Jean Cocteau
Título Original: Le sang d`un poète
País: Francia
Año: 1930
Género: Drama
Guión: Jean Cocteau
Director: Jean Cocteau
Montaje: Jean Cocteau
Fotografía: Georges Périnal (BN)
Música: Georges Auric
Producción: Vizconde de Noailles
Duración: 49 minutos
Intérpretes: Elisabeth Lee Miller (la estatua), Pauline Carton, Enrique Rivero (el poeta), Jean Desbordes, Féral Benga (el ángel negro).

Inspiración, reminiscencias, muerte y resurrección son algunos de los temas tocados en esta particular película, una mezcla entre documental poético del estilo de Vertov y los delirios surrealistas de la primera etapa de Buñuel. Cocteau, dramaturgo, poeta y chico prodigio de la cultura francesa, no se interesa por contar historias, sino más bien por crear escenas que tengan frente a los ojos una fuerte carga simbólica. La mayor parte del tiempo lo consigue. Un clásico del cine de vanguardia.

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Serguei Mikhailovitch Eisenstein
Título Original: Alexander Nevski
País: Unión Soviética
Año: 1938
Género: Drama Épico
Guión: S. M. Eisenstein, Piotr Pavlenko
Director: Serguei Mikhailovitch Eisenstein
Fotografía: Edouard Tissé (BN)
Música: Sergei Prokofiev
Producción: Studios Mosfilm
Duración: 112 minutos
Intérpretes: Nikolai Cherkassov (Príncipe Alejandro), Nikolai Okhlopkov (Buslai), Alexandr Abrikosov (Gavrilo Olexich), Dmitri Orlov, Anna Danilova, Vera Ivacheva, Vladimir Erchov

Tras vencer al ejercito sueco en el Neva (de ahí deriva su sobrenombre "Nevski"), el príncipe Alejandro se ha retirado a un lugar donde viven sus amigos pescadores. Pero un enemigo nuevo lo obliga a volver al servicio: el alemán, cuyas hordas sanguinarias han invadido el país. En Pskov han sembrado el pánico, la desolación y la ruina. Alejandro pasa de su posición aparente de humilde pescador a héroe nacional para hacerles frente y llevar a su país a la victoria. Es necesario proteger a la población, paliar la insuficiencia de medios estratégicos con astucias de guerra, atraer a los orgullosos caballeros teutones a una trampa. Es en ello en lo que se va emplear Alejandro. La pesada caballería enemiga llegará a perderse sobre el lago helado de Tchoudsk, y la infantería rusa surgirá en el momento para ganar la guerra.

Tras pasarse una década sin estrenar ninguna película, en 1938 Eisenstein volvió a rodar otra obra maestra con el relato épico del príncipe Alexander Nevsky.

Durante ese período el cineasta trabajó en la formulación de sus teorías del montaje cinematográfico, influenciado por sus contactos con directores extranjeros y espoleado por los nuevos horizontes que abría la llegada del cine sonoro. Eisenstein tenía que enfocar el proyecto de Alexander Nevski con enorme cuidado ya que había pasado a ser una persona non grata para el aparato político. Tras ser obligado a realizar un ejercicio de cierta autocrítica ante el partido, el autor de El acorazado Potemkin concibió el proyecto encomendado como una película de exaltación patriótica del pueblo soviético, sin entrar en ningún tipo de crítica interna. Así, Eisenstein proponía una epopeya popular destinada a despertar en las masas soviéticas un sentimiento patriótico contra la amenaza de la Alemania de Hitler. Planteó Alexander Nevski como una gran película épica, como un gran espectáculo dirigido al mayor número de espectadores posible. En el sustrato de la narración era fácil adivinar el intento de concienciar a las masas sobre la necesidad de defender el país ante la posibilidad de una invasión por parte de huestes extranjeras. De este modo, satisfacía por igual la necesidades políticas y las creativas.

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Ingmar Bergman
Título Original: Det sjunde inseglet
País: Suecia
Año: 1957
Género: Drama
Guión: Ingmar Bergman, a partir de su obra Trämalning
Director: Ingmar Bergman
Fotografía: Gunnar Fischer (BN)
Música: Erik Nordgren
Producción: AB Svensk Filmindustri
Duración: 90 minutos
Intérpretes: Max von Sydow (Antonius Block), Gunnar Björnstrand (Jöns, su escudero), Nils Poppe (Jof), Bibi Andersson (su mujer, Mia), Bengt Ekerot (la Muerte), Gunnel Lindblom, Maud Hansson, Ake Fridell (el herrero), Inga Gill (Lisa).
Premios: Cannes: Premio Especial del Jurado.

Ingmar Bergman explico que construyo su película a la manera de una pintura de la Edad Media, “con el mismo compromiso objetivo, la misma sensibilidad y la misma alegría”. El mensaje es claro: estamos siempre amenazados por la peste, que hoy se llama guerra nuclear; frente a ese peligro no hay otro recurso más que los corazones puros. Al fanatismo y la intolerancia Bergman opone “la leche de la ternura humana”. Su película, sin embargo, no tiene nada de dogmático. Juega el juego de la ingenuidad iconográfica, creando libremente a partir del imaginario medieval. Pensamos en Durero, en los grabados sobre madera de Hans Beham, en la Danza macabra de Orcagna. La reflexión filosófica, en última instancia algo sumaria, se ve sin cesar irrigada por un límpido onirismo, y por incluso trazos de humor, notablemente a través del personaje del escudero. El papel de Jof el ingenuo titiritero es interpretado por el celebre actor cómico Nils Poppe.

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Mikhail Kalatozov
Título Original: Letyat zhuravli
País: Unión Soviética
Año: 1957
Género: Drama, Béico, Romance
Guión: Viktor Rozov
Director: Mikhail Kalatozov
Fotografía: Serguei Urusevski (BN)
Música: Moisés Vainberg
Producción: Ministerstvo Kinematografii Mosfilm
Duración: 97 minutos
Intérpretes: Tatyana Samojlova (Veronika), Aleksey Batalov (Boris), Vasili Merkuryev (padre de Boris), Aleksandr Shvorin (Mark), Svetlana Kharitonova, Konstantin Nikitin, Valentin Zubkov, Antonina Bogdanova, Boris Kokovkin, Yekaterina Kupriyanova.

Esta es la historia de un amor que no pudo ser destruido incluso por la guerra. Boris perece en el frente: cayó abatido por una bala del enemigo. Verónica, su novia, a la que apoda "la ardilla", esta desolada: ella perdió a su amado, sus padres, su casa. Desesperada, ella trata de formar una nueva familia, pero sólo pierde su autoestima. Finalmente, recupera la fe en sí misma, cuando salva a un niño de debajo de las ruedas de un auto. Ella encuentra fuerzas para continuar viviendo, y se niega a creer que Boris esta muerto. La muchacha, desamparada, se deja seducir por Mark, un primo de Boris, y se casa con él. Refugiada en Siberia con el doctor Fiodor Ivanovich, el padre de Boris, y su marido, Veronica se entera de la muerte de Boris por un soldado con permiso. Ella se niega a creerlo y sigue esperándolo. Para ella la vida es amor, y su pérdida equivale a morir.

Jean-Luc Godard
Título Original: A bout de souffle
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama
Guión: Jean-Luc Godard
Director: Jean-Luc Godard
Fotografía: Raoul Coutard (BN)
Música: Martial Solal
Producción: Impéria Films / Société Nouvelle de Cinema – Georges de Beauregard
Duración: 98 minutos
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo (Michel Poiccard, Jean Seberg (Patricia), Daniel Boulanger y Henri-Jacques Huet (los policías), Roger Hanin, Jean-Pierre Melville (Parvulesco), Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godard (el soplón).

Jean-Paul Belmondo caracteriza a Michel Poiccard, un ex-figurante de cine admirador de Bogart que, tras robar un automóvil en la ciudad de Marsella, mata accidentalmente, y con un revólver que encuentra en la guantera, a un motorista de la policía camino de París. Allí, tras robar dinero a una amiga, va en busca de Patricia (Jean Seberg), una joven burguesa americana, sin ningún remordimiento por lo que ha ocurrido en la carretera. Patricia es una aspirante a escritora que vende el New York Herald Tribune por los Campos Elíseos. Espera escribir en el periódico y matricularse en la Sorbona. En Europa parece haber hallado una libertad que no existe en América. Michel le propone que se vaya con él a Roma a lo que ella se niega. Después de la negativa, Michel va cobrar un cheque a su código postal. Entonces sabemos que la policía le busca por la muerte del motorista.

Robert Bresson
Título Original: Pickpocket
País: Francia
Año: 1959
Género: Drama
Guión: Robert Bresson inspirado en la novela Crimen y Castigo, de Fedor Dostoyevsky
Director: Robert Bresson
Fotografía: Léonce-Henry Bürel (BN)
Música: J. B. Lully
Producción: Lux Films (Agnès Delahaie)
Duración: 75 minutos
Intérpretes: Martin LaSalle (Michel D.), Marika Green (Jeanne), Pierre Levmarie (Jacques), Jean Pèlegri (el inspector), Kassagi (l´iniciateur) Pierre Etaix (el comparsa).

Pickpocket cuenta la historia del carterista profesional Michel, de su pasión por el robo y su compleja relación con la joven Jeanne.

El director describe minuciosamente tanto las técnicas del carterismo como la propia historia de amor, utilizando actores no profesionales.

Se trata de la primera película de Bresson con argumento propio, y la primera producción en la que el director francés comienza a alejarse de la realidad para tomar la senda de la pura abstracción que continuará en el resto de sus filmes.

Glauber Rocha
Título Original: Deus e o Diablo na terra do sol
País: Brasil
Año: 1964
Género: Drama Épico
Guión: Glauber Rocha
Director: Glauber Rocha
Fotografía: Waldemar Lima (BN)
Música: Heitor Villa-Lobos y Sergio Ricardo.
Producción: Jarbas Barbosa, Luis Augusto Mendes, Glauber Rocha
Duración: 110 minutos
Intérpretes: Geraldo del Rey (Manuel), Iona Magalhaes (Rosa), Lidio Silva (Sebastian), Othon Bastos (Corisco), Mauricio do Valle (Antonio das Mortes).

En el Brasil rural un matador de bandoleros llamado Antonio das Mortes vaga buscando trabajo para sus pistolas. A través de sus ojos vemos cómo un lugareño cae en el crimen y se une a la banda más temible de la zona.

Mezcla de realismo documental, delirio barroco y citas al western, este filme del fallecido Glauber Rocha se mantiene como uno de los hitos del cine brasileño y piedra de toque para quienes aspiran a una filmografía lationamericana liberada de la influencia gringa. La cinta, con aires de cuento folclórico, está condimentada con música de Villa Lobos y Sergio Ricardo. 

Miklós Jancsó
Título Original: Szegénylegények
País: Hungría
Año: 1965
Género: Guerra, Drama
Guión: Gyula Hernádi
Director: Miklós Jancsó
Fotografía: Tamas Somló (BN)
Producción: Studio Nº 4 de Mafia, Budapest
Duración: 105 minutos
Intérpretes: János Görbe (Gadjor), Tibor Molnár (Kabaï padre), András Kozák (Kabaï hijo). Gábor Agárdy, Zoltán Latinovits.

A mediados del siglo XIX, el gobierno de Viena ocupa Hungría y decide acabar con la resistencia que se disimula entre los paisanos del lugar. Delación, chantaje, ejecuciones sumarias, son la norma de las prisiones donde están recluidos centenares de campesinos. Pero la represión acrecienta aún más el ansia de libertad. Un grupo de campesinos es reunido por soldados, que matan, torturan e interrogan a los cautivos. Bajo presión, las víctimas se dividen y recombinan en alianzas en constante cambio. Con sus golpes implacables, Jancsó coreografía una danza individual y comunitaria que combina belleza con terror, trascendencia con futilidad.

Sergei Paradjanov
Título Original: Tini zabutykh predkiv
País: Unión Soviética
Año: 1964
Género: Drama
Guión: Sergei Parajanov, Ivan Chendej (Historia: Mikhaylo Koysyubinskiy)
Director: Sergei Paradjanov
Fotografía: Viktor Bestayev y Yuri Ilyenko (color)
Música: Miroslav Skorik
Producción: Dovzhenko Film Studios
Duración: 95 minutos
Intérpretes: Ivan Mikolajchuk (Ivan), Larisa Kadochnikova (Marichka), Tatyana Bestayeva (Palagna), Spartak Bagashvili, Nikolai Grinko, Leonid Yengibarov, Nina Alisova, Aleksandr Gaj.

 Una trama rural de amor y hechicería es la excusa argumental para el primer film importante de Parajanov, realizador de origen georgiano que hasta ese momento había cultivado una discreta reputación como realizador confiable para el sistema. En este film decidió, en cambio, desestructurar completamente el relato y abrevar con libertad en la imaginería pictórica folklórica. Tras la experiencia Parajanov fue cuestionado y, aunque logró realizar otra obra maestra (Sayat nova en 1968), debió pasarse luego más de una década sin filmar. La copia de Caballos de fuego que se conserva ha perdido buena parte del color, pero es la única de sus películas que todavía puede verse en fílmico en nuestro país.

Andrei Tarkovsky
Título Original: Андре́й Рублёв
País: Unión Soviética
Año: 1966
Género: Drama, Histórico, Guerra
Guión: Andrei Tarkovsky y Andrei Mikhalkov Konchalovsky
Director: Andrei Tarkovsky
Fotografía: Vadim Youssov (BN)
Música: Vyacheslav Ovchinnikov
Producción: Mosfilm
Duración: 186 minutos
Intérpretes: Anatoli Solonitsyn (Andrei Rublyov), Ivan Lapikov (Kirill), Nikolai Grinko (Danil Chorny), Nikolai Sergeyev (Teofanes el griego), Irma Raush Tarkovskaya (la sordo muda – Durochka), Nikolai Burlyayev (Boriska), Yuri Nazarov (El Gran Príncipe), Yuri Nikulin (Monje Patrikey), Rolan Bykov, Nikolai Grabbe (Stepan), Mikhail Kononov (Foma), Irina Miroshnichenko (Maria Magdalena), Bolot Bejshenaliyev (Tatar Khan), Yuri Nazarov.

Andrei Rublev, también conocida como La Pasión de Andrei, es una película soviética de 1966 dirigida por Andrei Tarkovsky de un guión escrito por Andrei Konchalovsky y Andrei Tarkovsky. La película es aproximadamente basada en la vida de Andrei Rublev, el gran iconógrafo ruso del Siglo XV.

Andrei Rublev esta ambientada en la Rusia del Siglo XV. Aunque la película es vagamente basada en la vida de Andrei Rublev, la representación de la Rusia medieval es realista. Tarkovsky creó una película que muestra al artista como “una figura histórica mundial” y al “Cristianismo como un axioma de la identidad histórica Rusa” durante un turbulento periodo de la historia rusa, que al final resulta en el Imperio Zarista de Rusia. La película es sobre la esencia del arte y la importancia de la fe y muestra un artista que trata de encontrar la respuesta apropiada a las tragedias de su tiempo.

Debido a los temas religiosos de la película y la ambigüedad política, no fue estrenada en la Unión Soviética por años luego de ser completada, excepto por una sola proyección en Moscú. Una versión cortada de la película fue proyectada en el Festival de Cannes en 1969, donde ganó el premio FIPRESCI. Recién en 1971 la versión cortada fue lanzada en la Unión Soviética. La película fue vuelta a cortar para su lanzamiento en los Estados Unidos en 1973. Debido a esto existen muchas versiones de la película. hasta el dia de hoy Andrei Rublev es extensamente considerada como una obra maestra y uno de los mejores trabajos de Tarkovsky.

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