Se trata de tres rollos de la cinta “The white shadow”. El cineasta birtánico tenía 24 años y participó como asistente del director inglés Graham Cutts.

Fragmentos de la película muda “The white shadow” (Sombra blanca), considerada uno de los primeros trabajos de Alfred Hitchcock, fue hallada en en unos archivos cinematográficos de Nueva Zelanda. .

El presidente de la asociación de críticos de cine estadounidenses, David Sterritt, habló de un descubrimiento único. Las tres primeras bobinas del filme fueron localizadas en un montón de películas donadas a los archivos en los años 1990, dijo la institución neozelandesa. Leer Texto Completo »

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Citizen Kane (cuyo nombre en la República Argentina es El Ciudadano) tiene por lo menos dos argumentos. El primero, de una imbecilidad casi banal, quiere sobornar el aplauso de los muy distraídos. Es formulable así: un vano millonario acumula estatuas, huertos, palacios, piletas de natación, diamantes, vehículos, bibliotecas, hombres y mujeres; a semejanza de un coleccionista anterior (cuyas observaciones es tradicional atribuir al Espíritu Santo) descubre que esas misceláneas y plétoras son vanidad de vanidades y todo vanidad, en el instante de la muerte, anhela un solo objeto del universo ¡un trineo debidamente pobre con el que en su niñez ha jugado! El segundo es muy superior. Une al recuerdo de Koheleth el de otro nihilista: Franz Kafka. El tema (a la vez metafísico y policial, a la vez psicológico y alegórico) es la investigación del alma secreta de un hombre, a través de las obras que ha construido, de las palabras que ha pronunciado, de los muchos destinos que ha roto. El procedimiento es el de Joseph Conrad en Chance (1914) y el del hermoso film The Power and the Glory: la rapsodia de escenas heterogéneas, sin orden cronológico. Abrumadoramente, infinitamente, Orson Welles exhibe fragmentos de la vida del hombre Charles Foster Kane y nos invita a combinarlos y a reconstruirlo.
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La sección BAFICITO del Festival Independiente de Cine de Buenos Aires presentará por primera vez una selección histórica de obras en diversas técnicas de animación Taller de Cine “El Mate”.

La práctica frecuente de la animación, sin ser una rutina excluyente, ha sido en el tiempo muy importante y uno de los rasgos distintivos de la escuela, y es en base a esta técnica que se ha centrado la elección de los programadores.

La presentación consta de treinta cortometrajes que totalizan 75 minutos, trabajo de muchos chicos de 9 a 17 años entre los años 1987 y 2010. También se incluyen, como punto de partida de la experiencia, tres obras realizadas en los preliminares del Taller en los 80′s por Irene Blei y Lucía Cano, quienes iniciaron este lugar de encuentro e intercambio a partir de una propuesta que Blei presentara a la dirección del Centro de Artes Visuales dependiente de la Municipalidad de Vicente López, con la expectativa de enriquecer las posibilidades artísticas de los más jovencitos. La propuesta creció más allá de lo previsto y el espacio ocupado originariamente por niños se llenó de adolescentes. El Taller de Cine “El Mate” se consolidó como estructura y fue promovido al rango de escuela en diciembre de 1998 por el Concejo Deliberante local.

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-El Ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, y el director artístico, Sergio Wolf, anunciaron los detalles de la 13ª edición (6 al 17 de abril).
-El film de apertura será Vaquero, opera prima de Juan Minujín.
-Habrá 22 salas repartidas en 11 sedes.
-En total, se exhibirán 427 films, de los cuales 325 son largos y 102 cortos. La producción argentina aportará casi la cuarta parte de la programación con 101 films (42 largos y 59 cortos).
-La venta anticipada de entradas arranca el 28/3 por Internet o en persona con precios de 12 pesos (10 para estudiantes y jubilados).

SALAS:
-Alianza Francesa
-Atlas Santa Fe
-Hoyts Abasto
-Malba Cine
-Sala Leopoldo Lugones –TGSM-
-Teatro 25 de Mayo
-Arteplex Belgrano
-Cosmos-UBA.
-Cine al Aire Libre: Pasaje Carlos Gardel (Anchorena y Jean Jaurés), y la Plaza San Martín de Tours (Schiaffino y Posadas).

PREMIOS:
-La distribuidora ZFILMS adquirirá y distribuirá el film ganador de la Competencia Internacional.
-I.Sat dará premio en la competencia de Cine del Futuro.
-Del Público: Competencia Internacional y Competencia Argentina.
-BAFICITO: voto de los propios niños.
-UNICEF y DDHH.
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El Zócalo capitalino se convirtió en la sala de cine más grande del país al proyectar el filme “Abel“, de Diego Luna, encargado de abrir el Festival Internacional de Cine de la Ciudad de México (FiccMéxico).

Frente a la Catedral Metropolitana se dieron cita cientos de cinéfilos que disfrutaron de una película que ha causado buena impresión en eventos nacionales e internacionales, y ha recaudado cerca de 40 millones de pesos (unos tres millones de dólares) en taquilla.

Esta primera edición, que sesiona desde hoy y hasta el próximo 13 de febrero, tiene como país invitado a Cuba, cuya retrospectiva, la más completa que se haya visto en México, contempla 30 largometrajes y cortometrajes de ficción, animación y documentales, producidos entre 1961 y 2009.

Entre los títulos se incluyen clásicos como Lucía, de Humberto Solás; La muerte de un burócrata, de Tomás Gutiérrez Alea; Elpidio Valdés, de Juan Padrón, y otros más recientes premiados en festivales internacionales como Fresa y Chocolate, de Tomás Gutiérrez Alea, y La Vida es Silbar, de Fernando Pérez.
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Film&Cook, el primer festival de cine y gastronomía de Barcelona, incluirá la proyección de cortos antes de cada película programada. Por este motivo, abre la convocatoria para la presentación de cortometrajes y la única condición es que giren en torno al mundo de la gastronomía o coctelería.

La primera edición de Film&Cook premiará los mejores cortometrajes recibidos con su proyección en el festival, incluyéndolos en la programación y difusión del mismo. Todos los cortos serán visionados por un equipo de expertos, que elegirán los mejores trabajos teniendo en cuenta su temática, realización, guión y producción.

Los participantes tienen hasta el 28 de febrero para la presentación de sus cortos. Además, no es necesario que las producciones sean de estreno; pueden haberse presentado en otros festivales o estrenadas anteriormente. Todos los trabajos deberían durar un máximo de 10 minutos.
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Alexander Kluge habla de su concepción del cine y la televisión de autor y la independencia del artista

El director de títulos como Adiós al ayer y Trabajo ocasional de una esclava, que lo convirtieron en el padre del Nuevo Cine Alemán, también es un intelectual que reflexiona, en su libro 120 historias del cine, sobre el devenir de las imágenes en movimiento.

Por Carla Imbrogno *

Llueve torrencialmente en la primavera de Munich. Alexander Kluge me citó en su casa y estudio personal un domingo a las ocho de la noche: el único momento de la semana en el que no está trabajando. Llevo conmigo una lista de preguntas arbitrarias y aleatorias. Timbres 1 o 2. Me responde por el portero y abre desde arriba. Una de esas casas antiquísimas recicladas a nuevo, de techos imperecederos y con escaleras señoriales pero siempre de madera. Nada de mármoles a la vista. Subo el primer piso y giro a la izquierda. Esperándome sobre el tapete rojo del palier, la presencia ubicua de Alexander Kluge. Esta conversación comienza donde terminan las 120 historias del cine.
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Acerca de Origen , se ha suscitado un debate interesante, a parte del habitual “me gusta“, “no me gusta“, “obra maestra“, “mierda pinchá en un palo“. El de “¿se entiende?“.

Hay gente a la que le gusta “investigar” una película. Otros, que se la den más o menos mascada. Los hay que no quieren todo evidente, pero tampoco esperan que se lo pongas extremadamente difícil. Y los hay que les entusiasma salir de la sala sin entender nada y enarbolando sus propias teorías.

También está la gente que no entiende nada pero dice entender, por el “que dirán” o porque está de moda decir que te encanta tal película o tal director.

Esto último es algo que le pasa tanto a varios fans de David Lynch como a los amigos de esos fans, que creen que no han entendido nada sus colegas pero van de flipados. Como Lynch.
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El portal de cine británico Total Film ha seleccionado las que, a su criterio, son las 25 películas más perturbadoras de la historia del cine, en la que no podía faltar David Lynch.

El primer lugar lo ocupa El exorcista (la original de 1973, claro está), seguida de la británica Threads de Mick Jackson y la japonesa Audition de Takashi Miike.

David Lynch aparece por partida doble en la lista, con Cabeza Borradora (en la cuarta posición) y con Terciopelo Azul (en la 24ª y penúltima posición).

La lista completa de películas es la siguiente:

1. “El exorcista” (“The Exorcist”, 1973), de William Friedkin
2. “Threads” (“Threads”, 1984), de Mick Jackson
3. “Audition” (“Ôdishon”, 1999), de Takashi Miike
4. “Eraserhead” (1977), de David Lynch
5. “Tras el cristal” (1987), de Agustí Villaronga
6. “Holocausto caníbal” (“Cannibal Holocaust”, 1980), de Ruggiero Deodato
7. “Saló, o los 120 días de Sodoma” (“Salò o le 120 giornate di Sodoma”, 1975), de Pier Paolo Pasolini
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Esta semana murió en París uno de los artífices de la Nouvelle Vague. En esta entrevista de mayo de 2007, el realizador cuenta cómo fue su tránsito de la literatura al cine.

Por: Samuel Blumenfeld

-Usted publicó “Elisabeth” en 1946. Esa primera novela, que no será seguida por ninguna otra, está agotada desde entonces. ¿Por qué se reedita recién ahora, con el título ligeramente distinto de “La Maison d’Elisabeth”?

-Perdí el último ejemplar que me quedaba y no había vuelto a leerlo desde los años que siguieron a su publicación. Hace unos años, me preguntaron en Gallimard si quería reeditar el libro. Yo dije que no. Prefería que fuera a título póstumo. Pero resulta que un alemán me preguntó si aceptaba que lo tradujeran al alemán. Era una idea bastante divertida. Lo reeditaron ahí y después en Italia. Entonces me dije: ¿Por qué no en Francia? Me parecía que mis películas no tenían nada que ver con esa novela. Sin embargo, cuando la releí, descubrí que había relaciones. Puedo decir modestamente que la novela no es mala. Hay situaciones que se parecen a las de mis películas y que no eran inferiores a mis películas en algunos pasajes. Al menos, es lo que me pareció. Pero no me gustaba el título original, Elisabeth. Busqué durante mucho tiempo. Finalmente, hay un personaje central que está en la casa, de ahí el título La Maison d’Elisabeth. El tema de la novela, no es la visión de una mujer, tampoco es la casa. Es todo lo que sucede en esa casa. Es un título modesto. No quería un título estrepitoso.
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