó la consagración internacional de Herzog y ayudó a consolidar el éxito de lo que se dio en llamar "el nuevo cine alemán". Joya de excepcional belleza y fuerza cinematográfica.

Herzog imaginó este film tomando como punto de partida el diario de Fray Ginés de Carvajal, quien narraba, la delirante aventura que un grupo de soldados españoles comandados por el vasco Lope de Aguirre (Klaus Kinski) emprendieron por la inhospitalaria selva amazónica, río abajo, en busca de El Dorado, una leyenda india que hablaba de una tierra bañada en oro, una leyenda que no fue nada mas que eso.
"Aguirre, la ira de Dios", así se autodenominaba provocador el perturbado conquistador español que al final de su delirio pretendía casarse con su propia hija a fin de lograr una casta pura para reinar en América. Es una película confusa y muy esquiva, pero no es nada mas que una obra de la translúcida personalidad, intenciones y estilo de Werner Herzog, quien narra brillantemente, dentro de esa arritmia y locura del film, las desventuras de estos pseudo heroes.

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La Nouvelle Vague

Hiroshima Mon AmourLa Nouvelle Vague (nueva ola) es una etiqueta inventada en el año 1958 por François Giroud, en un artículo de la revista L´Express, para describir a un grupo de jóvenes cineastas franceses que debutan brillantemente, al margen de las corrientes tradicionales de la profesión. Carecen de calificación técnica y son financiados por capital privado. Recurren a intérpretes de su misma edad, ya que ninguno ha adquirido aun notoriedad. El término tuvo éxito y sirvió rápidamente para describir un nuevo estilo cinematográfico, caracterizado por su desenvoltura narrativa, por sus diálogos provocativos, por cierto amoralismo y por “collages” inesperados. El prototipo será Al final de la espada, de Jean-Luc Godard. El público se entusiasmo: en 1960, cuarenta y tres nuevos autores rodaron su primera película. El núcleo mas activo venia de la critica, del semanario Arts y de los insurrectos Cahiers du Cinema: Godard, Truffaut, Claude Chabrol, Jacques Rivette, Pierre Kast y sus mayores: Jacques Doniot-Valcroze y Eric Rohmer, redactores en jefe de Cahiers.

Otros pertenecían a la generación anterior. Si bien habían dirigido películas, cortos o largometrajes, no estaban comprometidos con el “sistema”; luego fueron reconocidos como precursores: así, por ejemplo, Roger Leenhardt, Jean-Pierre Melville, Georges Franju, Alexandre Astruc, Agnès Varda y, sobre todo, Alain Resnais, que impacta en 1959 con una obra de concepción y dirección revolucionarias, Hiroshima mon amour. Otros se sumaron al movimiento, por accidente o por conveniencia, aunque rápidamente se abrieron: Louis Malle, Jean-Pierre Mocky, Marcel Camus, Michel Drach, hasta Roger Vadim.

Incluso los más cuestionados se dejaron llevar por la ola, desde Marcel Carné (Los Tramposos) hasta Henri Decoin. Habría que añadir también a Jean Rouch, etnógrafo de talento que tuvo una influencia profunda sobre el grupo; al escritor y periodista Chris Marker, cuyo genio era inclasificable; al dramaturgo Armand Gatti; así como a algunos outsiders que entraron por la puerta trasera y que se destacaron luego con mayor o menor gloria: Jacques Dossier, Jacques Demy, Michel Deville, Phillipe de Brocca, Henri Colpi, Jean-Daniel Pollet, etc.

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Roma, ciudad abierta

Roma, ciudad abiertaRoberto Rossellini
Título Original: Roma cittá aperta
País: Italia
Año: 1945
Género: Drama
Guión: Sergio Amidei, ALberto Consiglio, Federico Fellini, Roberto Rossellini.
Director: Roberto Rossellini.
Fotografía: Ubaldo Arata (BN)
Música: Renzo Rossellini
Producción: Excelsa Film
Duración: 100 minutos
Intérpretes: Anna Magnani (Pina), Aldo Fabrizi (don Pietro), Marcello Pagliero (el ingeniero), Maria Michi (Marina), Henry Feist (coronel Bergmann), Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti (Ingrid), Carla Rovere.
Premios: Festival de Cannes: Palma de Oro.

La obra maestra junto a "Ladrón de Bicicletas", de VIttorio de Sica, del Neorrealismo Italiano.

La italia de 1944, es teatro de violentos enfrentamientos entre el ejercito aleman y la resistencia italiana. Manfredi, un comunista buscado, encuentra refugio en la casa de un amigo, Francesco, quien prontamente se casara con Pina, una viuda. A partir de ese momento el departamento de la Via Casilina se transforma en un nido de la resistencia romana, participando todos en la lucha, el hijo de Pina, el padre don Pietro y los chicos de la patrona. Las SS rodean el edificio cuando son denunciados, llevándose a los hombres y matando a Pina. Manfredi muere después tras sufrir torturas por parte de las SS. El padre Pietro muere fusilado esa misma noche.

Los cuatrocientos golpes

Los cuatrocientos golpesFrançois Truffaut
Título Original: Les Quatre cents coups
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama
Guión: François Truffaut, Marcel Moussy
Director: François Truffaut
Fotografía: Henri Decae (BN)
Música: Jean Constantin
Producción: Les Films du Carrosse – SÉDIF
Duración: 93 minutos
Intérpretes: Jean-Pierre Léaud (Antoine Doinel), Albert Remy (Julien Doinel), Claire Maurier (Gilberte Doinel), Guy Decomble (Profesor de francés), Yvonne Claudie (Sra. Bigey), Pierre Repp (Profesor de inglés), Patrick Auffay (René), Georges Flamant (Sr. Bigey), Robert Beauvais (Director de la escuela), Jacques Monod (Policía), Claude Mansard (juez), Jean-Claude Brialy (El conquistador), Jeanne Moreau (La joven del perro).
Premios: Cannes: Mejor Director. New York Film Festival: Mejor film extranjero. Nominada al Oscar a la mejor película extranjera.

París, años 60, Retrato de la Francia de la época, a través de las desventuras cotidianas de un niño de doce años, Antoine Doinel, desencantado del mundo de los adultos: su padre es un fracasado; a su madre, que intentó abortar porque era un hijo no deseado, la descubre con un amante; sus profesores tampoco se ocupan de él, o los funcionarios de la justicia y psiquiatras sólo burocratizan su función. Tras hacer «novillos» en el colegio y efectuar un pequeño robo, será internado en un reformatorio. Junto a René sueña con conocer el mar y trazan un plan para conseguirlo, escapando del reformatorio. 

M. el vampiro de Düsseldorf

M. el vampiro de Düsseldorf

Fritz Lang
Título Original:
M
País: Alemania
Año: 1931
Género: Drama
Guión: Thea vo Harbou, Fritz Lang, a partir de un articulo de Egon Jacobson
Director: Fritz Lang
Fotografía: Fritz Arno Wagner (BN)
Leitmotiv silbado: Edward Grieg (Peer Gynt)
Producción: Nero Film (Fritz Lang)
Duración: 99 minutos
Interpretes: Peter Lorre (Frantz Becker), Otto Wernicke (comisario Lohmann), Gustav Gründgens (el jefe del hampa), Ellen Widmann, Theodor Loos, Georg John, Inge Landgut

El protagonista de M , un sombrío empleado que vive solo en una pensión, responde al nombre de Hans Beckert , personaje encarnado por Peter Lorre, comúnmente conocido como «M», inicial del apelativo «mörder» (asesino), que un vagabundo le escribe con tiza en la espalda para que puedan reconocerlo y perseguirlo.

«M» es un terrorífico homicida desequilibrado, pero también es, en cierta manera, un ser «condenado», incapaz de reprimir sus instintos. En la película no se dice nada de los motivos de su conducta, por lo que se presencia se reduce a la de un peligroso criminal anónimo, oculto bajo los rasgos de un hombre cualquiera, de aspecto melindroso y un tanto infantil. Hans Beckert no existe como individuo hasta su sorprendente y conmovedor discurso, en la secuencia final, ante un auditorio formado de vagabundos y prostitutas, que no están dispuestos en absoluto a escuchar sus argumentos. Es entonces cuando se descubre que el «monstruo» no es más que un perturbado mental, cuya conducta responde a una mezcla de pusilanimidad y de ansias de popularidad. La llegada de la policía evita la ejecución inmediata del protagonista. El hampa pretende imponer justicia, pero lo único que hace es aplicar su instinto de venganza y garantizar su permanencia en unos barrios que considera suyos. Como se hace evidente en su posterior etapa americana, Lang siempre defendió la necesidad de la verdadera justicia frente a la sed de venganza, la aplicación de la ley a la impulsiva y temible reacción de las masas encolerizadas.

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Neorrealismo italiano

El termino “neorrealismo” fue acuñado en 1943 por un critico y guionista italiano, Humberto Barbaro, para designar un movimiento –mas que una escuela- que se desarrollara en Italia inmediatamente después de la guerra, a la vez como reacción contra el cine académico y anquilosado (aquel de los “teléfonos blancos”) y con el fin de describir la sociedad italiana traumatizada por veinte años de fascismo. El Centro Sperimentale di Roma, fundado en 1935 por Luigi Chiarini, donde se agruparon algunos jóvenes críticos y cineastas hostiles al régimen, fue el crisol de esa revolución, que se oponía al universo ficticio de los estudios, a la dramatización exagerada, al “caligrafismo”, y preconizaba como contrapartida una mayor atención dedicada a la vida cotidiana.

Al cine “rico” de antaño se opone una actitud generosa, inconformista, preocupada por el testimonio social. Se cita como ejemplo al novelista Giovanni Verga, iniciador del “verismo”, y al filosofo Antonio Gramsci, para quien “la verdad es revolucionaria”. Se rinde homenaje a algunos precursores: Nino Martoglio (Sperduti nel buio, 1914), Gustavo Serena (Assunta Spina, 1915), Raffaello Matarazzo (Treno popolare, 1933), que supieron hacer obras realistas a través de la convención de los géneros. El cine, sin dejar de ser una ficción, tenia que poder “dar cuenta de lo real de una forma concreta”.

Para el teórico del movimiento, Cesare Zavattini, el cine debía interesarse por “el hombre en su aventura cotidiana”. En el extremo, una película tendría que poder describir “90 minutos de la vida de un hombre al que no le pasa nada”.

El primer gran film neorrealista es la obra de un joven aristócrata convertido al marxismo, Luchino Visconti, fue Ossessione (1942), que paradójicamente se inspiraba en una novela negra estadounidense, sin ocultar la influencia francesa de Renoir. Pero fue sobre todo Roma, ciudad abierta (1945) y Paisà (1946), ambas de Roberto Rossellini, las que por su sobriedad, su inserción en una colectividad real, fueron los verdaderos detonadores de la explosión neorrealista. Otros dos jalones definitivos son La terra trema de Visconti y Ladrón de Bicicletas, del actor devenido director Vittorio de Sica, ambas rodadas en el lugar original de la acción y con actores no profesionales. Sobre las ruinas de la guerra se edifica poco a poco un nuevo cine, humano, orientado a la gente. Todos los géneros, todos los temas o casi todos se verán impregnados por esta actitud: películas de la resistencia (Il sole sorge ancora), comedia populista (Dos centavos de esperanza), crónica histórica (Il mulino del Po), melodrama religioso (La hija del pantano), adaptaciones literarias (Il capote) etc. Solo algunos outsiders se resistirán a esta marejada, tales como Vittorio Cottafavi o Ricardo Freda, para quienes el realismo en general consistía en “la peor forma de expresión artística” y que pronosticaron un rápido retroceso del movimiento.

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Detstvo Gorkogo (La infancia de Maxim Gorki)

Detstvo Gorkogo (La infancia de Maxim Gorki)Detstvo Gorkogo
Título Original:
Detstvo Gorkogo
País: Unión Soviética
Año: 1938
Guión: Ilya Groudzev, Marc Donskoy, a partir de la novela de Maksim Gorkii, Días de Infancia
Director: Marc Donskoy
Fotografía: Piotr Ermoliov, I. Malov (BN)
Música: Lev Schwartz
Producción: Soiouzdietfilm
Duración: 105 minutos
Interpretes: Alexei Liarski (Alexis Pechkov, llamado Alioscha), Varvara Massalitinova la abuela), Mijail Troianovsky (el abuelo), Dmitri Sagal (Vania, llamado Tziganok), Elena Alexeieva (la madre), V. Novikov, A. Joukov (los tíos), Igor Smirnov (el enfermito).

Película soviética del director Mark Donskoy de 1938 basada en la autobiografía de Maxim Gorki (quizá el escritor y dramaturgo ruso más reconocido de toda la historia), escrita en 1913. La película muestra el viaje de un chico de 12 años en una vida contra el ambiente tumultuoso de la Rusia Zarista. Maxim es un chico que vive con sus abuelos. La abuela es la encarnación del bien, que siempre sabe como hacer reír a la gente. Su abuelo, por el contrario, es en ocasiones tierno y en ocasiones brutal, senil un momento y cuerdo al siguiente. Su paupérrima infancia marcó su vida de compasión por los desamparados, y la película está llena de poderosas imágenes de la clase trabajadora y desfavorecida cuyas cualidades de integridad y dignidad brillan por encima de sus circunstancias sin esperanzas. La Infancia de Maxim Gorki es una película poderosa y emotiva que capturará tu atención desde el principio. Aunque la película esté rodada en blanco y negro, la historia es tan colorida y vibrante, con unos personajes tan vivos, que hace pensar que la película fue rodada hace mucho menos tiempo. Otra obra maestra de cine soviético.

Cinematismo

Neologismo creado por Eisenstein (no confundir con "cinetismo") para designar el caracter "cinematográfico" de algunas obras de arte (por ejemplo, en pintura, la tendencia a tratar de representar el movimiento). En la medida en que determinadas formas -plásticas, literarias, dramáticas, poéticas- implican cierta cinematograficidad, existen leyes profundas que rigen diversas producciones significantes, la idea de cinematismo esta entonces ligada, en Eisenstein, con la búsqueda de estas leyes, especialmente en torno de la estructura "extatica" de las obras.

Eisenstein, Sergei M. "Cinematismo ", Domingo Cortizo editor, Buenos Aires, 1982

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