Edwin S. Porter
Título Original: The Great Train Robbery
País: Estados Unidos
Año: 1903
Género: Aventuras
Guión: Scott Marble
Director: Edwin S. Porter
Fotografía: BN
Producción: The Thomas Edison Co.
Duración: 240 metros
Intérpretes: George Barnes (cabecilla de los bandidos), Max Anderson, A. C. Abadie, Marie Murray.

Una de las piedras fundamentales de la historia del cine fue la primera película narrativa, El gran robo del tren (1903), dirigida y fotografiada por Edwin S. Porter, un ex cameraman de Thomas A. Edison. Era una película primitiva de acción, de unos 10 minutos de duración, con 14 escenas, filmado en Noviembre de 1903, no en las llanuras del oeste de Wyoming sino en la Costa Este en varias locaciones en Nueva Jersey (en el estudio de Edison en Nueva York, en el Parque del Condado de Essex en Nueva Jersey, y a lo largo de la via del tren de Lackawanna).

El precursor del género de las películas del oeste se baso en la historia de 1896 de Scout Marble. El título de la película también era el título de un melodrama contemporáneo muy popular. Fue la película de mayor éxito comercial y popular en la era pre Nickelodeon, y estableció la noción de que las películas podían ser un medio comercial viable.

La película fue publicitada como “un fiel duplicado de los genuinos “atracos” que hicieron famosos varios bandidos en el lejano Oeste”. La trama fue inspirada por un evento verdadero que ocurrió el 29 de Agosto de 1900, cuando cuatro miembros de la banda “Hoyo en la Pared” de George Leroy Parker (Butch Cassidy) asaltaron el tren Nº3 en las vías del tren Union Pacific en Table Rock, Wyoming. Los bandidos forzaron al conductor a desacoplar los vagones de los pasajeros del resto del tren y luego volaron la caja de seguridad en el vagón del correo, escapando con cerca de $5.000 dólares en efectivo.

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Georges Méliès
Título Original: Le voyage dans la Lune
País: Francia
Año: 1902
Género: Ciencia Ficción
Guión: Georges Méliès, según las novelas "De la Tierra a la Luna" de Julio Verne y "Los primeros hombres en la Luna" de H. G. Wells
Director: Georges Méliès
Fotografía: Lucien Tainguy (BN)
Producción: Star Film (Georges Méliès)
Duración: 280 metros (30 cuadros de los cuales se conservan 28)
Intérpretes: Georges Méliès (Profesor Barbenfouillis), Bleuette Béron (La Dama Luna), Victor André, Henri Delannoy, Kelm Brunnet, Jean d'Alcy, Depierre, Farjaux, bailarines del cuerpo de baile del Châtelet, acróbatas del Foliés-Bergère.

Viaje a la Luna es la primera película de ciencia ficción de la historia, una obra maestra de 14 minutos, creada por el imaginativo director francés y mago Georges Méliès (1861-1938) en su propia versión de la historia de Julio Verne. La trama de la película muda, una liviana sátira criticando a la comunidad científica conservadora de su época, fue inspirada por Desde la Tierra a la Luna (1865) de Julio Verne y por El primer hombre en la Luna (1901) de H. G. Wells.

Esta película, el más notable film de Méliès, fue hecha con un presupuesto astronómico para su época, 10000 francos, riesgoso, pero valió la pena ya que fue un éxito rotundo. Su popularidad también se baso en que fue copiada ilegalmente, y lanzada bajo otros nombres, y pirateada (incluyendo una robada por los técnicos de películas de Edison y distribuida por todo Estados Unidos). En Estados Unidos un duplicado ilegal de la película estaba disponible bajo el titulo de Un Viaje a Marte, de Siegmund Lubin.

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Yakov Protazanov
Título Original: Аэлита (Unión Soviética), Aelita: Queen of Mars (Título Internacional)
País: Unión Soviética
Año: 1924
Género: Drama, Ciencia Ficción, Aventura
Guión: Aleksei Fajko, Fyodor Otsep basada en la novela de Alexei Tolstoi
Director: Yakov Protazanov
Fotografía: Yuri Zhelyabuzhsky (BN)
Producción: Mezhrabpom-Rus
Duración: 120 minutos
Intérpretes: Yuliya Solntseva (Reina Aelita), Igor Ilyinsky (Kravtsov), Nikolai Tsereteli (Los & Spiridinov, 2 ingenieros), Nikolai Batalovv (Gusev, ex-soldado), Vera Orlova (Masha, enfermera, novia de Gusev), Valentina Kuindzhi (Natasha Los como Vera Kuindzhi), Pavel Pol (Ehrlich), Konstantin Eggert (Tuskub, Rey de Marte), Yuri Zavadsky (Gor, guardian de la energía) Aleksandra Peregonets (Ihoshka, criada de Aelita), Sofya Levitina, Varvara Massalitinova, Mikhail Zharov, Tamara Adelheim, Iosif Tolchanov (astronomo barbudo de Marte).

En los primeros años de la Revolución Bolchevique, un joven ingeniero llamado Loss y su nueva esposa, Natasha, participan en la reconstrucción de Rusia después de la devastación de la Primera Guerra Mundial. Arduo trabajador y dedicado a la causa, Loss es sin embargo un individualista y –peor- un soñador. Esta obsesionado con un misterioso mensaje de radio, uno que el cree que podría venir de Marte.

Aelita fue la primera película soviética de ciencia ficción, la que se ha convertido en un icono debido a su diseño de arte constructivista.

En la película Aelita, la sociedad marciana es gobernada por un grupo de ancianos, donde la llamada reina, Aelita, no tiene real poder para gobernar. Los trabajadores son puestos en almacenes subterráneos fríos siempre que haya tareas para realizar, mientras que la información, los recursos y el acceso a la tecnología están controlados fuertemente. Cuando un brillante científico inventa un poderoso telescopio, Aelita lo seduce en orden de poder espiar a la gente de la Tierra. Ahí es cuando ve a Loss y Natasha abrazados y pronto se enamora del ingeniero. Ayudada por su ingeniosa y fiel sirviente, repetidas veces se arriesga a la ira de los ancianos experimentando comportamientos radicales, como besar, mientras se escabulle para observar cada movimiento de Loss.

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Ferdinand Zecca
Título Original: Histoire d´un crime
País: Francia
Año: 1901
Guión: Ferdinand Zecca
Director: Ferdinand Zecca
Decorados: Ferdinand Zecca
Fotografía: Ferdinand Zecca (BN)
Producción: Pathé
Duración: 110 metros (seis cuadros)
Intérpretes: Jean Liézer, Bretteau, Ferdinand Zecca

La primera década del Siglo XX es usualmente ignorada en la historia del cine, principalmente porque pareciera que es una fase post experimental natural en el desarrollo del medio. Esto es desafortunado, ya que el arranque de la creatividad no fue estorbado por otros factores externos (económicos, sociales, políticos) por primera y talvez la única vez en la historia del cine. En consecuencia, los directores eran libres de explorar las posibilidades de construir una narrativa a través de imágenes, regularmente abordando material controversial. Estas producciones fueron la fuente principal de inspiración (a menudo plagiado vergonzosamente hasta por maestros en el campo) para algunas de los mas famosas películas de décadas posteriores.

El sistema de perfecta competencia en el recientemente creado nicho de la industria del entretenimiento es indiscutiblemente la principal causa para la libertad artística. Los estudios pudieron estar detrás de las decisiones de los directores, mientras que eran pocos como para no saber que esperaban las audiencias de las películas. Sin embargo, ya se vislumbraba que la audiencia veía al cine como arte popular, más que como puro entretenimiento.

Para las mas exitosas películas de este periodo, el foco estaba mas en las emociones que en el intelecto. Asumiendo que el arte es antes que intenta crear una reacción emocional, una dimensión intelectual es un extra para el amante del arte interesado, cuando esta ahí, igualmente no es esencial para la apreciación del trabajo de una obra de arte. Lo que atraía al publico era que “directamente solicita la atención del espectador, incitando la curiosidad visual, y como suplemento, placer a través de un espectáculo excitante” en palabras de Gunning. Teniendo esto como punto de referencia, el éxito de una producción puede ser valorada en términos de placer, más que de consistencia narrativa. Este acercamiento utilitario al arte parece al principio insatisfactorio, y podría decirse incapaz de producir trabajos que surgieran por sobre el entretenimiento básico.

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Federico Fellini
Título Original: La Strada
País: Italia
Año: 1954
Género: Drama
Guión: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano
Director: Federico Fellini
Fotografía: Otello Martelli (BN)
Música: Nino Rota
Producción: Dino de Laurentiis, Carlo Ponti
Duración: 105 minutos
Intérpretes: Giulietta Masina (Gelsomina), Anthony Quinn (Zampano), Richard Basehart (Il Matto), Aldo Silvani (Giraffa), Marcella Rovere, Livia Venturini.

En “La Strada”, elige a dos personajes marginales, Zampanó (Anthony Quinn) y Gelsomina (Giulietta Masina), que el azar unirá sus destinos, para definitivamente separar sus caminos imposibles.

Zampanó es un mísero “artista” circense que se gana la vida en la carretera, haciendo su patético número en las calles de la hambrienta Italia de posguerra, al morir su compañera adopta como ayudante a Gelsomina, una muchacha que hoy denominaríamos “discapacitado psíquico límite”, que, como es habitual, rebosa inocencia y bondad. Enfrente un Zampanó, sin muchas más luces, pero brutal y primitivo.

El film, con este escenario, se convierte verdaderamente en una historia de amor imposible, más que en la denuncia social, que como fondo, se desenvuelven los personajes, (en uno de los mejores trabajos en la carrera de ambos protagonistas).

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Auguste y Louis Lumière
Título Original: L'Arrivée d'un train à La Ciotat o L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat
País: Francia
Año:1895
Género: Documental
Director: Louis Lumière
Producción: Auguste y Louis Lumière
Duración: 49 segundos

El 28 de Diciembre de 1895, en el Salon Indien Du Grand Café, en Paris, los hermanos Auguste y Louis Lumière transformaron la industria del entretenimiento cuando hicieron una demostración de su invento. Los hermanos proyectaron una serie de imágenes en una pantalla, pero aquellas imágenes no eran una serie de imágenes normales, aquellas imágenes estaban moviéndose como si estuviesen vivas. Mientras que la idea de imágenes en movimiento no eran nueva para la audiencia (el Kinetoscopio de Edison era un divertimento popular), la habilidad de este dispositivo de proyectarlas en una pantalla era algo que nunca había sido visto con anterioridad. Diez películas cortas que apenas llegaban al minuto de duración cada una fueron proyectadas ese día, y la invención probo que fue un enorme existo para los hermanos, los que inmediatamente decidieron seguir haciendo películas en orden de mejorar su catalogo. Una de esas películas se convirtió en el primer icono gráfico del nuevo arte.

"L' Arrivée d'un train à La Ciotat" (literalmente, "El arribo del tren a La Ciotat") es sin dudas, uno de los filmes mas famosos de la historia, como su imagen de un tren llegando a la estación, pasando muy cerca de la cámara mientras reduce la velocidad, rápidamente se convirtió en una escena icono de la nueva invención. Mientras inicialmente fue concebida como otro de los tantos “filmes de actualidad” de los hermanos Lumière, es claro que el director Louis Lumière sabia exactamente donde poner la cámara en orden de obtener la mejor imagen del evento mientras el filme mostraba que tenia una buena idea del uso de la perspectiva (muchos lo consideran un estudio sobre toma larga, toma media y acercamiento). Como una nota aparte, este es el filme que origino una leyenda urbana sobre gente corriendo asustada alejándose del tren en movimiento, pensando que era una locomotora real que estaba apareciendo en la pantalla.

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Georgi y Serguei Vassiliev
Título Original: Чапаев
País: Unión Soviética
Año: 1934
Género: Drama histórico.
Guión: Georgi y Serguei Vassiliev basada en la novela homónima de Dmitry Furmanov y en los escritos de Anna Furmanova.
Director: Georgi y Serguei Vassiliev
Fotografía: A. Sigayev y A. Ksenofontov (BN)
Música: Gabriel Popov
Producción: Lenfilm
Duración: 85 minutos.
Intérpretes: Boris Babochkin (Tchapaiev), Boris Blinov (Furmanov), Varvara Myasnikova, Leonti Kmitt (Petka), Illarian Pevtsov, Vyacheslav Volkov, Nikolai Simonov, Stepan Shkurat, Boris Chirkov.

Este film soviético de 1934 fue dirigido por los hermanos Georgi y Sergei Vasiliev bajo la producción de Lenfilm. Relata la historia de Vasily Ivanovich Chapaev (1887-1919), un comandante legendario del Ejercito Rojo que se volvió héroe de la Guerra Civil Rusa. La trama esta basada en la novela del mismo nombre escrita por Dmitri Furmanov, un escritor ruso y Comisario Bolchevique que es enviado desde Moscú para luchar junto a Chapaev para enfrentar al ejercito blanco de Kolchak. Chapaev recibe a Furmanov fríamente, pero poco a poco va surgiendo el entendimiento entre ambos.

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Orson Welles
Título Original: Citizen Kane
País: Estados Unidos
Año: 1941
Género: Drama
Guión: Herman J. Mankiewicz, Orson Welles
Director: Orson Welles
Fotografía: Greg Toland (BN)
Música: Bernard Herrmann
Producción: RKO (Mercury Theater)
Duración: 119 minutos
Intérpretes: Orson Welles (Charles Foster Kane), Joseph Cotten (Jedediah Leland) , Everett Sloane (Bernstein), George Coulouris (Thatcher), Dorothy Comingore (Susan Alexander), Ray Collins, Agnes Moorehead (la madre de Kane), Paul Stewart (el mayordomo), Ruth Warrick, Erskine Sanford (Carter), William Alland, Alan Lad.

La fresca, sofisticada, y clásica obra maestra, Ciudadano Kane, es probablemente la película mas famosa del mundo, con tantas escenas y actuaciones remarcables, técnicas cinemáticas y narrativas e innovaciones experimentales (en fotografía, edición y sonido). Su director, estrella, y productor se encontraban en un único genio individual, Orson Welles (en este film debuta a los 25 años), quien colaboró con Herman J. Mankiewicz en el guión (también con un desacreditado John Houseman), y con Gregg Toland y su talento cinematográfico (la contribución de cada una de estas personas en el guión ha sido sujeto de grandes debates en las ultimas décadas). La cámara de Toland trabajo en la película expresionista de Kart Freund Mad Love (1935) que tuvo una profunda influencia en dicho film.

El film, con un presupuesto de $800.000 dólares, recibió criticas unánimes de alabanza hasta el tiempo de su lanzamiento, mas allá de que no fue un éxito comercial (parte debido a su distribución limitada y al tiempo perdido por RKO debido a las presiones del famoso publicista W. R. Hearst), hasta que fue relanzada después de la Segunda Guerra Mundial, y encontró reconocimiento bien merecido en Europa, y luego fue puesta en televisión.

El film genero controversia (y esfuerzos para suprimirla en principios de 1941, a través de intimidación, chantaje, difamación a través de los periódicos, desacreditación, e investigaciones del FBI), antes de su premiere en la Ciudad de Nueva York el día 1 de Mayo de 1941, porque aparecía como una ficción y caricaturización de ciertos eventos e individuos en la vida de William Randolf Hearst, un poderoso magnate y publicista de diarios. El film fue acusado de hacer paralelos poco favorecedores (en especial con el personaje de Susan Alexander Kane) en la vida real. Las batallas notorias fueron detalladas por el documental de los ganadores del Oscar Thomas Lennon y Michael Epstein que se llamo La Batalla sobre Ciudadano Kane (1996), el que fue repetido en HBO con el nombre de RKO 281 (1999) (el nombre del film se refiere al numero de proyecto del film que tenia el estudio, antes de ser formalmente titulado.

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Luis Buñuel
Título Original: L'âge d'or
País: Francia
Año: 1930
Guión: Luis Buñuel y Salvador Dalí
Director: Luis Buñuel
Fotografía: Albert Duverger (BN)
Escenografía: Schilzneck
Música: Georges von Parys. Fragmentos de obras de Beethoven, Mozart, Debussy, Mendelssohn y Wagner; redoble de tambores de Calanda y el pasodoble "Gallito".
Producción: Vizconde de Noailles
Duración: 60 minutos.
Intérpretes: Gaston Modot (el hombre), Lya Lys (la joven), Max Ernst (el capitán de los bandidos), Pierre Prévert (Péman), Caridad de Laberdesque (la madre), Pancho Cosío ( bandido cojo), José Artigas (invitado en la fiesta), Valentine Hugo (invitada en la fiesta), Lionel Salem (duque de Blangis).

Después de un prefacio sobre las costumbres del alacrán, unos bandidos descubren a un grupo de arzobispos orando en un acantilado. La fundación de la Imperial Roma, celebrada en el sitio donde oraban los clérigos, se ve interrumpida por los lances amorosos de una pareja que es apartada. El hombre es llevado a prisión pero logra huir y se guarece en casa de su amada. Durante una fiesta, la pareja intenta consumar su pasión sin éxito. Finalmente, los sobrevivientes de una criminal orgía, entre los que se encuentra el duque de Blangis, salen del castillo de Selliny.

"Después de Un perro andaluz, imposible pensar en realizar una de esas películas que ya se llamaban «comerciales». Yo quería seguir siendo surrealista a toda costa."
Buñuel, L. (1982). Mi último suspiro. Barcelona: Plaza & Janés, p. 112.

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Man Ray
Título Original: Les Mystères du château de Dé
País: Francia
Año: 1929
Guión: Man Ray
Director: Man Ray
Fotografía: Man Ray
Producción: Vizconde de Noailles
Duración: 27 minutos

En 1929, Man Ray el fotógrafo americano expatriado a París, cercano a los surrealistas y dadaístas realizo un film pedido por el Vizconde Charles de Noailles: Les mystère du château du Dé (Los misterios del castillo de dados). Charles de Noailles le había pedido a Man Ray, cuyos tres filmes precedentes habían sido Retour à la raison, Emak Bakia y L´Etoile de mer, que han tenido buena acogida por la critica, realizar un film sobre su villa de Hyères concebido por Robert Mallet-Stevens. Sin dudas que Man Ray realizará esta película. Escribe en su autobiografía: “Al principio esta propuesta me pareció de poco interés… Vacilaba. El vizconde me garantizo que me ayudaría de todas las maneras posibles, y que este trabajo seria remunerado (…) como sería totalmente libre, y que la película no sería mas que un documental, sin exigirme ninguna invención de mi parte, seria un trabajo fácil, automático y que no cambiaria de ningún modo mi decisión de no hacer mas películas. Me tranquilizaba la idea de que este no se presentaría en público… Charles de Noailles por su parte tiene serias dudas al final del rodaje y me confía que: “pienso por otra parte que la película tendrá fotografías muy bonitas procedentes del talento de Man Ray pero no estoy seguro de la calidad de la película, cuya situación y juego me parece un poco estrafalario”.

Contrariamente a lo que pensaba el vizconde de Noailles, esta película es un filme de arte. Afecta de cerca las teorías del cine de Canudo y Elie Faure. Para Canudo, uno de los primeros teóricos del cine, el cine es un arte total en la medida en que globaliza las otras artes, reconciliando las artes del espacio y las artes del tiempo. Elie Faure es bastante próximo a esta concepción: para el, el cine le sintetiza las artes plásticas y las artes dinámicas, y el cine y la arquitectura suman las otras partes. Precisamente, en Los misterios del castillo de dados hay arquitectura, escultura, poesía y pintura, aunque este último aparece de una manera particular.

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